Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]
Feb28

Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]

Continuación de la crónica de la Berlinale 2017:   The Other Side of Hope, de Aki Kaurismäki. Aki Kaurismäki se alzó con el Oso de Plata a Mejor Director con este film. Fiel a sus malos hábitos, al ser anunciado como ganador iba tan borracho que ni acudió a recoger el premio, sino que se lo tuvieron que llevar a su sitio en las butacas del Berlinale Palast. Y dio las gracias hablándole al Oso en lugar de al micrófono. The Other Side of Hope partía como una de las películas favoritas a ganar el Oso de Oro; parecía la película ideal hecha especialmente para la Berlinale -sin buscarle una connotación negativa al hecho en sí-. El cineasta finés construye una conmovedora historia sobre un refugiado que llega a Finlandia y pide asilo, a modo de mostrar una realidad que están viviendo muchos refugiados en Europa. Pero lo hace con su particular estilo y humor, y acompañado de la calidez de sus lacónicos personajes y sus coloridas y pictóricas composiciones. Y es que el humor de Kaurismäki es como un buen vino: con el paso de los años se ha ido refinando cada vez más, alcanzando en este film una de sus cúspides, siendo el resultado no solo cómico, sino también muy conmovedor. Una película necesaria en los tiempos que corren. En palabras del director finlandés: “Con este film, trato de hacer todo lo posible para deshacer el camino europeo de sólo ver a los refugiados como víctimas lamentables o como inmigrantes económicos arrogantes que invaden nuestras sociedades simplemente para robar nuestros empleos, nuestras mujeres, nuestras casas y coches. En la historia de Europa, la creación e imposición de prejuicios estereotipados arrastra un eco siniestro.Libremente confieso que The Other Side of Hope es, en cierta medida, una de esas llamadas películas de tendencia manipuladora, intentando influir en las visiones y las opiniones de los espectadores, tratando de manipular sus emociones a fin de alcanzar ese objetivo. Como este fin naturalmente fracasará, lo que espero que permanecerá, es, una ligeramente melancólica historia narrada con humor, y en el fondo, una  película casi realista sobre ciertos destinos humanos, aquí en este nuestro mundo, hoy en día.” A teströl és a lélekröl (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi. On Body and Soul fue la primera película a competición de la Sección Oficial que vimos los de la prensa, y en mi caso, el buen sabor de boca que dejó al inicio se fue consolidando a lo largo del Festival a medida que pasaban los días. Terminó siendo una de mis películas favoritas del Festival, junto a Insyriated. Su sinopsis: “María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y...

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Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte I]
Feb22

Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte I]

La Sección Oficial de la Berlinale 2017 acogió como cada año una gran variedad de propuestas cinematográficas procedentes de todo el mundo. Como de costumbre, entre ellas había unas cuantas fuera de competición, básicamente a modo promocional, tales como Trainspotting 2 o Final Portrait. El nivel medio de los films a competición de este año fue bastante bueno, a pesar de contar como siempre con un par de películas bastante flojas, que uno no logra comprender cómo se cuelan en la Sección Oficial. En el resto de Secciones del Festival hubo también películas muy interesantes, de las cuales hablaré en otro artículo. En este voy a centrarme en las películas que creo que merece la pena destacar de la Sección Oficial: The Party, de Sally Potter. The Party es una comedia construida entorno a una tragedia. En un encuentro en el que se reúnen célebres amigos y personajes, la situación se vuelve cada vez mas violenta en un muy breve espacio de tiempo. Si bien una semana puede llegar a resultar ser mucho tiempo en la política, en una relación pueden llegar a serlo tan solo unos pocos minutos. Bajo presión extrema en un entorno conocido -pues la vivienda que suele funcionar como santuario también puede convertirse en tu cárcel- todo lo oculto puede salir a la luz. Esa es la premisa con la cual juega Sally Potter en este intenso film, que te introduce al principio en su atmósfera y no te suelta ya hasta el final, invitándote a ser partícipe en esta alocada reunión al filo del abismo y presenciar como testigo a este curioso grupo de gente enfrentándose cada uno a su manera a la situación planteada, intentando defender sus ideas morales y políticas. Todo ello impregnado de un magnifico humor negro que hila la película de principio a fin. Magnífico trabajo de dirección de actores por parte de Sally Potter, del por si extraordinario reparto: Cillian Murphy, Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Kristin Scott Thomas, Timothy Spall, Cherry Jones, Emily Mortimer. Cabe destacar a su vez el preciso guión, que dota de gran personalidad a todos los personajes, que brinda gran cantidad de conversaciones interesantes y logra mantener el ritmo en todo momento. A pesar de no haber logrado llevarse ningún premio, fue una de las películas más interesantes de la Sección Oficial. Final Portrait, de Stanley Tucci. A pesar de estar fuera de competición en la Sección Oficial, Final Portrait fue una película que dio aire fresco en medio del festival, y que resultó ser una sorpresa inesperada. Stanley Tucci nos invita a compartir el proceso creativo del célebre pintor suizo Alberto Giacometti en su cumbre artística, pero a modo de biopic atípico limitado a un segmento...

