‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico
Sep27

‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico

Darren Aronofsky, director de películas como Pi fe en el caos (1998), Requiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006), El luchador (2008), El cisne negro (2010) y Noé (2014), ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia, y posteriormente en la sección de Perlas del 65 Festival de San Sebastián, su nuevo film mother!, el más ambicioso, frenético, provocativo y críptico hasta la fecha, que tendrá probablemente su horda de haters y de fans, a partes iguales. Su sinopsis es la que sigue: A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. Pero esta sinopsis no es más que la situación narrativa a modo de telón de fondo, puesto que mother! entera es en realidad un cúmulo de metáforas y analogías, aunque bastante crípticas. En palabras de Darren Aronofsky: mother! empieza como una historia típica sobre el matrimonio. En el centro de la historia está una mujer a la que se le exige dar y dar y dar hasta que ya no puede dar nada más. Pero paralelamente, la casa no puede soportar toda la presión hirviendo dentro. Se convierte en algo distinto… Si bien en sus anteriores proyectos, sus guiones se gestaron a lo largo de alrededor de un año, éste nació de forma visceral, tras encerrarse cinco días enteros en una casa vacía. Tras ser preguntado por el motivo de tan oscura visión, su respuesta fue la siguiente: “Es una época loca para estar vivo. Mientras la población mundial se acerca a los 8000 millones nos enfrentamos a problemas demasiado serios que toca considerar: Los ecosistemas colapsan mientras presenciamos extinciones a un ritmo sin precedentes; las crisis migratorias desestabilizan gobiernos; unos EEUU aparentemente esquizofrénicos ayudan a corregir un tratado histórico sobre el clima y meses después se retira;Antiguas disputas tribales y creencias siguen conduciendo a la guerra y a la división; El mayor iceberg registrado jamás se parte en dos en el Antártico y se desplaza hacia el mar. Al mismo tiempo enfrentamos problemas demasiado ridículas para ser comprendidas: En América del Sur unos turistas matan a dos bebés de delfín raros que arrastraron a la orilla, sofocándolos en un frenesí de selfies; la política se asemeja a los eventos deportivos; personas todavía mueren de hambre mientras otros pueden pedir cualquier tipo de carne que deseen. Como especie, nuestra huella es peligrosamente insostenible, pero vivimos en un estado de negación sobre...

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La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma
Sep08

La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma

Guillermo del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica… los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». En esta línea, ha presentado su nueva película -titulada The shape of water (La forma del agua)- en la  Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de Venecia, y como no podía ser de otro modo, ha vuelto a introducir un monstruo como elemento angular del film. Con La forma del agua, Guillermo del Toro vuelve a realizar otro cuento fantástico, a partir de una historia escrita por él mismo, y ambientada esta vez en plena Guerra Fría, en los años 60. Más concretamente, nos introduce en un laboratorio gubernamental de alto secreto, donde trabaja una mujer muda, Elisa (interpretada por una magnífica Sally Hawkins), que vive atrapada en una vida aislada, hasta que descubre y conoce al ser anfibio con el que andan experimentando en uno de los laboratorios. La historia bucea entre distintos géneros: fantástico, thriller, drama y romántico. Y a pesar de ser una película principalmente de entretenimiento, la historia tiene un gran peso socio-político llena de analogías. Aunque de lo que habla principalmente el film es del amor. En palabras de Guillermo del Toro: El agua siempre coge la forma de lo que la sostiene en el tiempo, y a pesar de que el agua puede llegar a ser tan leve, también es la fuerza más poderosa y maleable del universo. Del mismo modo funciona el amor ¿no? Da igual en que forma o recipiente depositemos el amor, se convierte en eso, ya sea un hombre, una mujer, o una criatura. En el film, aparecen muchos de los temas recurrentes en la filmografía de Guillermo del Toro, tales como la biología y su fascinación por el mundo fantástico. Temas como el ‘bien’ y el ‘mal’, la inocencia y la amenaza, lo histórico y lo eterno, lo bello y lo monstruoso, confluyen entre ellos demostrando que no hay oscuridad que pueda derrotar del todo a la luz. También en palabras de Guillermo del Toro: Me gustan las películas que son liberadoras, que te dicen que está bien ser quien sea que seas. Y parece ser que en los tiempos que corren, es un tema muy pertinente. Como a lo largo de su filmografía, los films de Guillermo del Toro destacan principalmente por su gran trabajo artístico, creando una atmósfera y estética propia, tanto en el departamento de arte como en el de vestuario. Guillermo del Toro logró juntar a su vez un maravilloso grupo de actores, en...

