Les amigues de l’Àgata: el arte de capturar un instante
Jun21

Les amigues de l’Àgata: el arte de capturar un instante

Les amigues de l’Àgata es uno de esos milagros que llegan de vez en cuando al cine y ofrecen una gran frescura. Fruto de un trabajo  de final de carrera, y producido mediante crowdfunding, se trata de un fabuloso debut de cuatro graduadas en Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra: Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen. El nombre de las cuatro aparece conjuntamente en los apartados de los créditos de directoras, guionistas, montadoras y directoras de fotografía: un trabajo artesanal y muy personal realizado con cariño por parte de todas ellas, rodando incluso en sus respectivas casas. Un proyecto apadrinado además por los realizadores Isaki Lacuesta y León Siminiani. Y lo que iba a ser un cortometraje se transformó en un largometraje de 70 minutos que ha alcanzado las salas de cines y cosechado éxito por donde ha pasado. En la edición del Festival D’A en Barcelona del año pasado se alzaron con el Premio del Público, siendo una de las películas revelación. La película se centra en captar un instante, un cambio, un primer extrañamiento del que había sido su íntimo entorno afectivo hasta el momento por parte de una joven de 19 años. Ágata es una chica que estudia primero de Humanidades en Barcelona, y sigue manteniendo un fuerte lazo que en su día parecía inquebrantable con sus amigas del instituto. Pero esta relación, de forma involuntaria, empieza a cambiar bajo las nuevas perspectivas de la vida, al iniciar un nuevo ciclo en la universidad y entablar nuevas amistades que abren nuevos horizontes e inquietudes. Las directoras decidieron contactar desde buen inicio del proyecto con las cuatro actrices que iban a dar vida a Ágata, Carla, Ari y Mar, para poder trabajar con ellas los personajes y que les pudieran dotar de vida propia ellas mismas. Así fue como surgió el contacto con las actrices Elena Martin, Carla Linares, Marta Cañas y Victòria Serra, que se fueron familiarizando con sus respectivos papeles hasta hacerlos suyos. Y la magia del film recae precisamente en la maravillosa naturalidad dramatúrgica lograda por parte de las actrices. Las directoras les dejaron libertad para improvisar en las escenas una vez interiorizaron a sus respectivos personajes, y tan solo les dieron las instrucciones de a dónde tenían que llegar en cada escena, dejándoles a las actrices crear el camino para ello. Y el resultado es un éxito: una agradable sensación de que todo resulta espontáneo, natural, cercano e íntimo. En palabras de las directoras: “Queríamos que cada escena estuviese en estado de suspensión, como si fuese un recuerdo.” Les amigues de l’Àgata es una película sencilla, cuya magia recae precisamente en los pequeños detalles, tales como los gestos, pausas y elipsis. Se trata de una obra sin artificios,...

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‘Espías desde el cielo’: Los drones, la nueva guerra burocrática desde la seguridad de un sillón
May22

‘Espías desde el cielo’: Los drones, la nueva guerra burocrática desde la seguridad de un sillón

