“Converso”: un documental de David Arratibel
May25

“Converso”: un documental de David Arratibel

La pantalla en negro y un texto que aparece en ella con el interrogante: “¿Padre?” mientras suena de fondo el tono de una llamada telefónica. La respuesta: La persona con la que intenta hablar no está disponible o está fuera de cobertura, por favor inténtelo más tarde. Aparece una enorme imagen de Dios dibujada en la cúpula de una Iglesia. Así arranca este inteligente documental de David Arratibel, que tiene ya un doble juego en su título: Converso, tanto del verbo conversar como de la conversión a otra creencia religiosa. El director se encontró años atrás ante una situación bastante peculiar en nuestros tiempos: en un corto espacio de tiempo, los miembros de su núcleo familiar se convirtieron al catolicismo uno tras otro. Ello le llevó a sentirse desplazado de sus hermanas y madre, y a tener un conflicto familiar siempre que surgía el tema que no deseaba tener. Él, agnóstico, no podía entender qué podía haber llevado a sus seres queridos a realizar esta conversión. Su forma de canalizar este conflicto fue este proyecto cinematográfico, que seguro que le sirvió a él de terapia personal: se sentó en una silla y convirtió el confesionario de sus familiares en el suyo propio, en una atmósfera íntima y personal, reconstruyendo los sucesos y reviviendo anécdotas ante las cámaras, logrando así capturar una gran espontaneidad en las conversaciones. El film parte con la premisa de un gran interrogante cinematográfico: Si el Espíritu Santo entra en nuestra casa, ¿es posible hacer una película sobre él?. No obstante, el mismo director admitió haber fracasado en la contienda, y sigue sin comprender qué puede llevar a alguien a convertirse al catolicismo. Pero el resultado del documental es fabuloso, y trata con gran sensibilidad el cariño, las ausencias, las distancias, el vacío… sin perder en ningún momento el sentido del humor, siempre presente. Y durante el visionado del mismo, es complicado que a uno no le venga a la mente la familia Panero, retratada en el magnífico documental de El Desencanto, de Jaime Chávarri; de hecho, la misma hermana lo termina mencionando al percatarse de la situación. Resulta lindo que al final, el elemento que sirve para reunir de nuevo a la familia, sea el paso de David Arratibel a animarse a cantar junto a toda su familia una especie de canto gregoriano. La música no entiende de diferencias. Como dijo Julio Cortázar: “Música, melancólico alimento para los que vivimos de amor”. Algunos instrumentos como las trompetas incitan al valor. Otros, como la flauta, a la dulzura. Y hay otros, como el órgano, que arrebatan el alma a lo celestial. -Aristóteles- Comparto link del coloquio...

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BCN Film Festival: primera edición
Abr29