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Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen
Sep03

Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen

George Clooney ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia su último film, Suburbicon,  que llevaba gestando ya desde hacía más de dos años. El proyecto nació inicialmente sobre la idea del evento sucedido en EUU, en Levittown, Pennsylvania, en los años 50, cuando en una zona residencial acudió a vivir una familia afroamericana, y en la misma noche en que llegaron se reunieron 500 personas en frente de su vivienda con banderas confederadas y con gritos racistas, construyendo un muro a su alrededor. Durante la escritura del guión junto a Heslov alrededor de esta idea, George Clooney recordó un guión de los hermanos Coen de hacía más de 20 años, que había quedado en un cajón. Se trataba de un guión con tema similar a los de Fargo o Quemar después de leer, con personajes insalvables tomando malas decisiones. Los Coen descartaron filmar ellos mismos el guión al querer avanzar hacia otros terrenos cinematográficos. Clooney vio factible adaptar el guión a los años 50 añadiendo los sucesos de Levittown, con la idea de darle además un toque todavía más enfadado al del guión original. Suburbicon destaca por su buena adaptación de los años 50 en los EEUU, donde lo mejor y lo peor de la humanidad queda reflejado en la gente ordinaria. Clooney ha reunido para ello un equipo creativo de alto nivel en todas las áreas, destacando la fotografía por parte de Robert Elswit y las partituras de Alexandre Desplat que cobran protagonismo en partes del film. En esta década posterior a la Segunda Guerra Mundial, la clase media norteamericana estaba en proceso de trasladarse a las zonas residenciales prefabricadas en casas asequibles en comunidades reducidas. Para muchos, este Sueño Americano de poseer una casa propia, con parking y jardín, empezaba a convertirse en realidad. Pero como matizó George Clooney en la rueda de prensa, esta realidad de los años 50 era posible solamente si eras blanco. Es de hecho la época a la que hace siempre referencia el actual presidente Trump en sus rancios discursos de Make America Great Again, aludiendo a la época de Eisenhower. Época, en la que Trump tenía la edad del niño protagonista. Aunque el proyecto nació antes de que Trump se convirtiera en presidente, el film ha terminado siendo idóneo para hacer metáforas y reflexiones alrededor del discurso de Trump. George Clooney no desaprovecha la ocasión para hacer política en sus films. De izquierda a derecha: Julianne Moore como Margaret y Matt Damon como Gardner en Suburbicon, de Paramount Pictures y Black Bear Pictures. Se trata de un film en el que la violencia va escalando lentamente, hasta llegar a un desenfreno total tarantiniano, con grandes dosis...

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‘Selfie’: Larga vida al ‘mockumentary’ (**)
Jun16

‘Selfie’: Larga vida al ‘mockumentary’ (**)

A un consentido niño bien se le saca de su hábitat para bajarlo al mundo que se extiende más allá de su ombligo, seguido por una intrusiva cámara que registra sus desventuras, y todo el mundo nos hemos puesto a pensar en Sacha Baron Cohen con un bañador verde. No es para menos. A mí, sin embargo, me ha recordado más a El dictador que a Borat, por aquello de ser un cuento acerca de un acomodado despreciable al que las circunstancias obligan a bajarse de la parra (en este caso, la detención de su padre, ministro acusado de una veintena de delitos fiscales) y que, confundiéndose entre la ciudadanía de a pie, acaba encaprichándose de una chavala (mejor Macarena Sanz que Anna Faris, todo sea dicho) a quien engaña cruel y constantemente. A fin de cuentas, Selfie acaba por convertirse más en esto último que en lo que pretendía: una punzante mirada hacia la “subnormalidad política” y la esperpéntica realidad de este absurdo país, que ninguna ficción parece ser capaz de igualar. Bosco resulta ridículamente despreciable desde el minuto uno hasta el plano final, pero no es consciente de ello. Peca de clasista, de machista, de poser, de prepotente, de malcriado, de farsante… Al menos, el actor Santiago Alverú parece estar pasándoselo de coña con él. En cuanto se lanza a la calle después de que le embarguen su opulenta casa, recibe la ayuda de Macarena, una podemita ciega a la que incomprensiblemente conquista (declara la actriz, animus iocandi, que no sabe cómo su personaje se enamora de ese ser). Esto alimentará el resentimiento del pobre “buen chico” con el que debe compartir piso, Ramón (Javier Caramiñana). Supuestamente, Macarena representa a una España ciega, desorientada y por la que compiten la izquierda y la derecha, esta última consiguiendo camelársela y, por supuesto, tratándola fatal. Una vez establecido el símbolo, la comedia pierde gran parte de su encanto y, al menos por un lado, reproduce la fórmula del duelo de sables y la mujer como territorio de conquista. Esto no es incoherente con el resto de la propuesta, pero fagocita y agota la sátira. El propio director dio cuenta de la facilidad con la que se desgasta el formato “falso documental” si se abusa de él. Yo incluso añadiría que ya está agotado y punto. Aunque el punto de partida de Selfie es interesante, me ha parecido desaprovechado y poco convincente, pero quizá solamente estaba a una reescritura de ser una comedia memorable. Aun así, me quedo con la impresión de que fue un proyecto ilusionante. ¡No todos los días puede uno asomarse de estrangis en la charca de Esperanza Aguirre!...

