Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016
Mar02

Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016

La Berlinale, con su conocida reputación de ser un festival de cine de cariz político y que suele premiar las buenas intenciones, ha galardonado en esta ocasión con el Oso de Oro a Fuocoammare, la nueva película del director italiano Gianfranco Rosi. Seleccionada por ello también en la sección de Perlas de la 64 edición del festival de San Sebastián. Fuocoammare combina documental y ficción para plasmar la vida en Lampedusa,  el punto más meridional de Italia, que desde 1990 se ha convertido en un lugar masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. Por un lado muestra la vida cotidiana de algunas personas de la isla, principalmente desde la perspectiva inocente de Samuel, un chico de doce años muy carismático y de una increíble presencia cinematográfica, y por el otro lado, el de los inmigrantes y refugiados africanos, que huyen de mil horrores para intentar alcanzar la que supone su última esperanza. Repitiendo el estilo de su anterior documental, Sacro GRA, con el cual Rosi se alzó también en 2013 con el León de Oro en el Festival de Venecia, Fuocoammare plasma con una mirada muy humana la vida en Lampedusa, una pequeña isla mediterránea con alrededor 6.000 habitantes, que ha visto en los últimos 20 años como llegaban a sus costas alrededor de 400.000 inmigrantes africanos, en embarcaciones en muy pésimas condiciones, y contabilizando por desgracia más de 15.000 muertos en dichos intentos. La idea inicial de Rosi era el de realizar un cortometraje de 10 minutos, pero cuando fue a Lampedusa en persona, y empezó a conocer a las personas y ver la realidad existente allí, y sobre todo tras hablar con el médico de la isla que lleva muchos años ocupándose de todos los inmigrantes que llegan a las costas en malas condiciones, se dio cuenta que tenía que realizar un largometraje. En palabras del director: Viviendo allí me percaté de que el concepto de emergencia carece de sentido. Cada día allí es una emergencia. Cada día sucede algo. Para comprender el verdadero sentido de la tragedia necesitas estar cerca de ella y tener contacto continuo. Solo de este modo fui capaz de comprender el sentimiento de los isleños, quienes han estado viendo esta constante tragedia de los inmigrantes repetida una y otra vez durante más de veinte años. Y es que en el fondo, nadie quiere dejar su país de origen y toda su vida atrás. Los valientes que lo hacen, lo hacen básicamente por desesperación y desesperanza, y se juegan sus vidas por alcanzar nuestras costas en busca de una vida mejor que no pueden encontrar en su país. Gianfranco Rosi dijo en la rueda de prensa precisamente en esta dirección, que lo...

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Segunda crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb18

Segunda crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La Berlinale no se detiene, y en la Sección Oficial siguen apareciendo apuestas interesantes. En esta segunda crónica hablaré de 24 Wochen, Midnight Special, Alone in Berlin y Death in Sarajevo.   24 Wochen, de Anne Zohra Berrached 24 Wochen (24 semanas) ha sido la película más emocional de la Berlinale hasta el momento, y ha logrado robar bastantes lágrimas entre el público -al menos en la proyección de prensa-. Y ello es debido a que la segunda película de Anne Zohra Berrached trata el tema de una de las decisiones más difíciles que tienen que tomar algunas mujeres en sus vidas. Astrid, la protagonista, trabaja como humorista, y consigue que su público ría a carcajadas en los distintos espectáculos de comedia que realiza. Su marido es a su vez su manager. Forman un buen equipo, y llevan una vida agradable con su hijo de nueve años, y otro en camino con bastantes meses de embarazo. Sin pretender desgarrar el argumento con detalles, básicamente surgen problemas durante el embarazo que llevarán a la necesidad de tomar decisiones con efectos de por vida: abortar o no. La película ronda alrededor de este enorme conflicto moral, dándole vueltas al tema de distintas formas, no existiendo ninguna solución fácil. Entre discusiones, distintos puntos de vista, y circunstancias cambiantes, la película pasa por distintas fases diferenciadas. El acercamiento al tema de la directora es naturalista, y utiliza el humor para aligerar el dramatismo. Resulta una película muy interesante en cualquier caso, que te invita como espectador a participar en la toma de las decisiones y reflexionar sobre el tema. Las interpretaciones son muy buenas, y como característica señalar que muchos personajes son en verdad actores interpretándose a sí mismos. Midnight Special, de Jeff Nichols Una de las primeras grandes sorpresas del festival, Midnight Special resulta un film insólito que se pasea por distintos géneros, y gracias a su reducida exposición informativa, logra crear un thriller de sci-fi como nunca se había visto anteriormente. Escribí una crítica individual de dicha película, por lo que dejo aquí el enlace a la misma: Midnight Special Alone in Berlin, de Vincent Pérez Alone in Berlin nos relata una historia real sucedida en Berlin en 1940, y recogida en la novela de Hans Fallada escrita en 1947. La película nos traslada al Berlin de 1940, cuando la propaganda nazi celebraba la victoria sobre Francia. Pero no todos tenían algo que celebrar. El hijo de Anna y Otto Quangel ha muerto en el frente, lo que provoca en este matrimonio que se había mantenido fiel al Führer y había creído en él, un desengaño absoluto e ira interior hacia él. Ello les lleva a la iniciativa de realizar...

