Entrevista a Alberto Vázquez: “Mi intención primera siempre, sea cual sea el proyecto, es contar una historia”
Jun03

Entrevista a Alberto Vázquez: “Mi intención primera siempre, sea cual sea el proyecto, es contar una historia”

Director de cine de animación, dibujante e ilustrador. “Contador” de realidades y “fabulador” reflexivo. Ilusionista de formas ingenuas, caviloso de perversos contenidos… Alberto Vázquez ha construído un personalísimo vehículo de expresión con el que hacer llegar sus historias a un espectador que ya reconoce en su trazo una identidad subversiva. Cuatro años han pasado desde que Birdboy ganase ese Goya que Psiconautas necesitaba para ver la luz. Psiconautas la película, precisamos, porque Psiconautas la novela gráfica, llenaba estanterías en librerías especializadas desde 2007. Un camino largo -el cine de animación no sabe de impaciencias- que empieza a dar sus frutos en forma de afectuosa acogida en diferentes festivales. La segunda nominación a los Goya llegaría en su 29th edición con Sangre de Unicornio, en una temporada cargada de reconocimientos. Más de 200 festivales acogieron aquel 2014 esta inquietante fábula de apariencia naif y fondo macabro. Decorado, su trabajo más reciente, vuelve de Cannes con los deberes hechos y la agenda repleta: su estreno nacional se espera para el 17 de Junio en Valencia. Este relato existencialista, protagonizado por animales antropomorfos, sobre el destino y la libertad del ser humano viene a consolidar el talento de uno de los nombres propios con más peso en el género: Alberto Vázquez vive un momento profesional inmejorable después de haber recibido el premio a Mejor Película en el Festival de Animación de Stuttgart (Alemania) y estar nominado en la misma categoría en el Annecy (Francia), donde también compite con Decorado. Menudo año, ¿no? Estreno de Decorado en Cannes, reestreno -después de San Sebastián- de Psiconautas en nuestro Cans: ambos con notable éxito. ¿Cómo lo estás viviendo? -Muy bien, la verdad, pero aunque hayan coincidido las dos cosas al mismo tiempo (volverán a coincidir en Annecy, uno de los eventos de animación de más repercusión), la película hace meses que la terminamos y estrenamos… aunque es ahora cuando iniciará el largo camino de festivales. El corto, en cambio, lo acabamos de estrenar directamente en Cannes y la recepción ha sido estupenda. Estamos muy contentos, la verdad, porque Decorado va un punto por delante de todo mi trabajo anterior. Después de haber visto Birdboy, Sangre de Unicornio y Psiconautas me quedo con la sensación de que tu trabajo se va recrudeciendo con el tiempo: ¿Tiene esto más que ver con el formato, con la osadía que la madurez imprime a un autor…? Evidentemente el lenguaje narrativo empleado en el cortometraje no es el mismo que puedes usar en un largo. En el primero tienes la posibilidad de arriesgar más en todos los aspectos, por eso en ellos apreciarás una propuesta más radical, aunque es cierto...

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El cuento de los cuentos: una fábula bellamente perversa
Dic09

El cuento de los cuentos: una fábula bellamente perversa

El director italiano, Matteo Garrone, que lleva unos años ganando bastante prestigio, ha tenido la valentía de realizar su película más inclasificable y atrevida hasta la fecha: El cuento de los cuentos. Sus dos anteriores películas –Gomorra (2008) y Reality (2012)- fueron galardonadas en Cannes con el Gran Premio del Jurado. Ambientada en el Barroco, El cuento de los cuentos narra, con tintes fantásticos, la historia de tres reinos y sus respectivos monarcas. Los de la Reina de Longtrellis (Salma Hayek) y su marido (John C. Reilly), la de dos misteriosas hermanas que encienden la pasión del Rey de Strongcliff (Vincent Cassel), y la del Rey de Highhills, obsesionado con una Pulga gigante (Toby Jones), que le lleva a romper el corazón de su joven hija… La adaptación de Garrone de los cuentos napolitanos de Giambattista Basile resulta una experiencia onírica, única y fascinante. Se trata de una fábula mágica y magnética, increíblemente bella y perversa al mismo tiempo. La película se respalda fundamentalmente en su apartado visual. Se nota que ha habido un gran trabajo en la dirección artística y en la fotografía, intentando cuidar todo hasta el más mínimo detalle, con lo que han logrado alcanzar gran cantidad de imágenes de una gran belleza y fuerza visual, o por el contrario, fascinantemente grotescas, desagradables y perversas. Se trata de la primera película de este cineasta rodada en inglés. Pero ello ha hecho posible la participación de actores de prestigio internacional como Vincent Cassel o Salma Hayek, dando vida a unos personajes extravagantes. El cuento de los cuentos es un film difícil de clasificar, Garrone ha reinventado a su modo el género de la fantasía con esta fábula absurda, grotesca, perversa, pero sumamente maravillosa y bella. Logra seducir al espectador cultivando el lado oscuro de los cuentos. Que nadie se espere un cuento normal, porque todos los estereotipos de los cuentos de reyes y princesas quedan destruidos aquí. Mención especial merece a su vez la fabulosa banda sonora de Alexandre Desplat (ganador del Oscar a la mejor banda sonora por Budapest Hotel en la anterior edición), su música acompaña continuamente a las tres historias paralelas, y es imposible que no se quede la melodía principal grabada en la mente. El cuento de los cuentos es una simpática rareza, con un gran componente mágico, que mezcla la ternura con la repulsión, la comedia con lo absurdo. No creo que deje indiferente a nadie, aunque tampoco creo que guste a todos, dado que se trata de una película bastante especial. Por mi parte, recomiendo no buscarle el sentido a la película, e intentar tan solo disfrutar del genial apartado técnico, de la excepcional banda sonora, y de esta magnífica adaptación cinematográfica de los crudos y sangrientos...