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El Exorcista: Análisis de las diferencias narrativas entre la película y la serie de TV
Abr13

El Exorcista: Análisis de las diferencias narrativas entre la película y la serie de TV

El Exorcista (1973), considerada la película más terrorífica de todos los tiempos, se estrenaba en los cines norteamericanos de la década de los setenta para marcar un antes y un después en la historia de la cultura popular. Más de cuarenta años después de su estreno, el mito sigue estando de actualidad con dos secuelas que aparecieron en los años siguientes y otras dos precuelas y una serie de TV, con la entrada del siglo XXI. En septiembre de 2016, llegaba a las pantallas de televisión la esperada serie dramática basada en la película original. The Exorcist se proponía trasladar al formato serial, la historia que sobresaltó e impresionó a millones de espectadores en todo el mundo (recaudando más de 400 millones de dólares), y cuyas continuaciones posteriores no consiguieron mantener el nivel de exigencia y calidad que ofreció en su momento la primera parte de esta saga. A pesar de las similitudes que tiene la serie por considerarse un remake del largometraje original, el presente trabajo es un intento por comparar las diferencias narrativas de ambos formatos (película de 1973 y temporada completa de la serie), deteniéndose principalmente en el análisis de sus tramas y personajes, pero también en otros aspectos importantes del relato como el argumento, el espacio, la estética, el tiempo, la estructura o el punto de vista. En definitiva, el objetivo de esta investigación se basa en establecer los factores narrativos que lo diferencian de la película, pese a las semejanzas que posee con su predecesora y comprobar la veracidad de la hipótesis establecida en un primer momento, sobre si la serie es un remake de la obra original. Argumento y Tiempo El argumento de la película y la serie están basados en la novela homónima de William Peter Blatty, escrita en 1971. En El Exorcista (1973), Regan MacNeil es víctima de fenómenos paranormales como la levitación o fuerza sobrehumana. Su madre, Chris MacNeil, se encuentra perdida tras haber sometido a su hija a diversos análisis médicos que no ofrecen ningún resultado, decide acudir a un sacerdote con estudios de psiquiatría. El Padre Karras, convencido de que el mal no es físico sino espiritual, acude a la Iglesia para que le permitan hacer un exorcismo a la joven Regan con la ayuda del Padre Merrin, un veterano sacerdote con experiencia en temas de posesión diabólica. En The Exorcist (2016) la historia que se narra es similar, pero ambientada en la actualidad. La joven Katherine Rance empieza a comportarse de una forma extraña. Su madre Angela, intuye que su hija está siendo poseída por el diablo y acude al cura de su parroquia, el Padre Tomás,...

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La La Land: romántico homenaje al cine
Ene11

La La Land: romántico homenaje al cine

Aunque son pocas las películas que lo consiguen, el séptimo arte tiene la magia de poder hacerte salir flotando de la sala de cine en ciertas proyecciones. Y cuando esa magia sucede, es una sensación que te puede llegar a envolver durante muchas horas. La La Land (La ciudad de las estrellas) es uno de estos films especiales que lo logran, y que te invitan durante su visionado a dejar fluir una serie de emociones y sentimientos mientras disfrutas de una intensa y completa experiencia cinematográfica, para finalmente salir como hechizado y desestabilizado emocionalmente. O al menos, lo logró conmigo. Después de cosechar un gran éxito con Whiplash (2014), Damien Chazelle se ha embarcado en un proyecto muchísimo más ambicioso con La La Land (2016), film donde demuestra que además de tener un enorme talento como cineasta es a su vez un gran cinéfilo, y en el cual reafirma también su gran conocimiento y pasión por el jazz. Con gran soltura, transita por distintos géneros y revitaliza un complicado género como es el musical, haciéndole un hermoso homenaje al mismo y dándole un soplo de aire fresco, evocando en lo estético a los musicales de Jacques Demy tales como Los paraguas de Cherburgo o Las señoritas de Rochefort, y en esencia a gran cantidad de otros grandes musicales, como por ejemplo el New York, New York de Martin Scorsese o clásicos como Un americano en París de Vincente Minelli. Y además de la gran cantidad de referentes que hay, no es menor la cantidad de guiños cinéfilos que realiza Chazelle, por lo que me limitaré a resaltar el de El globo rojo de Albert Lamorisse. ¿Cómo vas a ser un revolucionario, siendo tan tradicionalista? Te aferras al pasado, pero el jazz es sobre el futuro. Chazelle combina lo mejor del cine clásico con el de vanguardia, con un magistral manejo del lenguaje cinematográfico. El resultado es un film único, inolvidable y mágico. Todo funciona perfectamente en una mezcla precisa entre diálogos, interpretaciones, drama y música, con un constante ritmo, fuerza y sello personal. Si bien la película trata argumentalmente sobre una bonita historia de amor, el verdadero amor es el que plasma Chazelle por el cine, el arte y la música en cada escena. Y ello queda patente ya en la puesta en escena, donde uno queda sumergido en su mundo deseando que ojalá fueran tan alegres todos los atascos en la vida real. Cabe destacar la maestría con la que realiza las transiciones de las escenas musicales a las convencionales, y viceversa. La La Land desprende nostalgia, desprende melancolía, desprende amor. Un film de una inmensurable belleza que hila con maestría distintos temas alrededor de los sueños y los soñadores, envuelto en una hermosa atmósfera agridulce, de gran colorido. Ante la aparente festividad, subyace el drama,...