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El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas
Feb17

El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas

Que alegría provoca el ir a ver una película de la cual tenías ya de por si unas expectativas muy elevadas, y que no consiga tan solo superarlas con creces, sino que te regale además una sorpresa tan grata. El abrazo de la serpiente, la nueva película del director colombiano Ciro Guerra, logró dejarme asombrado de tanta belleza, magia y poesía; una de las películas más impresionantes y magnéticas que he visto jamás. Es un film único e inclasificable, que deja huella en la memoria. El abrazo de la serpiente transporta al espectador a un viaje de aprendizaje en un mundo fascinante y desconocido. Narra de forma poética el apocalipsis que supuso el colonialismo y sus devastadores efectos posteriores, donde fueron destruidas casi al completo las tradiciones ancestrales de las tribus indígenas, diezmadas por la opresión, la codicia por el caucho y la religión cristiana. Cabe destacar en primer lugar el guión: inteligente, complejo y bien estructurado, ofreciendo diálogos muy interesantes -sin resultar nunca forzados-, y realizando una narración atemporal, en la cual se van entremezclando pasado, presente y futuro. El protagonista es Karamakate, un indígena chamán que cree ser el último superviviente de su tribu, y con ello el último poseedor del conocimiento y del secreto más preciado de su pueblo: una planta llamada yakruna . La película intercala dos vivencias suyas, una en su juventud y la otra transcurridos ya unos 40 años, en sus encuentros con dos personas que acuden a él por circunstancias muy distintas en busca de dicha planta. Y en su búsqueda, resulta devastador ver como algunas acciones pueden condicionar tanto el futuro y provocar consecuencias tan aterradoras. Pero la película no destaca solamente por lo que cuenta, sino sobre todo por la forma en que lo hace. Tiene una maravillosa dirección artística que ha cuidado los detalles al milímetro, así como una magnética fotografía en blanco y negro de un enorme poderío visual. Logra dejarte impregnados muchos de sus fotogramas en lo más profundo de tu memoria, evocando con un sentimiento de nostalgia -como si realmente de tiempos pasados se tratase- esas bellas imágenes de esos increíbles paisajes, introduciéndonos en las entrañas de la selva vista con una amplia escala de grises inquietante, donde reinan las luces y sombras. Un viaje lírico y reflexivo a lo más profundo del Amazonas. La enorme calidad y valor cinematográfico de El abrazo de la serpiente está siendo reconocido por suerte en su paso por los Festivales. Tras ganar el Art Cinema Award en Cannes, la película pasó humildemente por el Festival de San Sebastián, siendo una de las mayores sorpresas del festival para los que pudimos tener la suerte de verla. Posteriormente si que resultó la gran vencedora del Festival de Mar del Plata, ganando el Astor...

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Midnight Special: insólito thriller de sci-fi de Jeff Nichols
Feb16

Midnight Special: insólito thriller de sci-fi de Jeff Nichols

Jeff Nichols, director y guionista de cine independiente estadounidense, y autor de películas célebres como Take Shelter (2011) y Mud (2012) ha sido el que ha dado la primera sorpresa en la 66. edición de la Berlinale con su inquietante e interesante nueva película: Midnight Special, su primer film para un gran estudio. Jeff Nichols se consolida a su vez como uno de los storytellers más habilidosos del momento, con esta interesante propuesta en la cual ha despojado gran parte de la exposición informativa, dejando al espectador completamente a oscuras intentando comprender que es lo que está sucediendo en este intrigante thriller mientras recibe lentamente información de distintas fuentes, con tramos verdaderamente intensos y desconcertantes. A su vez, la película resulta ser un provocativo desafío de género. Aunque principalmente es un thriller de ciencia ficción, Midnight Special es a su vez un mix de géneros que funciona a la perfección, siendo sobrenatural e íntimamente humana a la vez, y siendo también un interesante drama sobre la relación padre-hijo. Sus principales referencias son Steven Spielberg y John Carpenter, con películas como Encuentros en la tercera fase, E.T. y Starman. La película arranca con una puesta en escena potente e inolvidable, con un detalle muy original -que no revelaré-. Roy y su hijo Alton, de 8 años, son buscados por la policía por el supuesto secuestro de Roy a su propio hijo, el cual estaba cuidando otra familia por motivos desconocidos. A cada kilómetro que recorren, vamos percibiendo que algo raro pasa con Alton. Lo que empieza siendo una carrera huyendo de extremistas religiosos y de la policía local, termina escalando velozmente a una persecución por las más altas esferas del Gobierno Federal. Michael Shannon encarna precisamente a la figura paterna, Roy, y lo hace de forma magistral, como nos tiene acostumbrados este gran actor. Y es que cuanto más progresa el viaje, más fantástico se va volviendo observar en esa esfera sobrenatural a un padre haciendo todo lo posible por guiar a su querido hijo a su destino. Por otro lado, el espectador va descubriendo lentamente los poderes de Alton, y aunque tarde en poderlos comprender, se mete de lleno en la historia de ciencia ficción. Midnight Special es en cualquier caso una película muy particular y atrevida, atractivamente desconcertante. Con las mejores cualidades de Spielberg, pero sin sus “defectos” sensibleros, la película resulta magnética, visualmente potente, y a su vez cruda y oscura. Cabe destacar en cualquier caso el gran trabajo de iluminación y la buena fotografía, así como la música que logra terminar de crear una atmósfera totalmente envolvente. En definitiva, con Midnight Special, Jeff Nichols desborda imaginación, y con su interesante...