BCN Film Festival: primera edición

Bajo el lema de “un día para el libro y la rosa… una semana para el cine“, nació el BCN Film Fest, un nuevo festival de cine en la ciudad de Barcelona, ubicado en los Cines Verdi, del 21 al 28 de abril: I FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BARCELONA-SANT JORDI (BCN Film Fest) En palabras de los organizadores, el BCN Film Fest nace con la intención de convertirse en un punto de encuentro imprescindible para el público de Barcelona. Un festival que nace, igual que la emblemática fiesta de Sant Jordi, con un carácter popular y abierto a todos los públicos y a todo tipo de géneros. Con 35 películas internacionales repartidas en distintas secciones, destacar las que han conformado la Sección Oficial en esta primera edición: CHURCHILL, de Jonathan Teplitzky – Premiere mundial DANCER, de Steven Cantor – Premiere española EL JUGADOR DE AJEDREZ, de Luis Oliveros (Fuera de competición) – Premiere catalana LA CASA DE LA ESPERANZA (The Zookeeper’s Wife), de Niki Caro – Premiere española LA CAZADORA DEL ÁGUILA (The eagle huntress), de Otto Bell – Premiere española LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA: AFTERIMAGE (Powidoki), de Andrzej Wajda – Premiere catalana EL SUEÑO DE GABRIELLE (Mal de pierres), de Nicole Garcia – Premiere española MARIE CURIE, de Marie Noëlle – Premiere española MAUDIE, de Aisling Walsh – Premiere española NAGASAKI: RECUERDOS DE MI HIJO (Haha to kuraseba), de Yôji Yamada – Premiere española SU MEJOR HISTORIA (Their Finest), de Lone Scherfig – Premiere española TANNA, de Martin Butler – Premiere española UNA BOLSA DE CANICAS (Un sac de billes), de Christian Duguay – Premiere española El Festival quedó inaugurado no obstante con la presentación de la película NORMAN, EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO, que contó con la presencia del actor Richard Gere y el director Joseph Cedar. La programación del Festival ha sido variada, contando con distintos registros y ofreciendo la posibilidad de ver documentales interesantes como el de La cazadora del águila o el último film del recientemente fallecido célebre director polaco, Andrzej Wajda, que narra la historia del pintor vanguardista polaco Wladyslaw Strzeminski, un artista que se opuso al realismo socialista y mantuvo su libertad creativa a pesar de los obstáculos políticos a los que tuvo que enfrentarse. La primera edición del BCN Film Fest se ha saldado con el siguiente reparto de premios en la Sección Oficial: PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR PELÍCULA El jurado de la Sección Oficial, compuesto por la cineasta Claudia Llosa, el productor de televisión, periodista y apasionado de la historia Toni Soler y el escritor de novela histórica Chufo Lloréns han decidido premiar a la película: EL SUEÑO DE GABRIELLE (Mal de pierres), de Nicole Garcia Resolución del jurado: “Por unanimidad,...

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Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]
Feb28

Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]

Continuación de la crónica de la Berlinale 2017:   The Other Side of Hope, de Aki Kaurismäki. Aki Kaurismäki se alzó con el Oso de Plata a Mejor Director con este film. Fiel a sus malos hábitos, al ser anunciado como ganador iba tan borracho que ni acudió a recoger el premio, sino que se lo tuvieron que llevar a su sitio en las butacas del Berlinale Palast. Y dio las gracias hablándole al Oso en lugar de al micrófono. The Other Side of Hope partía como una de las películas favoritas a ganar el Oso de Oro; parecía la película ideal hecha especialmente para la Berlinale -sin buscarle una connotación negativa al hecho en sí-. El cineasta finés construye una conmovedora historia sobre un refugiado que llega a Finlandia y pide asilo, a modo de mostrar una realidad que están viviendo muchos refugiados en Europa. Pero lo hace con su particular estilo y humor, y acompañado de la calidez de sus lacónicos personajes y sus coloridas y pictóricas composiciones. Y es que el humor de Kaurismäki es como un buen vino: con el paso de los años se ha ido refinando cada vez más, alcanzando en este film una de sus cúspides, siendo el resultado no solo cómico, sino también muy conmovedor. Una película necesaria en los tiempos que corren. En palabras del director finlandés: “Con este film, trato de hacer todo lo posible para deshacer el camino europeo de sólo ver a los refugiados como víctimas lamentables o como inmigrantes económicos arrogantes que invaden nuestras sociedades simplemente para robar nuestros empleos, nuestras mujeres, nuestras casas y coches. En la historia de Europa, la creación e imposición de prejuicios estereotipados arrastra un eco siniestro.Libremente confieso que The Other Side of Hope es, en cierta medida, una de esas llamadas películas de tendencia manipuladora, intentando influir en las visiones y las opiniones de los espectadores, tratando de manipular sus emociones a fin de alcanzar ese objetivo. Como este fin naturalmente fracasará, lo que espero que permanecerá, es, una ligeramente melancólica historia narrada con humor, y en el fondo, una  película casi realista sobre ciertos destinos humanos, aquí en este nuestro mundo, hoy en día.” A teströl és a lélekröl (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi. On Body and Soul fue la primera película a competición de la Sección Oficial que vimos los de la prensa, y en mi caso, el buen sabor de boca que dejó al inicio se fue consolidando a lo largo del Festival a medida que pasaban los días. Terminó siendo una de mis películas favoritas del Festival, junto a Insyriated. Su sinopsis: “María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y...