Espías desde el cielo es un thriller muy interesante, que pretende invitar al espectador a reflexionar sobre un tema de actualidad sobre el cual todavía no ha recaído un debate serio y necesario a gran escala: el uso indiscriminado de los drones militares. “La verdad es la primera víctima de la guerra.” Sinopsis: La coronel Katherine Powell (Helen Mirren), una oficial de inteligencia que opera desde Londres, dirige a distancia una operación de alto secreto con drones para capturar a un grupo de peligrosos terroristas en su piso franco de Nairobi, Kenia. Sin embargo, cuando Powell se da cuenta de que los terroristas se preparan para emprender una misión suicida, se ve obligada a cambiar la operación de “capturar” a “matar”. Desde su base de Nevada, el piloto de drones estadounidense Steve Watts (Aaron Paul) se dispone a destruir el piso franco, cuando una niña de nueve años se mete en la zona que quedaría arrasada por el ataque. Al entrar en la ecuación daños colaterales imprevistos, la dura decisión de cuándo atacar va pasando a niveles superiores del escalafón de políticos y abogados, mientras el tiempo para tomarla se va agotando. Espías desde el cielo fascina por un lado por la demostración que hace del impresionante y a la vez aterrador avance tecnológico de los drones para tareas de espionaje, con un par de escenas inolvidables. A pesar de que su guión tiene momentos que resultan muy forzados y poco creíbles, considero adecuado remarcar sus buenas intenciones buscando crear un debate y reflexión entre los espectadores sobre un tema tan importante de nuestra actualidad: el uso militar de drones. Mientras nosotros observamos la película en el cine, allá fuera las fuerzas militares de las grandes potencias militares, especialmente las de los EEUU, están matando personas con sus drones de guerra, y todo desde la comodidad y seguridad de un sillón. La nueva guerra de nuestro siglo, donde un puñado de líderes militares y/o políticos deciden hacer por su cuenta de justicieros del mundo, y matan a personas a miles de kilómetros de distancia de sus países argumentando que persiguen terroristas o ‘gente mala’, pero lo cierto es que mueren miles de inocentes constantemente por ello. Recomiendo por ello encarecidamente ver a su vez el documental (cuando se estrene algún día) de National Bird, en el cual se disecciona el programa de los drones de los EEUU, destapando entre otras cosas que matan alrededor de 80.000 personas anuales con ellos.  Pero, ¿se pueden medir los daños colatelares de los drones en términos utilitaristas? ¿O una sola vida inocente debería ser suficiente para no emprender tales acciones? El debate moral está servido. El film cuestiona...

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Trumbo: Bryan Cranston da vida al ‘líder’ de los Diez de Hollywood
May02

Trumbo: Bryan Cranston da vida al ‘líder’ de los Diez de Hollywood

Antes de escribir sobre la película, me gustaría divagar un poco sobre el importante tema del que trata en su trasfondo. Los Diez de Hollywood fue el nombre que la prensa utilizó para designar a un grupo de personas relacionadas con la industria cinematográfica estadounidense, y que fueron incluidos en la lista negra de Hollywood durante la caza de brujas iniciada por Joseph McCarthy, acusados de obstrucción a las labores del Congreso de los Estados Unidos por negarse a declarar ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses, destinado a investigar una supuesta infiltración comunista en las filas de Hollywood. Se trata de uno de los episodios más vergonzosos y lamentables en la historia de Hollywood, y de la historia interna de los EEUU. Considero imprescindible compartir este texto que escribió Albert Maltz, uno de los Diez de Hollywood: “Entre los años 1947 y 1960, las fuerzas reaccionarias de Estados Unidos efectuaron una seria tentativa para instituir el control del pensamiento. El objetivo era el de sofocar, y finalmente prohibir, toda crítica contra la administración en el poder; en definitiva, convertir a los ciudadanos de nuestro país en dóciles corderos políticos. El caso de los Diez de Hollywood fue una de las muchas batallas del periodo para resistir aquel esfuerzo. Batallas similares se lucharon por muchos otros en diferentes áreas, en educación (desde las escuelas elementales hasta las universidades), en profesiones como la medicina y el derecho, en editoriales y en el teatro, en los sindicatos obreros. El caso de los Diez de Hollywood recibió mucha atención porque existe un amplio interés hacia las películas de Hollywood. Además, era la primera vez desde 1790 que un grupo de intelectuales americanos (en contraste con los trabajadores) fueron enviados a la cárcel. Sin embargo, en su esencia, el caso de los Diez de Hollywood no era distinto de las miles de otras luchas a lo largo de los años, en este y en otros países, para resistir a las fuerzas de la tiranía. Los pueblos de todos los lugares, en todas las épocas  y  en todas las sociedades, han deseado la libertad de pensar por sí mismos y de expresar sus opiniones sin sufrir represión. Pero siempre existen fuerzas tiránicas que tratan de ahogar este derecho. Esta es, creo, una lucha que durará por toda la eternidad.” También Orson Welles -otro de los tantísimos que fueron investigados- se pronunció al respecto con las siguientes palabras: “De mi generación somos muy pocos los que no hemos traicionado nuestra postura, los que no dimos nombres de otras personas. Esto es terrible. Y uno no se recupera de ello. No sé cómo se puede recuperar uno de semejante traición, que difiere enormemente de la...