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Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb14

Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La 66. edición de la Berlinale ya está en marcha, y el Jurado presidido por Meryl Streep está ya visionando las primeras películas de la Sección Oficial de este año. Las grandes sorpresas por ahora han sido Fuocommare, 24 Weeks y Midnight Special, de las cuales hablaré más detenidamente en la próxima crónica. En general, la Sección Oficial está siendo bastante buena, con películas muy variadas e interesantes cada una a su manera. La película inaugural fue Hail, Caesar! de los hermanos Coen, que regaló muchas risas tanto durante la proyección como en la rueda de prensa. No obstante, su nuevo film está fuera de competición. Podéis leer la crítica aquí: https://revista.tviso.com/hail-caesar-version-romantizada-coen-del-hollywood-de-los-50/ Y a continuación podéis leer la crónica de las cuatro siguientes películas: Cartas da guerra, Inhebek Hedi, L’Avenir y Boris sans Béatrice (la única que no ha terminado de convencer por ahora).     Cartas da guerra, de Ivo M. Ferreira La película del director portugués, basada en la novela de António Lobo Antunes, invita al espectador a experimentar una película antibélica bastante distinta al resto, sustentada en la poesía, el intercambio de cartas narradas con voz en off, y con la belleza y el estilo visual similar a Malick pero con una portentosa fotografía en blanco y negro. Sustenta su mensaje antibélico no mostrando la violencia de la guerra, sino todo lo contrario, plasmando con sobrecogedoras imágenes precisamente la antítesis de la guerra: la gran belleza de la naturaleza y los agradables momentos de paz y tranquilidad. Pudiendo disfrutar de esto ¿qué sentido tiene la guerra? “Esta guerra nos convierte a todos en insectos, que luchan por la supervivencia” escribe el joven médico militar António en una de sus cartas a su mujer embarazada en Portugal, durante la guerra colonial en Angola, en enero de 1971. Son palabras de dolor y sinceridad, que contienen a su vez una profunda melancolía para con su querida y su bebe que está a punto de nacer. En sus constantes cartas, leídas por su mujer, António realiza un boceto del día a día en territorio desconocido: el progresivo descubrimiento de la fascinante naturaleza, los encuentros con los nativos, el cuidado de una niña huérfana, y nos hace cómplices de sus sentimientos y pensamientos. Pero inevitablemente, también haz momentos en los que la guerra muestra su verdadera cara. Cartas da guerra resulta en cualquier caso una película muy interesante, en el que se recogen algunas de las cartas auténticas de António Lobo Antunes, combinando realidad e imaginación por parte de Ivo M. Ferreira. Con una hipnótica fotografía en blanco y negro, el director portugués nos regala un poético ensayo, en el...

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Michael Ballhaus: Oso honorífico a un gran director de fotografía
Feb13