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Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte I]
Feb22

Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte I]

La Sección Oficial de la Berlinale 2017 acogió como cada año una gran variedad de propuestas cinematográficas procedentes de todo el mundo. Como de costumbre, entre ellas había unas cuantas fuera de competición, básicamente a modo promocional, tales como Trainspotting 2 o Final Portrait. El nivel medio de los films a competición de este año fue bastante bueno, a pesar de contar como siempre con un par de películas bastante flojas, que uno no logra comprender cómo se cuelan en la Sección Oficial. En el resto de Secciones del Festival hubo también películas muy interesantes, de las cuales hablaré en otro artículo. En este voy a centrarme en las películas que creo que merece la pena destacar de la Sección Oficial: The Party, de Sally Potter. The Party es una comedia construida entorno a una tragedia. En un encuentro en el que se reúnen célebres amigos y personajes, la situación se vuelve cada vez mas violenta en un muy breve espacio de tiempo. Si bien una semana puede llegar a resultar ser mucho tiempo en la política, en una relación pueden llegar a serlo tan solo unos pocos minutos. Bajo presión extrema en un entorno conocido -pues la vivienda que suele funcionar como santuario también puede convertirse en tu cárcel- todo lo oculto puede salir a la luz. Esa es la premisa con la cual juega Sally Potter en este intenso film, que te introduce al principio en su atmósfera y no te suelta ya hasta el final, invitándote a ser partícipe en esta alocada reunión al filo del abismo y presenciar como testigo a este curioso grupo de gente enfrentándose cada uno a su manera a la situación planteada, intentando defender sus ideas morales y políticas. Todo ello impregnado de un magnifico humor negro que hila la película de principio a fin. Magnífico trabajo de dirección de actores por parte de Sally Potter, del por si extraordinario reparto: Cillian Murphy, Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Kristin Scott Thomas, Timothy Spall, Cherry Jones, Emily Mortimer. Cabe destacar a su vez el preciso guión, que dota de gran personalidad a todos los personajes, que brinda gran cantidad de conversaciones interesantes y logra mantener el ritmo en todo momento. A pesar de no haber logrado llevarse ningún premio, fue una de las películas más interesantes de la Sección Oficial. Final Portrait, de Stanley Tucci. A pesar de estar fuera de competición en la Sección Oficial, Final Portrait fue una película que dio aire fresco en medio del festival, y que resultó ser una sorpresa inesperada. Stanley Tucci nos invita a compartir el proceso creativo del célebre pintor suizo Alberto Giacometti en su cumbre artística, pero a modo de biopic atípico limitado a un segmento...

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Berlinale 2017: El palmarés
Feb19

Berlinale 2017: El palmarés

La 67 edición de la Berlinale llegó a su fin. Como cada año, el Festival acogió propuestas cinematográficas de todo el mundo, muy distintas unas de otras, y la mayoría impregnadas de un toque político. La Berlinale se destaca de la mayoría de Festivales de cine de primera categoría tales como Cannes o Venecia, por ser un Festival no solo dirigido a la prensa e industria, sino que su esencia radica en ser también un Festival para el gran público, aumentando año a año los cientos de miles de espectadores que tiene a lo largo del mismo, en su gran cantidad de salas puestas a disposición. En febrero, la ciudad entera se pone a disposición de la Berlinale. El gran Jurado Internacional, presidido por Paul Verhoeven, y completado por Dora Bouchoucha Fourati, Olafur Eliasson, Maggie Gyllenhall, Julia Jentsch, Diego Luna y Wang Quan’an, tuvo que seguir el criterio del Festival y repartir los premios sin posibilidad de acumular premios una misma película. Los premios que decidieron conceder, son los siguientes: Oso de Oro a la mejor película: Teströl és lélekröl (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi. Oso de Plata del Gran Premio del Jurado Félicité, de Alain Gomis Oso de Plata del Premio Alfred Bauer Pokot (Spoor), de Agnieszka Holland. Oso de Plata al Mejor Director Aki Kaurismäki por Toivon tuolla poulen (The Other Side of Hope) Oso de Plata a la Mejor Actriz Kim Minhee en Bamui haebyun-eoseo honja (On The Beach at Night Alone) de Hong Sangsoo. Oso de Plata al Mejor Actor Georg Friedrich en Helle Nächte (Bright Nights) de Thomas Arslan. Oso de Plata al mejor Guion Sebastián Lelio y Gonzalo Maza por Una mujer fantástica de Sebastián Lelio. Los Premios corresponden a la Sección Oficial. La Berlinale consta no obstante de bastantes otras secciones, tales como Forum, Panorama, NATIVe, Generation, y otros Premios independientes. Una de las grandes sorpresas fue precisamente el Premio a la Mejor Ópera Prima, en el cual compiten todas las películas del Festival, independientemente de la Sección a la que correspondan. La vencedora fue Estiu 1993 (Verano 1993), película catalana de Carla Simón, que fue una de las películas revelación del Festival, sorprendiendo dentro de la Sección de Generation. Se llevó a su vez de forma ex aequo con Becoming who I was el Gran Premio del Jurado Internacional de la Sección Generation. Por otro lado, el Premio al Mejor Documental fue a parar a Istiyad Ashbah (Ghost Hunting) de Raed Andoni. Y con la entrega de Premios, el Festival llegó a su fin. Pero ya se anunciaron las fechas de la 68ª edición: del 15 al 25 febrero. Hasta la próxima edición,...