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Berlinale 2017: El palmarés
Feb19

Berlinale 2017: El palmarés

La 67 edición de la Berlinale llegó a su fin. Como cada año, el Festival acogió propuestas cinematográficas de todo el mundo, muy distintas unas de otras, y la mayoría impregnadas de un toque político. La Berlinale se destaca de la mayoría de Festivales de cine de primera categoría tales como Cannes o Venecia, por ser un Festival no solo dirigido a la prensa e industria, sino que su esencia radica en ser también un Festival para el gran público, aumentando año a año los cientos de miles de espectadores que tiene a lo largo del mismo, en su gran cantidad de salas puestas a disposición. En febrero, la ciudad entera se pone a disposición de la Berlinale. El gran Jurado Internacional, presidido por Paul Verhoeven, y completado por Dora Bouchoucha Fourati, Olafur Eliasson, Maggie Gyllenhall, Julia Jentsch, Diego Luna y Wang Quan’an, tuvo que seguir el criterio del Festival y repartir los premios sin posibilidad de acumular premios una misma película. Los premios que decidieron conceder, son los siguientes: Oso de Oro a la mejor película: Teströl és lélekröl (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi. Oso de Plata del Gran Premio del Jurado Félicité, de Alain Gomis Oso de Plata del Premio Alfred Bauer Pokot (Spoor), de Agnieszka Holland. Oso de Plata al Mejor Director Aki Kaurismäki por Toivon tuolla poulen (The Other Side of Hope) Oso de Plata a la Mejor Actriz Kim Minhee en Bamui haebyun-eoseo honja (On The Beach at Night Alone) de Hong Sangsoo. Oso de Plata al Mejor Actor Georg Friedrich en Helle Nächte (Bright Nights) de Thomas Arslan. Oso de Plata al mejor Guion Sebastián Lelio y Gonzalo Maza por Una mujer fantástica de Sebastián Lelio. Los Premios corresponden a la Sección Oficial. La Berlinale consta no obstante de bastantes otras secciones, tales como Forum, Panorama, NATIVe, Generation, y otros Premios independientes. Una de las grandes sorpresas fue precisamente el Premio a la Mejor Ópera Prima, en el cual compiten todas las películas del Festival, independientemente de la Sección a la que correspondan. La vencedora fue Estiu 1993 (Verano 1993), película catalana de Carla Simón, que fue una de las películas revelación del Festival, sorprendiendo dentro de la Sección de Generation. Se llevó a su vez de forma ex aequo con Becoming who I was el Gran Premio del Jurado Internacional de la Sección Generation. Por otro lado, el Premio al Mejor Documental fue a parar a Istiyad Ashbah (Ghost Hunting) de Raed Andoni. Y con la entrega de Premios, el Festival llegó a su fin. Pero ya se anunciaron las fechas de la 68ª edición: del 15 al 25 febrero. Hasta la próxima edición,...