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Toro: un thriller de acción crudo y violento
Abr19

Toro: un thriller de acción crudo y violento

Tras los estrenos de las películas españolas de Paco León y Pedro Almodóvar, llega a nuestros cines otra película española muy distinta: Toro, un thriller de acción frenético, con bastantes dosis de violencia y crudeza. Se trata del segundo largometraje de Kike Maíllo, que en sus inicios realizó un cortometraje interesante llamado Los perros de Pavlov (2003).  En Toro, Kike Maíllo muestra su cinefilia a base de utilizar en su film una gran cantidad de referencias cinematográficas de otras películas, bastantes de ellas usadas con gracia y acierto. Pero la fuente predominante de inspiración es la de Nicolas Winding Refn, el prestigioso director de Drive. “España es así, un país de malos hermanos.” A modo de breve sinopsis, Toro narra la historia de tres hermanos que trabajan para un gángster español que goza de mucho poder (interpretado por José Sacristán). Tras un incidente en el que debía de suponer el último encargo por parte de Toro, dos de los hermanos (interpretados por Mario Casas y Luis Tosar) se vuelven a reencontrar transcurridos 5 años, y se unen para intentar solventar una delicada situación. Pero tarde o temprano aparecen las viejas heridas del pasado… “El pasado siempre vuelve.” Si se le puede recriminar algo a Toro, es principalmente el guión, que flaquea un poco a veces y no profundiza tampoco demasiado en los personajes que interpretan magníficamente el trío de actores protagonistas, haciendo que se pierda un poco el potencial que tenían sus personajes. Pero lo compensa con otros bastantes detalles interesantes y vistosos. A su vez, aprovecha para dejar caer frases que se pueden extrapolar fuera del contexto de la película, que sirven para criticar o reflejar la realidad española. “Mala memoria, el otro gran defecto de este país.” Una de las virtudes de Toro es su cuidada estética que bebe de la influencia de Refn, lo que siempre es bueno. La película goza de una gran fuerza visual. Además, a pesar de algún que otro defecto, lo cierto es que a grosso modo la película y sus cuantiosas escenas de acción están bien rodadas y montadas. Discutible resulta quizá la necesidad de las escenas rodadas en cámara lenta. Mención especial merece a su vez Mario Casas, realizando una interpretación convincente y creciendo cada vez más como actor. Como defecto, podríamos citar el fallido uso de los temas y símbolos religiosos, que podría haber dado más juego y se podría haber exprimido más y mejor, pues queda como algo muy superfluo y sin mensaje alguno en el film. Considero que le podría haber dado mucho potencial a la historia, y se podría haber utilizado a su vez para criticar la doble moral de los gángsters que suelen aferrarse a la religión cristiana, sobre todo en nuestro país donde la misma...

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Julieta: una historia de culpa y redención, por Almodóvar
Abr07