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Trainspotting 2: la ansiada secuela
Feb16

Trainspotting 2: la ansiada secuela

En el marco de esta 67 edición de la Berlinale, con su gran variedad de secciones, uno de los títulos que llamaba mas la atención desde buen principio era sin lugar a dudas la proyección de Trainspotting 2, insertada fuera de competición en la Sección Oficial, para fuera de competición, básicamente para empezar su promoción a nivel mundial. Veinte años han pasado desde que se estrenara el segundo film de Danny Boyle, Trainspotting (1995), y que se convirtiera por su propio peso en una película de culto. Y la espera para la ansiada secuela se ha llegado a hacer larga para los mas impacientes: el deseado reencuentro con los icónicos Mark Renton, Sick Boy, Spud y Begbie. Pero el tiempo ha permitido que veinte años mas tarde, se pueda realizar dicha secuela con el reparto original, envejecido de forma natural, para reencarnar a sus respectivos personajes. En palabras de su director, Danny Boyle: “Han transcurrido 21 años desde que se estrenó la primera película, y el sentido común dice que la secuela llega 20 años demasiado tarde. Pero el retraso no fue precisamente deliberado; lo cierto es que llevábamos muchos años hablando de hacer otra película. Pero ahora, lo cierto es que esto es precisamente lo que le da razón de existir a la película: cuando pones a los actores al lado de sus personajes y comparas su aspecto diferenciado en los veinte años que han transcurrido, es algo brutal. Hace diez años ya intentamos hacer la secuela, pero los actores no se veían demasiado distintos.” Foto de Rubén Seca No obstante, y muy a mi pesar, considero que la ansiada secuela no está para nada a la altura de la original, y vive constantemente a su sombra, con constantes dosis de nostalgia. Porque esta secuela es realmente tan solo eso: un ejercicio cinematográfico nostálgico sin apenas vida propia. Se descartaron muchas propuestas de guión a lo largo de estos años para realizar la secuela, porque ninguno convencía. Y a mi, por desgracia, tampoco ha logrado convencerme en absoluto el guion definitivo, que ha desperdiciado completamente el potencial que podía tener el film. Y lo que es peor: ha conseguido que esta secuela no tenga siquiera razón de ser alguna -a excepción de algunas escenas muy bien logradas-. En cualquier caso, es recomendable verla sin expectativas, para no salir desilusionado. Pues si bien no llega a ser una película fallida del todo, lo cierto es que entristece ver el poco jugo que se le ha sacado a los carismáticos personajes creados en la película original, siendo el hilo argumental y dramático bastante estúpido e innecesario, carente de cordura escénica, bajo mi humilde...