Michael Ballhaus: Oso honorífico a un gran director de fotografía

Si el año pasado le tocó a Wim Wenders, en esta 66ª edición de la Berlinale el galardonado con el Oso Honorífico es Michael Ballhaus, por su magistral carrera profesional como director de fotografía. Michael Ballhaus es considerado uno de los grandes directores de fotografía de la historia del cine. Y como es habitual, la entrega del Oso viene acompañada de un ciclo Homenaje a él, proyectando durante el festival una selección de diez películas en las que trabajó. Suele ocurrir que nos solemos fijar en el Director de la película, pero no en el resto del equipo que hay detrás de cada película, por lo que a algunos quizá no les debe sonar el nombre de Michael Ballhaus; pero a continuación haré un pequeño reportaje sobre él mediante el cual estoy seguro que bastantes descubriréis que en verdad habéis visto muchas de las películas en las cuales trabajó a cargo de la fotografía. Primera pista con la imagen que sigue. Michael Ballhaus nació en Berlin en 1935, hijo de actores, recibió influencia cinéfila ya desde pequeño, incluso por parte de Max Ophüls que era amigo de la familia. A principios de los años 60 empezó a trabajar en la televisión alemana, y a finales de esa década inició una colaboración con el prestigioso director alemán Rainer Werner Fassbender, que le llevó a ser su director de fotografía fijo e inamovible durante muchos años, colaborando con él en 15 de sus películas. Gracias a dicha colaboración, su gran talento llegó fuera de las fronteras alemanas, y tuvo las puertas abiertas en Hollywood, donde llegó a ser uno de los directores de fotografía más codiciados por directores de gran renombre, tales como Peter Lilienthal, Wolfgang Petersen, Volker Schlöndorff, John Sayles, Robert Redford, Paul Newman, Mike Nichols, Francis Ford Coppola, etc. Pero su relación más fructífera por Hollywood fue seguramente la que tuvo con Martin Scorsese, con quién colaboró por primera vez en 1985 en After Hours (¡Jo, qué noche!). Seguidamente, terminaron haciendo otras seis notables películas juntos: El color del dinero (1986) La última tentación de Cristo (1988) Uno de los nuestros (1990) La edad de la inocencia (1993) Gangs of New York (2002) Infiltrados (2006) A pesar de su sólida y admirable carrera, tan solo fue nominado al Oscar en tres ocasiones, para las películas siguientes: Al filo de la noticia, de James L. Brooks (1987) Los fabulosos Baker Boys, de Steve Kloves (1989) Gangs of New York, de Martin Scorsese (2002) No obstante, tiene el orgullo de haber sido el primer director de fotografía alemán galardonado de forma honorífica en 2007 por el American Society of Cinematographers. Con alrededor de 130 películas de televisión y cine rodadas, en 2014 anunció públicamente su...

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Hail, Caesar!: versión romantizada de los Coen del Hollywood de los 50
Feb12

Hail, Caesar!: versión romantizada de los Coen del Hollywood de los 50

Los talentosos hermanos Coen han mostrado a lo largo de su exitosa carrera su gran destreza en distintos géneros cinematográficos. Con Hail, Caesar! (¡Ave, César!) satirizan distintos géneros, para ofrecer mediante una delirante comedia una versión romantizada del Hollywood de los años 50, siendo probablemente la película más fantasiosa de toda su filmografía. Prima lejana de Barton Fink, la película resulta un interesante ejercicio de cine dentro del cine. El proyecto nació hace diez años, pero tardó en hacerse realidad. Pero una vez retomado el proyecto, los Coen han logrado reunir a sus habituales colaboradores, que resultaban imprescindibles para realizar la película tal y como la tenían ideada. La 66ª edición de la Berlinale ha sido inaugurada precisamente con la proyección de Hail, Caesar! contando con la presencia de los hermanos Coen, George Clooney, Josh Brolin, Tilda Swinton y Channing Tatum. Hail, Caesar! es a la vez un homenaje y una sátira de la época dorada de Hollywood en los años 50, cuando reinaban los estudios, justo antes de que empezara su crisis al tener que enfrentarse a la televisión, y en plena Guerra Fría. Para plantar cara a dicho rival, Hollywood apostó por realizar una serie de superproducciones de epopeyas bíblicas con miles de extras, osados musicales y espectáculos acuáticos en technicolor, así como una gran cantidad de westerns y elegantes dramas de sociedad. Y los Coen han sabido agrupar todos los citados elementos hábilmente en su nueva película. Y dichos elementos quedan recogidos de hecho ya en su sinopsis: En el Hollywood de los años 50, uno de los grandes estudios pretende hacer una gran superproducción de romanos protagonizada por una gran estrella (Clooney), pero el actor es secuestrado durante el rodaje por unos comunistas. Preguntado a George Clooney en la rueda de prensa, si había pertenecido alguna vez a algún partido comunista, entre risas ha contestado que prefería atenerse a la quinta enmienda. En aquella época, los jefes de los grandes estudios controlaban tanto la vida profesional como la privada de sus grandes estrellas, y tenían incluso a personas contratadas para que se encargaran de resolver todos los posibles problemas que pudieran surgir durante la producción, y proteger además a dichas estrellas y cuidar su imagen pública. Un duro trabajo que realizaron personas como el verdadero Eddie Mannix, figura que inspiró a los Coen para realizar la película, y a quién han incluido en el film en una versión santa personalizada, interpretado magistralmente por Josh Brolin. El mismo Josh Brolin bromea diciendo que no dudó ni un momento en aceptar el papel al leer en el guión que tendría la oportunidad de abofetear a George Clooney, deseando que se tuviera que repetir...

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