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Berlinale 2017: Oso de Oro Honorífico para Milena Canonero
Feb10

Berlinale 2017: Oso de Oro Honorífico para Milena Canonero

Como cada año, la Berlinale rinde un homenaje con el premio del Oso de Oro Honorífico a alguna persona que ha contribuido con su trayectoria especialmente al cine de alguna forma u otra. En esta presente edición, el Homenaje es dedicado a la diseñadora italiana de vestuarios, Milena Canonero. Milena Canonero es una de las más célebres diseñadoras de vestuario del mundo. Su trayectoría abarca un largo recorrido de colaboraciones con prestigiosos directores de cine, tales como Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Sydney Pollack, Warren Beatty, Roman Polanski, Steven Soderbergh, Louis Malle, Tony Scott, Barbet Schroeder, Sofia Coppola y/o Wes Anderson. A lo largo de estos años, ha sido premiada con cuatro Oscars por sus fabulosos diseños de vestuario, y ha sido nominada otras cinco ocasiones. En palabras del Director de la Berlinale, Dieter Kosslick: “Milena Canonero es una extraordinaria diseñadora de vestuario. Con sus diseños, ha contribuido de forma decisiva en el estilo de muchas obras maestras cinematográficas. Con el Homenaje de este año, nos gustaría honrar a una gran artista, así como dar importancia y atención a otra profesión englobada en el mundo de las películas.” Los diseños de Milena Canonero son un resultado de un extensivo trabajo de investigación artístico-histórico, así como de conceptos sofisticados. Ella nunca adopta simplemente parámetros de las modas históricas, sino que las adapta de forma creativa a la necesidad de cada película. Con ello, ella no solo logra que se acentúe la personalidad de ciertos personajes, sino que también le da una textura específica a las películas a través de diseños muy detallados y originales. Sus creaciones, de hecho, han influenciado a la moda global, e inspirado a diseñadores tales como Alexander McQueen y Ralph Lauren. Con motivo del Homenaje, la Berlinale realizará una pequeña retrospectiva de diez películas en las que participó aportando su arte Milena Canonero: Barry Lyndon (1975, Stanley Kubrick) Chariots of Fire (1981, Hugh Hudson) A Clockwork Orange (1971, Stanley Kubrick) The Cotton Club (1984, Francis Ford Coppola) Dick Tracy (1990, Warren Beatty) The Godfather. Part III  (1990, Francis Ford Coppola) The Grand Budapest Hotel (2014, Wes Anderson) Marie Antoinette (2006, Sofia Coppola) Out of Africa (1985, Sydney Pollack) The Shining (1980, Stanley Kubrick) Canonero conoció a Stanley Kubrick justo al principio de su carrera, y fue para La naranja mecánica (1971) donde diseñó su primer vestuario para una película. Con ello, el color blanco perdió su inocencia y abrió nuevas puertas al diseño de vestuario. Y ya con su segundo trabajo para Kubrick, Barry Lyndon (1975), ya se llevó a casa su primer Oscar al Mejor Diseño de Vestuario (compartido con Ulla-Britt Söderlund). A continuación vinieron El resplandor (1980) de Kubrick y Carros...

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Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016
Mar02

Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016

La Berlinale, con su conocida reputación de ser un festival de cine de cariz político y que suele premiar las buenas intenciones, ha galardonado en esta ocasión con el Oso de Oro a Fuocoammare, la nueva película del director italiano Gianfranco Rosi. Seleccionada por ello también en la sección de Perlas de la 64 edición del festival de San Sebastián. Fuocoammare combina documental y ficción para plasmar la vida en Lampedusa,  el punto más meridional de Italia, que desde 1990 se ha convertido en un lugar masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. Por un lado muestra la vida cotidiana de algunas personas de la isla, principalmente desde la perspectiva inocente de Samuel, un chico de doce años muy carismático y de una increíble presencia cinematográfica, y por el otro lado, el de los inmigrantes y refugiados africanos, que huyen de mil horrores para intentar alcanzar la que supone su última esperanza. Repitiendo el estilo de su anterior documental, Sacro GRA, con el cual Rosi se alzó también en 2013 con el León de Oro en el Festival de Venecia, Fuocoammare plasma con una mirada muy humana la vida en Lampedusa, una pequeña isla mediterránea con alrededor 6.000 habitantes, que ha visto en los últimos 20 años como llegaban a sus costas alrededor de 400.000 inmigrantes africanos, en embarcaciones en muy pésimas condiciones, y contabilizando por desgracia más de 15.000 muertos en dichos intentos. La idea inicial de Rosi era el de realizar un cortometraje de 10 minutos, pero cuando fue a Lampedusa en persona, y empezó a conocer a las personas y ver la realidad existente allí, y sobre todo tras hablar con el médico de la isla que lleva muchos años ocupándose de todos los inmigrantes que llegan a las costas en malas condiciones, se dio cuenta que tenía que realizar un largometraje. En palabras del director: Viviendo allí me percaté de que el concepto de emergencia carece de sentido. Cada día allí es una emergencia. Cada día sucede algo. Para comprender el verdadero sentido de la tragedia necesitas estar cerca de ella y tener contacto continuo. Solo de este modo fui capaz de comprender el sentimiento de los isleños, quienes han estado viendo esta constante tragedia de los inmigrantes repetida una y otra vez durante más de veinte años. Y es que en el fondo, nadie quiere dejar su país de origen y toda su vida atrás. Los valientes que lo hacen, lo hacen básicamente por desesperación y desesperanza, y se juegan sus vidas por alcanzar nuestras costas en busca de una vida mejor que no pueden encontrar en su país. Gianfranco Rosi dijo en la rueda de prensa precisamente en esta dirección, que lo...

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Segunda crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb18

Segunda crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La Berlinale no se detiene, y en la Sección Oficial siguen apareciendo apuestas interesantes. En esta segunda crónica hablaré de 24 Wochen, Midnight Special, Alone in Berlin y Death in Sarajevo.   24 Wochen, de Anne Zohra Berrached 24 Wochen (24 semanas) ha sido la película más emocional de la Berlinale hasta el momento, y ha logrado robar bastantes lágrimas entre el público -al menos en la proyección de prensa-. Y ello es debido a que la segunda película de Anne Zohra Berrached trata el tema de una de las decisiones más difíciles que tienen que tomar algunas mujeres en sus vidas. Astrid, la protagonista, trabaja como humorista, y consigue que su público ría a carcajadas en los distintos espectáculos de comedia que realiza. Su marido es a su vez su manager. Forman un buen equipo, y llevan una vida agradable con su hijo de nueve años, y otro en camino con bastantes meses de embarazo. Sin pretender desgarrar el argumento con detalles, básicamente surgen problemas durante el embarazo que llevarán a la necesidad de tomar decisiones con efectos de por vida: abortar o no. La película ronda alrededor de este enorme conflicto moral, dándole vueltas al tema de distintas formas, no existiendo ninguna solución fácil. Entre discusiones, distintos puntos de vista, y circunstancias cambiantes, la película pasa por distintas fases diferenciadas. El acercamiento al tema de la directora es naturalista, y utiliza el humor para aligerar el dramatismo. Resulta una película muy interesante en cualquier caso, que te invita como espectador a participar en la toma de las decisiones y reflexionar sobre el tema. Las interpretaciones son muy buenas, y como característica señalar que muchos personajes son en verdad actores interpretándose a sí mismos. Midnight Special, de Jeff Nichols Una de las primeras grandes sorpresas del festival, Midnight Special resulta un film insólito que se pasea por distintos géneros, y gracias a su reducida exposición informativa, logra crear un thriller de sci-fi como nunca se había visto anteriormente. Escribí una crítica individual de dicha película, por lo que dejo aquí el enlace a la misma: Midnight Special Alone in Berlin, de Vincent Pérez Alone in Berlin nos relata una historia real sucedida en Berlin en 1940, y recogida en la novela de Hans Fallada escrita en 1947. La película nos traslada al Berlin de 1940, cuando la propaganda nazi celebraba la victoria sobre Francia. Pero no todos tenían algo que celebrar. El hijo de Anna y Otto Quangel ha muerto en el frente, lo que provoca en este matrimonio que se había mantenido fiel al Führer y había creído en él, un desengaño absoluto e ira interior hacia él. Ello les lleva a la iniciativa de realizar...