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El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas
Feb17

El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas

Que alegría provoca el ir a ver una película de la cual tenías ya de por si unas expectativas muy elevadas, y que no consiga tan solo superarlas con creces, sino que te regale además una sorpresa tan grata. El abrazo de la serpiente, la nueva película del director colombiano Ciro Guerra, logró dejarme asombrado de tanta belleza, magia y poesía; una de las películas más impresionantes y magnéticas que he visto jamás. Es un film único e inclasificable, que deja huella en la memoria. El abrazo de la serpiente transporta al espectador a un viaje de aprendizaje en un mundo fascinante y desconocido. Narra de forma poética el apocalipsis que supuso el colonialismo y sus devastadores efectos posteriores, donde fueron destruidas casi al completo las tradiciones ancestrales de las tribus indígenas, diezmadas por la opresión, la codicia por el caucho y la religión cristiana. Cabe destacar en primer lugar el guión: inteligente, complejo y bien estructurado, ofreciendo diálogos muy interesantes -sin resultar nunca forzados-, y realizando una narración atemporal, en la cual se van entremezclando pasado, presente y futuro. El protagonista es Karamakate, un indígena chamán que cree ser el último superviviente de su tribu, y con ello el último poseedor del conocimiento y del secreto más preciado de su pueblo: una planta llamada yakruna . La película intercala dos vivencias suyas, una en su juventud y la otra transcurridos ya unos 40 años, en sus encuentros con dos personas que acuden a él por circunstancias muy distintas en busca de dicha planta. Y en su búsqueda, resulta devastador ver como algunas acciones pueden condicionar tanto el futuro y provocar consecuencias tan aterradoras. Pero la película no destaca solamente por lo que cuenta, sino sobre todo por la forma en que lo hace. Tiene una maravillosa dirección artística que ha cuidado los detalles al milímetro, así como una magnética fotografía en blanco y negro de un enorme poderío visual. Logra dejarte impregnados muchos de sus fotogramas en lo más profundo de tu memoria, evocando con un sentimiento de nostalgia -como si realmente de tiempos pasados se tratase- esas bellas imágenes de esos increíbles paisajes, introduciéndonos en las entrañas de la selva vista con una amplia escala de grises inquietante, donde reinan las luces y sombras. Un viaje lírico y reflexivo a lo más profundo del Amazonas. La enorme calidad y valor cinematográfico de El abrazo de la serpiente está siendo reconocido por suerte en su paso por los Festivales. Tras ganar el Art Cinema Award en Cannes, la película pasó humildemente por el Festival de San Sebastián, siendo una de las mayores sorpresas del festival para los que pudimos tener la suerte de verla. Posteriormente si que resultó la gran vencedora del Festival de Mar del Plata, ganando el Astor...

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Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb14

Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La 66. edición de la Berlinale ya está en marcha, y el Jurado presidido por Meryl Streep está ya visionando las primeras películas de la Sección Oficial de este año. Las grandes sorpresas por ahora han sido Fuocommare, 24 Weeks y Midnight Special, de las cuales hablaré más detenidamente en la próxima crónica. En general, la Sección Oficial está siendo bastante buena, con películas muy variadas e interesantes cada una a su manera. La película inaugural fue Hail, Caesar! de los hermanos Coen, que regaló muchas risas tanto durante la proyección como en la rueda de prensa. No obstante, su nuevo film está fuera de competición. Podéis leer la crítica aquí: https://revista.tviso.com/hail-caesar-version-romantizada-coen-del-hollywood-de-los-50/ Y a continuación podéis leer la crónica de las cuatro siguientes películas: Cartas da guerra, Inhebek Hedi, L’Avenir y Boris sans Béatrice (la única que no ha terminado de convencer por ahora).     Cartas da guerra, de Ivo M. Ferreira La película del director portugués, basada en la novela de António Lobo Antunes, invita al espectador a experimentar una película antibélica bastante distinta al resto, sustentada en la poesía, el intercambio de cartas narradas con voz en off, y con la belleza y el estilo visual similar a Malick pero con una portentosa fotografía en blanco y negro. Sustenta su mensaje antibélico no mostrando la violencia de la guerra, sino todo lo contrario, plasmando con sobrecogedoras imágenes precisamente la antítesis de la guerra: la gran belleza de la naturaleza y los agradables momentos de paz y tranquilidad. Pudiendo disfrutar de esto ¿qué sentido tiene la guerra? “Esta guerra nos convierte a todos en insectos, que luchan por la supervivencia” escribe el joven médico militar António en una de sus cartas a su mujer embarazada en Portugal, durante la guerra colonial en Angola, en enero de 1971. Son palabras de dolor y sinceridad, que contienen a su vez una profunda melancolía para con su querida y su bebe que está a punto de nacer. En sus constantes cartas, leídas por su mujer, António realiza un boceto del día a día en territorio desconocido: el progresivo descubrimiento de la fascinante naturaleza, los encuentros con los nativos, el cuidado de una niña huérfana, y nos hace cómplices de sus sentimientos y pensamientos. Pero inevitablemente, también haz momentos en los que la guerra muestra su verdadera cara. Cartas da guerra resulta en cualquier caso una película muy interesante, en el que se recogen algunas de las cartas auténticas de António Lobo Antunes, combinando realidad e imaginación por parte de Ivo M. Ferreira. Con una hipnótica fotografía en blanco y negro, el director portugués nos regala un poético ensayo, en el...