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Les amigues de l’Àgata: el arte de capturar un instante
Jun21

Les amigues de l’Àgata: el arte de capturar un instante

Les amigues de l’Àgata es uno de esos milagros que llegan de vez en cuando al cine y ofrecen una gran frescura. Fruto de un trabajo  de final de carrera, y producido mediante crowdfunding, se trata de un fabuloso debut de cuatro graduadas en Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra: Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen. El nombre de las cuatro aparece conjuntamente en los apartados de los créditos de directoras, guionistas, montadoras y directoras de fotografía: un trabajo artesanal y muy personal realizado con cariño por parte de todas ellas, rodando incluso en sus respectivas casas. Un proyecto apadrinado además por los realizadores Isaki Lacuesta y León Siminiani. Y lo que iba a ser un cortometraje se transformó en un largometraje de 70 minutos que ha alcanzado las salas de cines y cosechado éxito por donde ha pasado. En la edición del Festival D’A en Barcelona del año pasado se alzaron con el Premio del Público, siendo una de las películas revelación. La película se centra en captar un instante, un cambio, un primer extrañamiento del que había sido su íntimo entorno afectivo hasta el momento por parte de una joven de 19 años. Ágata es una chica que estudia primero de Humanidades en Barcelona, y sigue manteniendo un fuerte lazo que en su día parecía inquebrantable con sus amigas del instituto. Pero esta relación, de forma involuntaria, empieza a cambiar bajo las nuevas perspectivas de la vida, al iniciar un nuevo ciclo en la universidad y entablar nuevas amistades que abren nuevos horizontes e inquietudes. Las directoras decidieron contactar desde buen inicio del proyecto con las cuatro actrices que iban a dar vida a Ágata, Carla, Ari y Mar, para poder trabajar con ellas los personajes y que les pudieran dotar de vida propia ellas mismas. Así fue como surgió el contacto con las actrices Elena Martin, Carla Linares, Marta Cañas y Victòria Serra, que se fueron familiarizando con sus respectivos papeles hasta hacerlos suyos. Y la magia del film recae precisamente en la maravillosa naturalidad dramatúrgica lograda por parte de las actrices. Las directoras les dejaron libertad para improvisar en las escenas una vez interiorizaron a sus respectivos personajes, y tan solo les dieron las instrucciones de a dónde tenían que llegar en cada escena, dejándoles a las actrices crear el camino para ello. Y el resultado es un éxito: una agradable sensación de que todo resulta espontáneo, natural, cercano e íntimo. En palabras de las directoras: “Queríamos que cada escena estuviese en estado de suspensión, como si fuese un recuerdo.” Les amigues de l’Àgata es una película sencilla, cuya magia recae precisamente en los pequeños detalles, tales como los gestos, pausas y elipsis. Se trata de una obra sin artificios,...

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Trumbo: Bryan Cranston da vida al ‘líder’ de los Diez de Hollywood
May02

Trumbo: Bryan Cranston da vida al ‘líder’ de los Diez de Hollywood

Antes de escribir sobre la película, me gustaría divagar un poco sobre el importante tema del que trata en su trasfondo. Los Diez de Hollywood fue el nombre que la prensa utilizó para designar a un grupo de personas relacionadas con la industria cinematográfica estadounidense, y que fueron incluidos en la lista negra de Hollywood durante la caza de brujas iniciada por Joseph McCarthy, acusados de obstrucción a las labores del Congreso de los Estados Unidos por negarse a declarar ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses, destinado a investigar una supuesta infiltración comunista en las filas de Hollywood. Se trata de uno de los episodios más vergonzosos y lamentables en la historia de Hollywood, y de la historia interna de los EEUU. Considero imprescindible compartir este texto que escribió Albert Maltz, uno de los Diez de Hollywood: “Entre los años 1947 y 1960, las fuerzas reaccionarias de Estados Unidos efectuaron una seria tentativa para instituir el control del pensamiento. El objetivo era el de sofocar, y finalmente prohibir, toda crítica contra la administración en el poder; en definitiva, convertir a los ciudadanos de nuestro país en dóciles corderos políticos. El caso de los Diez de Hollywood fue una de las muchas batallas del periodo para resistir aquel esfuerzo. Batallas similares se lucharon por muchos otros en diferentes áreas, en educación (desde las escuelas elementales hasta las universidades), en profesiones como la medicina y el derecho, en editoriales y en el teatro, en los sindicatos obreros. El caso de los Diez de Hollywood recibió mucha atención porque existe un amplio interés hacia las películas de Hollywood. Además, era la primera vez desde 1790 que un grupo de intelectuales americanos (en contraste con los trabajadores) fueron enviados a la cárcel. Sin embargo, en su esencia, el caso de los Diez de Hollywood no era distinto de las miles de otras luchas a lo largo de los años, en este y en otros países, para resistir a las fuerzas de la tiranía. Los pueblos de todos los lugares, en todas las épocas  y  en todas las sociedades, han deseado la libertad de pensar por sí mismos y de expresar sus opiniones sin sufrir represión. Pero siempre existen fuerzas tiránicas que tratan de ahogar este derecho. Esta es, creo, una lucha que durará por toda la eternidad.” También Orson Welles -otro de los tantísimos que fueron investigados- se pronunció al respecto con las siguientes palabras: “De mi generación somos muy pocos los que no hemos traicionado nuestra postura, los que no dimos nombres de otras personas. Esto es terrible. Y uno no se recupera de ello. No sé cómo se puede recuperar uno de semejante traición, que difiere enormemente de la...