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Midnight Special: insólito thriller de sci-fi de Jeff Nichols
Feb16

Midnight Special: insólito thriller de sci-fi de Jeff Nichols

Jeff Nichols, director y guionista de cine independiente estadounidense, y autor de películas célebres como Take Shelter (2011) y Mud (2012) ha sido el que ha dado la primera sorpresa en la 66. edición de la Berlinale con su inquietante e interesante nueva película: Midnight Special, su primer film para un gran estudio. Jeff Nichols se consolida a su vez como uno de los storytellers más habilidosos del momento, con esta interesante propuesta en la cual ha despojado gran parte de la exposición informativa, dejando al espectador completamente a oscuras intentando comprender que es lo que está sucediendo en este intrigante thriller mientras recibe lentamente información de distintas fuentes, con tramos verdaderamente intensos y desconcertantes. A su vez, la película resulta ser un provocativo desafío de género. Aunque principalmente es un thriller de ciencia ficción, Midnight Special es a su vez un mix de géneros que funciona a la perfección, siendo sobrenatural e íntimamente humana a la vez, y siendo también un interesante drama sobre la relación padre-hijo. Sus principales referencias son Steven Spielberg y John Carpenter, con películas como Encuentros en la tercera fase, E.T. y Starman. La película arranca con una puesta en escena potente e inolvidable, con un detalle muy original -que no revelaré-. Roy y su hijo Alton, de 8 años, son buscados por la policía por el supuesto secuestro de Roy a su propio hijo, el cual estaba cuidando otra familia por motivos desconocidos. A cada kilómetro que recorren, vamos percibiendo que algo raro pasa con Alton. Lo que empieza siendo una carrera huyendo de extremistas religiosos y de la policía local, termina escalando velozmente a una persecución por las más altas esferas del Gobierno Federal. Michael Shannon encarna precisamente a la figura paterna, Roy, y lo hace de forma magistral, como nos tiene acostumbrados este gran actor. Y es que cuanto más progresa el viaje, más fantástico se va volviendo observar en esa esfera sobrenatural a un padre haciendo todo lo posible por guiar a su querido hijo a su destino. Por otro lado, el espectador va descubriendo lentamente los poderes de Alton, y aunque tarde en poderlos comprender, se mete de lleno en la historia de ciencia ficción. Midnight Special es en cualquier caso una película muy particular y atrevida, atractivamente desconcertante. Con las mejores cualidades de Spielberg, pero sin sus “defectos” sensibleros, la película resulta magnética, visualmente potente, y a su vez cruda y oscura. Cabe destacar en cualquier caso el gran trabajo de iluminación y la buena fotografía, así como la música que logra terminar de crear una atmósfera totalmente envolvente. En definitiva, con Midnight Special, Jeff Nichols desborda imaginación, y con su interesante...