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Entrevista a Alberto Marini, guionista de El Desconocido, nominado a los Goya 2016
Ene15

Entrevista a Alberto Marini, guionista de El Desconocido, nominado a los Goya 2016

La experiencia profesional más enriquecedora y feliz de mi vida ha sido sin duda dirigir. Fue maravilloso. De todas formas no llevo bien la exposición directa al público y a los medios, que conlleva ser director, por lo tanto si la pregunta es dónde me siento más cómodo… la respuesta es sin duda escribiendo, lejos de los focos.

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Cineuropa 2015: Primera Jornada
Nov07

Cineuropa 2015: Primera Jornada

El Teatro Principal ha abierto sus puertas un otoño más para inaugurar la vigésimo novena edición del festival cinematográfico más maratoniano de toda nuestra geografía. Un certamen que en los últimos tres años ha conseguido hacer frente a unos recortes presupuestarios absolutamente sangrantes, que han suprimido el 60% de los fondos con los que contaba en ediciones anteriores y que, en ejemplos gráficos, viene a significar una mísera quinta parte de otras exposiciones similares que apenas duran nueve días. Arranca, a pesar de todo, con mucha esperanza de que el actual equipo de gobierno de Santiago muestre un poco más de respeto por la esencia de nuestra cultura, con mucha energía puesta en una entrega cargada de compromiso político y denuncia social; y sobre todo con muchísimo optimismo de cara a un futuro que augura recompensarnos con una nueva generación de cineastas muy prometedora. Es el caso de Rudi Rosenberg, ganador del premio Nuevos Realizadores del 63 Festival de San Sebastián con su inspirada Le Nouveau, cinta que ha inaugurado exquisitamente el Cineuropa de 2015, gracias a la ternura que desprende la casi paternal mirada con que el director retrata la compleja preadolescencia del desorientado Benoit. La fotografía colorista y luminosa, una narración que evita caer en la sensiblería más chabacana y el acertadísimo casting, han conseguido que esta deliciosa comedia haya alcanzado el 8.5 de nota media por parte del entregadísimo público, único juez y jurado de este concurso. La segunda, de las más de trescientas películas que se proyectarán en total, es 45 Years (Andrew Haigh, 2015), que llega a la capital compostelana avalada por los dos Osos de Plata con que Berlín premió a sus protagonistas. La aplazadísima celebración de los cuarenta años de matrimonio de Kate y Geoff se verá enturbiada por la revelación de un secreto que cambiará el sentido de toda una existencia, desdibujando la naturaleza de su relación y tiñendo de desconfianza unos silencios antes cargados de serenidad. El dolor de las heridas abiertas en una tardía etapa vital en que apenas queda tiempo para derrocharlo sanando cicatrices se muestra con tal franqueza en el rostro de Charlotte Rampling que es imposible no emocionarse ante la fragmentación de lo que parecía un vínculo eterno. Y así comienza y termina la noche en la rúa nova de Compostela: con una afable bienvenida llena de recuerdos para toda esa gente que lleva casi treinta años sacando adelante con muchísimo esfuerzo tan ambicioso proyecto; con menciones de honor a invitados ilustres que participan de nuestra particular manera de entender la vida en general y este festejo en particular; y con aplausos que celebran ese “larga...

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