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Deuda de honor: reinvidicación de la mujer en el Western
Nov11

Deuda de honor: reinvidicación de la mujer en el Western

El prestigioso actor Tommy Lee Jones se consolida con su cuarto largometraje como un director a tener muy en cuenta.  Con Deuda de honor (The Homesman) ha logrado crear un western atípico y con una gran crítica feminista del género, utilizando una soberbia y despiadada narrativa, y demostrando, como ya hicieron películas como Sin Perdón, o más recientemente, Valor de ley o Django Desencadenado, que el western, sigue vivo. A modo de breve sinopsis. la historia transcurre en Nebraska, en el año 1855. Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), lleva una vida solitaria en una lejana localidad del medio oeste. La Iglesia de su poblado solicita un voluntario para llevar de regreso al mundo civilizado a  tres mujeres que han perdido la razón, y Mary Bee Cuddy es la que se termina ofreciendo para realizar dicha misión. Termina contando para ello con la ayuda de Briggs (Tommy Lee Jones), un delincuente al que salva de la horca con la condición de que le acompañe en el trayecto. Juntos emprenden este largo y peligroso viaje a través del desierto, desde Nebraska hasta Iowa, un camino en el que tendrán que enfrentarse a todos los peligros de la frontera, luchar contra las inclemencias del tiempo y protegerse de asaltantes e indios. Tommy Lee Jones, también actor en su propio film, se dirige a sí mismo y a una fabulosa Hilary Swank, perfecta para el papel de su personaje; ambos realizan unas soberbias interpretaciones. De hecho, el reparto entero está muy acertado,  cabe destacar la extraordinaria actuación de las tres mujeres que interpretan a las dementes, y el lujo de tener a Meryl Streep en un breve papel secundario. El polivalente actor y director norteamericano, ya mostró en su último largometraje, The Sunset Limited su intelectualidad, y con Deuda de honor ha vuelto a mostrar cierto atrevimiento con el planteamiento, con un western que se centra más en el humanismo de sus personajes que en la acción, y con un inusual mensaje y crítica feminista del género, mostrando la verdadera crudeza de la realidad que debieron de vivir las mujeres en aquellos tiempos por esas tierras. Incluso una mujer fuerte y con carácter como Mary Bee Cuddy. Merece una mención especial la magnífica fotografía por parte de Rodrigo Prieta, logrando captar unas imágenes espectaculares de las vastas tierras de Nebraska y creando una apropiada atmósfera. Ello contribuye a que Lee Jones haya logrado exprimir ese Oeste vacío y desolador. En definitiva, con Deuda de honor, Tommy Lee Jones nos invita a realizar un duro y desgarrador viaje, con una mirada melancólica y lírica sobre el viejo oeste norteamericano. Un western muy especial, que reinventa o explota el género desde una perspectiva más humanista y realista. Un film...

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Son of Saul: experiencia inédita del holocausto
Sep30