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Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb14

Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La 66. edición de la Berlinale ya está en marcha, y el Jurado presidido por Meryl Streep está ya visionando las primeras películas de la Sección Oficial de este año. Las grandes sorpresas por ahora han sido Fuocommare, 24 Weeks y Midnight Special, de las cuales hablaré más detenidamente en la próxima crónica. En general, la Sección Oficial está siendo bastante buena, con películas muy variadas e interesantes cada una a su manera. La película inaugural fue Hail, Caesar! de los hermanos Coen, que regaló muchas risas tanto durante la proyección como en la rueda de prensa. No obstante, su nuevo film está fuera de competición. Podéis leer la crítica aquí: https://revista.tviso.com/hail-caesar-version-romantizada-coen-del-hollywood-de-los-50/ Y a continuación podéis leer la crónica de las cuatro siguientes películas: Cartas da guerra, Inhebek Hedi, L’Avenir y Boris sans Béatrice (la única que no ha terminado de convencer por ahora).     Cartas da guerra, de Ivo M. Ferreira La película del director portugués, basada en la novela de António Lobo Antunes, invita al espectador a experimentar una película antibélica bastante distinta al resto, sustentada en la poesía, el intercambio de cartas narradas con voz en off, y con la belleza y el estilo visual similar a Malick pero con una portentosa fotografía en blanco y negro. Sustenta su mensaje antibélico no mostrando la violencia de la guerra, sino todo lo contrario, plasmando con sobrecogedoras imágenes precisamente la antítesis de la guerra: la gran belleza de la naturaleza y los agradables momentos de paz y tranquilidad. Pudiendo disfrutar de esto ¿qué sentido tiene la guerra? “Esta guerra nos convierte a todos en insectos, que luchan por la supervivencia” escribe el joven médico militar António en una de sus cartas a su mujer embarazada en Portugal, durante la guerra colonial en Angola, en enero de 1971. Son palabras de dolor y sinceridad, que contienen a su vez una profunda melancolía para con su querida y su bebe que está a punto de nacer. En sus constantes cartas, leídas por su mujer, António realiza un boceto del día a día en territorio desconocido: el progresivo descubrimiento de la fascinante naturaleza, los encuentros con los nativos, el cuidado de una niña huérfana, y nos hace cómplices de sus sentimientos y pensamientos. Pero inevitablemente, también haz momentos en los que la guerra muestra su verdadera cara. Cartas da guerra resulta en cualquier caso una película muy interesante, en el que se recogen algunas de las cartas auténticas de António Lobo Antunes, combinando realidad e imaginación por parte de Ivo M. Ferreira. Con una hipnótica fotografía en blanco y negro, el director portugués nos regala un poético ensayo, en el...

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Michael Ballhaus: Oso honorífico a un gran director de fotografía
Feb13

Michael Ballhaus: Oso honorífico a un gran director de fotografía

Si el año pasado le tocó a Wim Wenders, en esta 66ª edición de la Berlinale el galardonado con el Oso Honorífico es Michael Ballhaus, por su magistral carrera profesional como director de fotografía. Michael Ballhaus es considerado uno de los grandes directores de fotografía de la historia del cine. Y como es habitual, la entrega del Oso viene acompañada de un ciclo Homenaje a él, proyectando durante el festival una selección de diez películas en las que trabajó. Suele ocurrir que nos solemos fijar en el Director de la película, pero no en el resto del equipo que hay detrás de cada película, por lo que a algunos quizá no les debe sonar el nombre de Michael Ballhaus; pero a continuación haré un pequeño reportaje sobre él mediante el cual estoy seguro que bastantes descubriréis que en verdad habéis visto muchas de las películas en las cuales trabajó a cargo de la fotografía. Primera pista con la imagen que sigue. Michael Ballhaus nació en Berlin en 1935, hijo de actores, recibió influencia cinéfila ya desde pequeño, incluso por parte de Max Ophüls que era amigo de la familia. A principios de los años 60 empezó a trabajar en la televisión alemana, y a finales de esa década inició una colaboración con el prestigioso director alemán Rainer Werner Fassbender, que le llevó a ser su director de fotografía fijo e inamovible durante muchos años, colaborando con él en 15 de sus películas. Gracias a dicha colaboración, su gran talento llegó fuera de las fronteras alemanas, y tuvo las puertas abiertas en Hollywood, donde llegó a ser uno de los directores de fotografía más codiciados por directores de gran renombre, tales como Peter Lilienthal, Wolfgang Petersen, Volker Schlöndorff, John Sayles, Robert Redford, Paul Newman, Mike Nichols, Francis Ford Coppola, etc. Pero su relación más fructífera por Hollywood fue seguramente la que tuvo con Martin Scorsese, con quién colaboró por primera vez en 1985 en After Hours (¡Jo, qué noche!). Seguidamente, terminaron haciendo otras seis notables películas juntos: El color del dinero (1986) La última tentación de Cristo (1988) Uno de los nuestros (1990) La edad de la inocencia (1993) Gangs of New York (2002) Infiltrados (2006) A pesar de su sólida y admirable carrera, tan solo fue nominado al Oscar en tres ocasiones, para las películas siguientes: Al filo de la noticia, de James L. Brooks (1987) Los fabulosos Baker Boys, de Steve Kloves (1989) Gangs of New York, de Martin Scorsese (2002) No obstante, tiene el orgullo de haber sido el primer director de fotografía alemán galardonado de forma honorífica en 2007 por el American Society of Cinematographers. Con alrededor de 130 películas de televisión y cine rodadas, en 2014 anunció públicamente su...