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Toro: un thriller de acción crudo y violento
Abr19

Toro: un thriller de acción crudo y violento

Tras los estrenos de las películas españolas de Paco León y Pedro Almodóvar, llega a nuestros cines otra película española muy distinta: Toro, un thriller de acción frenético, con bastantes dosis de violencia y crudeza. Se trata del segundo largometraje de Kike Maíllo, que en sus inicios realizó un cortometraje interesante llamado Los perros de Pavlov (2003).  En Toro, Kike Maíllo muestra su cinefilia a base de utilizar en su film una gran cantidad de referencias cinematográficas de otras películas, bastantes de ellas usadas con gracia y acierto. Pero la fuente predominante de inspiración es la de Nicolas Winding Refn, el prestigioso director de Drive. “España es así, un país de malos hermanos.” A modo de breve sinopsis, Toro narra la historia de tres hermanos que trabajan para un gángster español que goza de mucho poder (interpretado por José Sacristán). Tras un incidente en el que debía de suponer el último encargo por parte de Toro, dos de los hermanos (interpretados por Mario Casas y Luis Tosar) se vuelven a reencontrar transcurridos 5 años, y se unen para intentar solventar una delicada situación. Pero tarde o temprano aparecen las viejas heridas del pasado… “El pasado siempre vuelve.” Si se le puede recriminar algo a Toro, es principalmente el guión, que flaquea un poco a veces y no profundiza tampoco demasiado en los personajes que interpretan magníficamente el trío de actores protagonistas, haciendo que se pierda un poco el potencial que tenían sus personajes. Pero lo compensa con otros bastantes detalles interesantes y vistosos. A su vez, aprovecha para dejar caer frases que se pueden extrapolar fuera del contexto de la película, que sirven para criticar o reflejar la realidad española. “Mala memoria, el otro gran defecto de este país.” Una de las virtudes de Toro es su cuidada estética que bebe de la influencia de Refn, lo que siempre es bueno. La película goza de una gran fuerza visual. Además, a pesar de algún que otro defecto, lo cierto es que a grosso modo la película y sus cuantiosas escenas de acción están bien rodadas y montadas. Discutible resulta quizá la necesidad de las escenas rodadas en cámara lenta. Mención especial merece a su vez Mario Casas, realizando una interpretación convincente y creciendo cada vez más como actor. Como defecto, podríamos citar el fallido uso de los temas y símbolos religiosos, que podría haber dado más juego y se podría haber exprimido más y mejor, pues queda como algo muy superfluo y sin mensaje alguno en el film. Considero que le podría haber dado mucho potencial a la historia, y se podría haber utilizado a su vez para criticar la doble moral de los gángsters que suelen aferrarse a la religión cristiana, sobre todo en nuestro país donde la misma...

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Las vidas posibles de Mr. Nobody: Zugzwang
Abr12

Las vidas posibles de Mr. Nobody: Zugzwang

¿Qué pasaría si buscásemos la esencia del sentido de nuestras vidas, aunque sólo fuese por un momento? ¿Qué sucedería si retomásemos las preguntas más sencillas con el fin de intentar comprender nuestro lugar en el mundo? ¿Por qué estamos aquí, qué nos ha traído a este punto exacto del camino, hacia dónde nos llevan nuestras decisiones? ¿Y si tuviésemos las respuestas? ¿Cambiaríamos el pasado, moldearíamos el futuro a nuestro antojo, en qué lugar dejaríamos la espontaneidad, la incertidumbre, la deriva de los acontecimientos o el libre albedrío de los demás, algo que tanto puede llegar a influir en nuestros propios pasos? Nemo Nobody puede hacerlo. Hablamos del protagonista de una de las películas de ciencia-ficción más infravaloradas del género: Las vidas posibles de Mr. Nobody (otro de esos títulos que hubiera sido mejor dejar como estaba, maldita manía), obra maestra del realizador belga Jaco Van Dormael, que hace unos meses volvía a pasearse discretísimamente por nuestros cines con su última producción El nuevo nuevo testamento –también digna de alabanzas-. El pequeño Nemo se enfrenta a la decisión más complicada de su vida: elegir entre fugarse con su madre (Natasha Little) o permanecer con su padre (Rhys Ifans) tras el divorcio de estos. Y en contraposición, el mismo personaje en el año 2092 como el último mortal, ya en su lecho de muerte. Punto. No hay más. Partimos de uno de los argumentos más bellamente sencillos que puedan darse. La maestría de Van Dormael crea el paraíso hecho cine a partir de estos cimientos. Primero, a través de un guión excepcional, repleto de curiosidades y aristas en el que todo está cuidadosamente elegido. Y cuando decimos todo, es ab-so-lu-ta-men-te TODO (nombres de personajes, números de teléfono, lugares, música y hasta los acentos con los que dialogan sus personajes). Pero también es descomunal por ser una joya cinematográfica de la dirección, un trabajo que nace del núcleo de una cultura extremadamente pop para destriparla y reorganizarla con la mirada del que en esta ocasión se sienta tras la cámara. Una mezcla de colores saturados con tintes de las mitologías más clásicas nutre la sobresaliente fotografía de Christophe Beaucarne (también en El nuevo nuevo testamento y en otras cintas como Dos madres perfectas o La espuma de los días). Hablamos de una iconografía propia, de gran gusto artístico, que se alimenta de un enfoque digital heredado de maestros como Tim Burton o Michel Gondry. Y cumple con creces. Si a la inventiva y al ojo de Van Dormael le sumamos el siempre eficaz brazo ejecutor interpretativo de uno de los mejores actores de la actualidad como es Jared Leto (Réquiem por un sueño,...