Julieta: una historia de culpa y redención, por Almodóvar

El prestigioso director manchego regresa a nuestras pantallas con su nuevo film, Julieta, volviendo al registro melodramático (aunque se acerca más al drama en esta ocasión, tal y como defiende el mismo Almodóvar), tras sus incursiones en el thriller psicológico con La piel que habito (2011) y el regreso a los orígenes de sus comedias alocadas mediante Los amantes pasajeros (2013). Julieta es probablemente una de las mejores películas en la filmografía de Almodóvar, y en cualquier caso, la más madura. Julieta supone un viaje introspectivo al pasado. Emma Suárez y Adriana Ugarte -gran trabajo interpretativo por parte de las dos actrices- encarnan ambas a Julieta, en dos momentos temporales distintos, con una diferencia de unos 30 años. Cabe destacar la escena en la que se relevan, resuelto de forma tan sutil como inteligente, y creando una dura y a la vez bella metáfora sobre el paso del tiempo. Los fantasmas del pasado vuelven a aflorar en la vida de Julieta de pronto, y ésta se ve en la necesidad de poner por escrito todo lo sucedido en la vida de su hija, desde el día en que conoció a su padre, Xoan, durante un viaje en tren. Con este recurso narrativo, vamos indagando en las cicatrices del pasado de Julieta. La película cuenta con un preciso guión -que hace una adaptación libre de los relatos “Destino”, “Pronto” y “Silencio” de la Premio Nobel de literatura canadiense Alice Munro-, y una de sus virtudes es precisamente su buen ritmo narrativo. Todo está perfectamente hilado, y Almodóvar logra adentrar al espectador, sin necesidad de sensacionalismos ni giros de guión alocados, en una dura historia de culpa y redención, narrada con gran sensibilidad pero también con contención. “Tu ausencia llena por completo mi vida, y la destruye.” Como es habitual, el director manchego utiliza como color principal en su expresiva paleta de colores, el rojo, que predomina a lo largo de todo el largometraje, seguido del azul. La estética está cuidada al milímetro, y hay composiciones verdaderamente bellas. Tiene una gran presencia el mar, el cual emplea a su vez para algunas metáforas. Julieta es básicamente una película sobre el dolor, la pérdida, la culpa, y principalmente el silencio. Como anécdota, la película iba a llamarse de hecho Silencio, pero debido a que Martin Scorsese se hallaba ya rodando su nuevo film con el mismo título, Silence, Almodóvar se vio obligado a cambiarlo. Con Julieta, Almodóvar regresa con un drama serio y contenido, y con un estilo renovado. “Quise que viviéramos lejos de la culpa. Y a pesar de mi silencio, te la contagié como un...

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El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas
Feb17

El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas

Que alegría provoca el ir a ver una película de la cual tenías ya de por si unas expectativas muy elevadas, y que no consiga tan solo superarlas con creces, sino que te regale además una sorpresa tan grata. El abrazo de la serpiente, la nueva película del director colombiano Ciro Guerra, logró dejarme asombrado de tanta belleza, magia y poesía; una de las películas más impresionantes y magnéticas que he visto jamás. Es un film único e inclasificable, que deja huella en la memoria. El abrazo de la serpiente transporta al espectador a un viaje de aprendizaje en un mundo fascinante y desconocido. Narra de forma poética el apocalipsis que supuso el colonialismo y sus devastadores efectos posteriores, donde fueron destruidas casi al completo las tradiciones ancestrales de las tribus indígenas, diezmadas por la opresión, la codicia por el caucho y la religión cristiana. Cabe destacar en primer lugar el guión: inteligente, complejo y bien estructurado, ofreciendo diálogos muy interesantes -sin resultar nunca forzados-, y realizando una narración atemporal, en la cual se van entremezclando pasado, presente y futuro. El protagonista es Karamakate, un indígena chamán que cree ser el último superviviente de su tribu, y con ello el último poseedor del conocimiento y del secreto más preciado de su pueblo: una planta llamada yakruna . La película intercala dos vivencias suyas, una en su juventud y la otra transcurridos ya unos 40 años, en sus encuentros con dos personas que acuden a él por circunstancias muy distintas en busca de dicha planta. Y en su búsqueda, resulta devastador ver como algunas acciones pueden condicionar tanto el futuro y provocar consecuencias tan aterradoras. Pero la película no destaca solamente por lo que cuenta, sino sobre todo por la forma en que lo hace. Tiene una maravillosa dirección artística que ha cuidado los detalles al milímetro, así como una magnética fotografía en blanco y negro de un enorme poderío visual. Logra dejarte impregnados muchos de sus fotogramas en lo más profundo de tu memoria, evocando con un sentimiento de nostalgia -como si realmente de tiempos pasados se tratase- esas bellas imágenes de esos increíbles paisajes, introduciéndonos en las entrañas de la selva vista con una amplia escala de grises inquietante, donde reinan las luces y sombras. Un viaje lírico y reflexivo a lo más profundo del Amazonas. La enorme calidad y valor cinematográfico de El abrazo de la serpiente está siendo reconocido por suerte en su paso por los Festivales. Tras ganar el Art Cinema Award en Cannes, la película pasó humildemente por el Festival de San Sebastián, siendo una de las mayores sorpresas del festival para los que pudimos tener la suerte de verla. Posteriormente si que resultó la gran vencedora del Festival de Mar del Plata, ganando el Astor...