Son of Saul: experiencia inédita del holocausto

El debut del director húngaro László Nemes es algo extraordinario y muy poco común. Su ópera prima se ha ganado ya por mérito propio un hueco en la historia del cine. Tras dar la gran sorpresa en el Festival de Cannes con Son of Saul, -donde obtuvo el Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI-, su película ha sido seleccionada en la Sección Perlas de la 63ª edición del Festival de San Sebastián, recibiendo también aquí una gran acogida por parte de público y prensa. László Nemes fue ayudante de dirección del gran Béla Tarr, y en su film queda plasmada la influencia que tuvo en él el estilo y lenguaje cinematográfico del maestro. La película nos traslada al año 1944 y nos introduce desde el comienzo en el infierno, en uno de los campos anexos de Auschwitz ya en pleno rendimiento, compartiendo la visión del protagonista, un judío húngaro. Saul es miembro de los Sonderkommando -aquellos presos que colaboraron en todo el proceso de la maquinaria de exterminio nazi, con la poca e ilusa esperanza de poder salvar así sus vidas-, teniendo que encargarse de escoltar a los deportados que bajaban del tren hacia las duchas, hacerles desvestirse, introducirlos en las duchas, revisar todas sus pertenencias en busca de cosas de valor, arrastrar a los cadáveres al crematorio, limpiar la sangre en las duchas -que se hacían los mismos deportados al cundir el pánico cuando empezaba a salir el gas letal Zyklon B-, y, finalmente, lanzar con las palas al río las montañas de cenizas creadas a lo largo del día. En resumidas cuentas, encargarse de todas las fases de la cadena de la fábrica de la muerte orquestada por los nazis para no dejar rastro del exterminio brutal que estaban perpetrando. Saul es víctima y verdugo al mismo tiempo. Partiendo de esta premisa, cabe destacar que el director húngaro logra tratar el tema de uno de los mayores horrores de la historia de la humanidad de forma muy equilibrada; con la cámara en mano y mediante una mirada neutra poco común, muy sugestiva, cruda y real, sin sentimentalismos, ni sensacionalismos, y evitando los clichés, el film invita al espectador a reflexionar por sí mismo. László consigue hacernos partícipes de los acontecimientos desde el principio. Con largos planos secuencia, y la cámara pegada siempre a poca distancia de Saul -ya sea de espaldas o de frente- el espectador acompaña al protagonista en todo momento y comparte de cerca sus vivencias. Pero lo hace sin llegar a perturbar al espectador con imágenes explícitas, sino que juega constantemente con el poder de sugestión: el espectador imagina por su cuenta mucho más de lo que se muestra. El director húngaro ha creado una experiencia audiovisual inédita del holocausto al emplear un lenguaje cinematográfico bastante innovador y muy apropiado para adentrarse...

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Mommy: Cine arrollador
Dic30

Mommy: Cine arrollador

Hay cineastas sobrios, contenidos, que dirigen la orquesta con calma, el equilibrio formal es su sello. Todos ellos heredan del cine contemplativo europeo o de las leyes de la forma cinematográfica marcadas a inicios del siglo pasado. Hay espacio para fuertes impulsos dramáticos, pero nunca formales, sus películas son un lago plácido, se mecen suavemente al compás que marca el director. Xavier Dolan no hereda, no tiene ascendencia, es huérfano, únicamente ha tenido padres adoptivos. Godard en otra vida lo acogió en su casa y de él aprendió la picardía, el atrevimiento y la voluntad de jugar con la forma. Quizá también se le quedó algo de esa prepotencia cinematográfica, ese “mira lo que hago” que hay en algunas de sus películas. Con Truffaut convivió un tiempo, seguro, de él aprendió a dar dimensión emocional a sus personajes, y sólo su tutela explica el final de “Mommy”. Debió de viajar algún tiempo a Asia, pues sólo si has compartido experiencias con Wong Kar-Wai has aprendido a ver a través de la música y a saber cómo hacer de ella un recurso, no un acompañamiento. Dolan hace que los momentos musicales se conviertan en algo absolutamente cinematográfico. No hay nadie actualmente que lo haga mejor que él… salvo su propio maestro,que por mucho le lleva aún la delantera. Mommy es una joya asombrosa, su complejidad dramática la convierten en la película más emocional del joven cineasta y el uso que hace el director de lo que tiene a su disposición en su trabajo más completo, probablemente el más grande y ambicioso, aunque yo siempre me debata entre ella y su Laurence Anyways. No es que Dolan haya madurado, en realidad ni su forma de hacer cine lo ha hecho ni el tratamiento de sus historias. Ha crecido, tanto él como su talento, y con ello su cine se agranda. El niño de los mil padres sólo ha salido a él mismo. No es heredero de nadie, no tiene parientes de sangre, no se enmarca en ninguna clase de cine, en ninguna corriente cinematográfica. Huye de lo pulcro, vive del ramalazo dramático, de la corriente formal. Es un torrente, pura fuerza. Y el ser un desclasado huérfano, dueño de su propio cine, impulsivo y desmedido, inclasificable y torrencial no es malo… También lo era a su manera Hitchcock en sus grandes películas, y Bergman, y Buñuel. Y también lo es a su modo, por ejemplo, David Lynch. Y quiera el cine que sigan prosperando cineastas así y que por cada uno que esculpa una obra redonda haya otro que componga una bella, salvaje e imperfecta. Y que vivan en armonía. En...

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