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Julieta: una historia de culpa y redención, por Almodóvar
Abr07

Julieta: una historia de culpa y redención, por Almodóvar

El prestigioso director manchego regresa a nuestras pantallas con su nuevo film, Julieta, volviendo al registro melodramático (aunque se acerca más al drama en esta ocasión, tal y como defiende el mismo Almodóvar), tras sus incursiones en el thriller psicológico con La piel que habito (2011) y el regreso a los orígenes de sus comedias alocadas mediante Los amantes pasajeros (2013). Julieta es probablemente una de las mejores películas en la filmografía de Almodóvar, y en cualquier caso, la más madura. Julieta supone un viaje introspectivo al pasado. Emma Suárez y Adriana Ugarte -gran trabajo interpretativo por parte de las dos actrices- encarnan ambas a Julieta, en dos momentos temporales distintos, con una diferencia de unos 30 años. Cabe destacar la escena en la que se relevan, resuelto de forma tan sutil como inteligente, y creando una dura y a la vez bella metáfora sobre el paso del tiempo. Los fantasmas del pasado vuelven a aflorar en la vida de Julieta de pronto, y ésta se ve en la necesidad de poner por escrito todo lo sucedido en la vida de su hija, desde el día en que conoció a su padre, Xoan, durante un viaje en tren. Con este recurso narrativo, vamos indagando en las cicatrices del pasado de Julieta. La película cuenta con un preciso guión -que hace una adaptación libre de los relatos “Destino”, “Pronto” y “Silencio” de la Premio Nobel de literatura canadiense Alice Munro-, y una de sus virtudes es precisamente su buen ritmo narrativo. Todo está perfectamente hilado, y Almodóvar logra adentrar al espectador, sin necesidad de sensacionalismos ni giros de guión alocados, en una dura historia de culpa y redención, narrada con gran sensibilidad pero también con contención. “Tu ausencia llena por completo mi vida, y la destruye.” Como es habitual, el director manchego utiliza como color principal en su expresiva paleta de colores, el rojo, que predomina a lo largo de todo el largometraje, seguido del azul. La estética está cuidada al milímetro, y hay composiciones verdaderamente bellas. Tiene una gran presencia el mar, el cual emplea a su vez para algunas metáforas. Julieta es básicamente una película sobre el dolor, la pérdida, la culpa, y principalmente el silencio. Como anécdota, la película iba a llamarse de hecho Silencio, pero debido a que Martin Scorsese se hallaba ya rodando su nuevo film con el mismo título, Silence, Almodóvar se vio obligado a cambiarlo. Con Julieta, Almodóvar regresa con un drama serio y contenido, y con un estilo renovado. “Quise que viviéramos lejos de la culpa. Y a pesar de mi silencio, te la contagié como un...

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Calle Cloverfield 10: preciso y absorbente thriller psicológico
Mar23