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Eisenstein en Guanajuato: by Peter Greenaway
Feb22

Eisenstein en Guanajuato: by Peter Greenaway

El director galés, Peter Greenaway, presentó en la Berlinale su nueva película: Eisenstein in Guanajuato, mediante la cual ha llevado a la gran pantalla un episodio de la vida del prestigioso director ruso del cine mudo, Sergei Eisenstein. En concreto, se centra en el periodo en el que el mítico realizador soviético se fue a México para rodar, entre otros films, “¡Que viva México!”, en el año 1930. Lo que le llevó a ello fue su fascinación por el Día de los Muertos y los ritos religiosos de la cultura popular mexicana. No obstante, a pesar de que su estancia en las tierras aztecas se alargó más de un año, la cinta quedó inconclusa. Peter Greenaway es un director de lo más peculiar, único en su especie y estilo cinematográfico. A decir verdad, es un director de extremos: o bien es muy odiado, o bien despierta pasiones, y considero adecuado por ello advertir al lector, que el que escribe este artículo se encuentra en el segundo grupo. El director galés tuvo una formación en artes plásticas, concretamente en pintura, y dicha influencia queda reflejada en todas sus películas (destacar por ejemplo El contrato del dibujante, 1982), por sus composiciones visuales y temáticas, llegando a su punto culminante en dicho aspecto seguramente en Nightwatching, 2007, película en la que llega a reproducir a la perfección con actores el famoso cuadro de Rembrandt, “Ronda de noche”. Muy influenciado además por el barroco, Greenaway es un artista multidisciplinar, con gran interés además por la simetría y la arquitectura (El vientre del arquitecto, 1987), la música o el teatro. Es un director además muy culto, y carga (o mejor dicho sobrecarga) normalmente sus películas con referencias culturales, en ocasiones de difícil comprensión. En la década de los 80 produjo sus mejores películas, siempre acompañado del genial director de fotografía Sacha Vierny, y además de los títulos mencionados, destaca sobre todo A Zed and Two Noughts (Z00), 1985, en los que combina elementos tan dispares como simetría, iluminación, arte, estilo barroco, hermanos siameses, evolución, putrefacción, con toques bizarros, y brindándole a su vez un homenaje al pintor Johannes Vermeer van Delft, recreando también aquí alguno de sus cuadros. Su película más provocadora y problemática es seguramente la barroca The Cook, the Thief, His Wife and Her Lover, (1989), un film que busca ser transgresor con el espectador, que deja realmente una mala sensación en el cuerpo durante y tras su visionado, y que requiere de una lenta digestión posterior. No obstante, tras dicha digestión, te das cuenta de que has visto algo muy especial y que te ha marcado de algún modo, sobre todo con un par de escenas inolvidables. Todo ello acompañado de la...