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The Revenant: absorbente epopeya de supervivencia y venganza
Feb04

The Revenant: absorbente epopeya de supervivencia y venganza

El actual dúo de oro que arrasó el año pasado con Birdman, Alejandro González Iñárritu y Emmanuel Lubezki, vuelve a la carga con una apuesta todavía más ambiciosa si cabe que la predecesora, mediante un blockbuster de autor: The Revenant (El Renacido). Y está siendo la principal protagonista del año en la carrera de los grandes premios, por mérito propio. En palabras de Pablo Kurt que comparto en su totalidad, The Revenant supone un zarpazo cinéfilo a los ‘blockbusters’ de pacotilla. The Revenant es una película de aventuras pura y dura, dotada de un gran realismo y de momentos de mucha crudeza. Una película que no pretende invocar al intelecto, sino que busca ser una experiencia sensorial sustentada en su enorme poderío visual, envuelta en una historia de supervivencia y venganza bastante simple, aunque repleta de adversidades (y guiños cinematográficos, como a Dersu Uzala, por nombrar alguno). En este caso, el guión no ha sido más que una excusa para Iñárritu para embarcarse en un proyecto de gran envergadura a partir de una historia basada en hechos reales, con el objetivo de hacer de nuevo, como en gran parte de su filmografía, otro duro retrato del hombre, solo que en este caso sin demasiada trascendencia más allá de mostrar la increíble resistencia humana en condiciones casi insoportables. Pero igual que sucediere con Gravity -por nombrar un símil cercano- su fuerza no recae en su contenido, sino en su forma y espectacular poderío visual; “prueba” de ello es que entre las cuantiosas 12 nominaciones a los Oscars no encontramos la de guión. Aunque lo único que une realmente a Gravity con The Revenant es la maestría del seguramente mejor director de fotografía de las últimas décadas: Emmanuel Lubezki, que tras ganar el Oscar con las citadas Gravity y Birdman, tiene de nuevo todos los números para llevarse por tercer año consecutivo la estatuilla a su casa, y ello además con tres registros completamente diferentes los unos de los otros. Y dado que es uno de los principales protagonistas de la película, le dedicaré especial atención más adelante. La película empieza con una espectacular puesta en escena, del todo inolvidable. Ubicados en las profundidades de la América salvaje a principios del 1800, el explorador Hugh Glass (interpretado por Leonardo DiCaprio) se encuentra inmerso junto a su hijo mestizo Hawk en una expedición de tramperos que recolecta pieles, cuando de repente su campamento es ferozmente atacado por unos indios indígenas. Resulta absolutamente fascinante la maestría con la que están filmadas estas secuencias iniciales y sus fabulosas coreografías. Se trata de una puesta en escena de gran intensidad, que sitúa de buen comienzo el contexto en el cual se desarrolla la historia y realiza una buena presentación de los personajes ante una situación frenética. Puro arte. Y quien logra crear esa...

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