Calle Cloverfield 10: preciso y absorbente thriller psicológico

Todo lo que rodea a Calle Cloverfield 10 resulta intrigante. Hasta su misma campaña de marketing llena de secretismo, que no reveló nada de la película hasta dos meses antes de su estreno. El artífice detrás de esto ha sido básicamente J. J. Abrams, quien se ha encargado de la producción del film. La magia de la película recae en ir a verla sin saber demasiado de ella, por lo que voy a omitir decir nada sobre el contenido del argumento de la misma en esta crítica, por lo que quién no la haya visto todavía puede seguir leyendo sin preocuparse. Aclarado esto, cabe destacar en primer lugar que Calle Cloverfield 10 es un thriller psicológico magníficamente hilado, y totalmente imprevisible. Logra mantener al espectador en una tensión constante, haciéndole dudar en todo momento sobre qué debe ser verdad y qué no. El guion destaca por su originalidad dentro del género, y por su gran construcción y precisión de las situaciones, sus constantes puntos de giro inesperados, y su gran elaboración de los personajes. Si bien la película nace de una premisa que parece bastante sencilla, la misma logra construir con rapidez una absorbente atmósfera de intriga, claustrofobia y paranoia, de la que no se libra el espectador hasta el final del film. Y la banda sonora por parte de Bear McCreary no hace más que aumentar esa tensión constantemente. Por otro lado, también contribuyen a ello los actores, que han realizado un fabuloso trabajo interpretativo, sobre todo el inigualable John Goodman, que me atrevería a decir que realiza aquí una de las mejores interpretaciones de su carrera. Ya solo por él, merece la pena ver el film. En cualquier caso, nos encontramos ante un brillante debut por parte de Dan Trachtenberg, que ya sorprendió con su cortometraje de Portal: No Escape. Ha logrado crear una película con estilo, extraña, precisa y original, que no dejará indiferente a nadie -ni siquiera a sus detractores-. Porque el final puede no gustarle a todos, pero resulta en cualquier caso un final imprevisible, inesperado y desconcertante. Puestos a criticar negativamente algo, podría criticarse la mala intención de su título, que puede resultar engañoso buscando una relación con Cloverfield (2008), pues entre ambas no hay conexión alguna. ¿O sí? Para buscar una respuesta, invito a ver la película y disfrutar de la experiencia, pues la película es básicamente eso, una experiencia cinematográfica de claustrofobia, paranoia y suspense psicológico, con toques conspiranoicos, que te mantiene en tensión en todo momento gracias a lo poco previsibles que resultan sus sorpresas...

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The Voices: El extravagante destripador Dolittle
Feb13

The Voices: El extravagante destripador Dolittle

La realizadora y dibujante iraní Marjane Satrapi, autora de The Voices, era la última opción que hubiese barajado si me dicen que a estas alturas de la película aún me quedaba por descubrir un tesoro tan retorcido, creepy e inesperadamente festivo dentro del baúl de comedias que mezclan el humor negro con el nervio gore. Lo primero que cualquier adepto a la historietista de Persépolis y Pollo con Ciruelas percibe en su tercera película -tras las adaptaciones de sus propios cómics- es una mayor dosificación de la aflicción como leitmotiv argumental tanto en el dibujo de personajes que alimentan el relato como en la intención del mismo al revolver lo divertido con lo macabro. Aunque a priori pueda venirnos a la memoria la misma premisa argumental que en Maniac (1980, William Lustig), más que un remake al uso -como el de Alexandre Aja, hace un par de años- The Voices nace con la vocación de convertirse en una variación tomada a guasa de esa misma fórmula. La particularidad aflora cuando la complicidad con los crímenes cometidos por un introvertido destripador de mujeres se transfiere de unos maniquíes estáticos e inexpresivos a un gato y un perro que saben hablar y a los que presta su voz el propio Reynolds. Como en la cinta original de Lustig, las cabezas parlantes y decapitadas de las difuntas ex amantes de un demente actúan como la voz de su enajenada conciencia, empujándolo a matar, decapitar y acumular nuevos trofeos para su colección… Los puntos fuertes que revelan una vitalidad casi anárquica y el descontrol creativo de Satrapi como dibujante fluyen a través de los propios títulos de crédito, un par de guiños animados mezclados con imagen real y el maravilloso cierre final construidos con retazos de abundante humor negro y un curioso sentido del optimismo empleado paradójicamente para reírnos de la muerte. Marjane Satrapi no sólo no pierde su identidad al saltar al terreno hollywoodiense, sino que la embadurna de una paleta aún mayor de mala uva y agudez macabra mucho menos sutil que en sus anteriores trabajos. Aunque tampoco resultaría coherente comparar tres películas tan diferentes entre sí. No busques en The Voices (casi) nada de lo que te gustó en Persépolis y Pollo con Ciruelas. Simplemente sal a la calle y disfruta de la noche, descuartiza a alguien, destripa, corta cabezas… y no te olvides nunca de sonreír. ¡¡Sing a happy...

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Creed: digna resurrección de la saga de Rocky
Ene29

Creed: digna resurrección de la saga de Rocky

Transcurridos prácticamente 40 años desde Rocky y el gran éxito que cosechó -y que lanzó además a Silvester Stallone al estrellato-, y tras cinco secuelas de la misma que fueron perdiendo gradualmente la calidad, llega el spin-off de la saga: Creed, que logra resucitar a la misma, siendo probablemente la mejor entrega desde Rocky. La sinopsis es la que sigue: Adonis Johnson no llegó a conocer a su padre, el campeón del mundo de los pesos pesados Apollo Creed, que falleció antes de que él naciera. Sin embargo, nadie puede negar que lleva el boxeo en la sangre, por lo que pone rumbo a Filadelfia, el lugar en el que se celebró el legendario combate entre su padre y Rocky Balboa, con la intención de ganarse un prestigio por mérito propio, ocultando su apellido “Creed”. Una vez allí, Adonis busca a Rocky y le pide que sea su entrenador. A pesar de que este insiste en que ya ha dejado ese mundo para siempre, Rocky ve en Adonis la fuerza y determinación que tenía su enconado rival, y que terminó por convertirse en su mejor amigo, y termina aceptando entrenarle. Escrita y dirigida por Ryan Coogler, cabe apreciar el gran trabajo realizado por el mismo al enfrentarse a su primera superproducción. Si por algo destaca Creed es por ser una película muy bien elaborada, llena de vida y humor, en la que se percibe el cariño que le ha dedicado Coogler. Ha sabido mantener el ritmo y el entretenimiento, mediante una historia trillada pero muy bien contada, y con grandes dosis de amor, respeto y nostalgia hacia la película original. Uno de los puntos fuertes de la película es la interpretación natural de Michael B. Jordan que dota a la película de esa misma sencillez que tenía Rocky. A su vez, Silvester Stallone realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera, y lo hace curiosamente como secundario en la piel del ahora veterano personaje que le lanzó a la fama. El papel que le ha escrito Ryan Coogler le ha servido para ganar el Globo de Oro, y encamina además la carrera hacia los Oscars como actor secundario. Por otro lado, si bien es cierto que se echa en falta quizás un poco de la música clásica de Rocky, pero está bien suplida a base de buenos temas de hiphop. En definitiva, Creed supone una verdadera sorpresa del género de boxeo, siendo un buen drama y una interesante resurrección de la saga, con momentos emotivos y emocionantes, bastantes guiños a la saga, buenos combates y grandes dosis de entretenimiento, sin olvidarse por ello de realizar buen cine. *** 6,5 / 10...

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Spotlight: la fuerza del periodismo sin ataduras
Ene23

Spotlight: la fuerza del periodismo sin ataduras

Spotlight es una de esas películas en las que la importancia de su contenido o temática se sobreponen a las formas. Un poco al estilo de Costa-Gavras, uno de los cineastas por antonomasia del cine crítico, de denuncia social y política. La película, basada en hechos reales, nos plasma un periodismo comprometido por sacar a la luz la verdad, y sin ninguna atadura, ya sea ideológica, empresarial o estatal, para destapar los escándalos que azotan a nuestra sociedad. El verdadero periodismo independiente necesario, que por desgracia escasea cada vez más. En el 2006, Amy Berg realizó un documental, Líbranos del mal (Deliver Us From Evil), sobre los escándalos sexuales de la Iglesia Católica en Estados Unidos, descubriendo que la jerarquía de la Iglesia urdió un elaborado plan para enmascarar sus delitos y desacreditar a sus acusadores mientras trasladaban al padre O’Grady de parroquia en parroquia, y fue nominado al Oscar a mejor documental. Spotlight se centra en la misma temática, pero en forma de drama periodístico, siguiendo a un equipo de reporteros del Boston Globe, que destapó los escándalos de pederastia cometidos durante décadas por los curas de Massachussets. Y de hecho, ganaron un Premio Pulitzer gracias a su enorme labor de investigación y cuantiosos reportajes. El reparto de actores que da vida a los personajes lo encabezan Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery y Stanley Tucci, y hay que decir que sus magníficas interpretaciones son uno de los puntos fuertes del film. Durante la película, sale a colación el tema de los centros de tratamiento de la Iglesia Católica, en los cuales dicha institución separa e interna temporalmente a algunos curas pederastras que han sido descubiertos, bajo supuesta baja médica normalmente. Por ello resulta imposible no recomendar visionar también, a modo complementario con la dura temática en cuestión, la última película de Pablo Larraín: El Club, una de las mejores películas del 2015, que se centra precisamente en uno de estos peculiares centros. Volviendo a Spotlight, cabe destacar por otro lado su preciso guión: una construcción de la historia de forma sencilla pero efectiva, que logra mantener en todo momento la intensidad. La historia está contada con una muy buena narrativa, llena de ritmo y suspense, y que logra que un tema duro pero importante como el que trata resulte absorbente. Hay una frase en la película de gran importancia, que quiero destacar: Si educar a un niño es un esfuerzo colectivo, abusar de él también lo es. La Iglesia Católica es una institución que maneja el tiempo en siglos, y que por desgracia, hoy en día sigue teniendo un enorme poder en muchos Estados, llegando a poder interferir incluso en los organismos estatales. Su poder de...

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La Quinta Ola: la importancia de las películas teen
Ene21

La Quinta Ola: la importancia de las películas teen

Desde que Harry Potter dio el paso a la gran pantalla allá por el año 2001, parece que el único subgénero que mantiene ocupada su plaza en la cartelera durante los 365 días del año es el de las cuestionables adaptaciones de sagas literarias destinadas al público teen. En este 2016 el turno es para La Quinta Ola, porque hay que reconocer que, aunque a muchos nos pese, el cine no deja de ser un negocio y el público adolescente es uno de los colectivos que más caja hace.

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