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“Knight of Cups”: poesía ‘made in Malick’
Feb20

“Knight of Cups”: poesía ‘made in Malick’

El peculiar cineasta Terrence Malick, con una filmografía más bien reducida, fruto entre otras cosas de su desaparición durante 20 años tras su segunda película, Days of Heaven, sorprendió tras el estreno de la sensacional e inigualable The Tree of Life hace un par de años, anunciando sus 4 próximos proyectos nuevos inminentes. Uno de ellos lo ha presentado en la Berlinale 2015: Knight of Cups, protagonizado por Christian Bale, y con las apariciones de Natalie Portman, Cate Blanchett y Antonio Banderas, entre otros. El director estadounidense trata en la mayoría de sus films temas de gran complejidad y profundidad, repletos de simbolismos, en ocasiones de difícil comprensión para el espectador. Los tres pilares sobre los cuales versan principalmente los temas de sus películas son: la vida, el amor y la muerte. Su obra se centra además normalmente en la descripción de la belleza de la naturaleza, en oposición a la ambición y crueldad del ser humano. Otro elemento presente en sus obras es la influencia del filósofo Heidegger, del cual preparó en su época estudiantil una tesis que no llegó a ver la luz. Knight of Cups contiene dichos pilares antemencionados, y se centra precisamente en la búsqueda del amor verdadero. Christian Bale se mete en la piel de Rick, un hombre adicto al éxito, pero a su vez desesperanzado por el vacío que le rodea, esclavo del sistema de Hollywood; aunque él mismo se aburre fácilmente y necesita estímulos externos.“Había una vez un joven príncipe cuyo padre, el rey de Oriente, lo envía a Egipto para encontrar una perla. Pero cuando llega, el pueblo le sirve una taza. Al beberla, se olvida de que era el hijo de un rey, se olvida de la perla y cae en un profundo sueño.”  El monólogo interior del protagonista en voz en off es el encargado de acompañarnos junto a las maravillosas imágenes constantes. Rick busca vivir un gran amor, intenso y verdadero, que le provoque aquellos sentimientos que solo el amor sincero puede llegar a despertar. Dicha búsqueda involucra a distintas mujeres, que representan distintos principios de la vida, tales como la realidad, la belleza o la sensualidad. El título de la película viene dado precisamente por la carta del Tarot, knight of cups (caballero de copas). El significado de la carta es el siguiente: “El caballo de copas representa la promesa sutil de un amor mejor. En las lecturas puede interpretarse para una mujer como la llegada de un amante más joven como pareja, mientras que para un hombre indica que debe tomar algún tiempo para trabajar sobre los sentimientos amorosos y sobre la capacidad de recibir y aceptar amor.” A través de distintos episodios, Malick nos conduce de forma misteriosa y...

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Ian McKellen da vida a “Mr. Holmes”
Feb16

Ian McKellen da vida a “Mr. Holmes”

Durante esta Berlinale tuvo lugar el estreno mundial de la película Mr. Holmes, dirigida por Bill Condon, aunque dicho estreno fue fuera de competición. El film tuvo en sus proyecciones una gran acogida, llena de elogios hacia el actor principal. Un magistral Ian McKellen, en una de sus mejores interpretaciones, da vida a un Sherlock Holmes de 93 años, ya retirado, que vive en su casa de campo alejado de todo, dónde su principal ocupación es cuidar de sus queridas abejas y sus colmenas. Su mayor problema es la senilidad, contra la cual intenta combatir con todas sus ansias, pues pretende poder escribir antes de morir sobre el que fue su último caso como detective, cuyo resultado fue el responsable de llevarle a retirarse. La película trata de este modo, mediante la popular figura de Sherlock Holmes, el tema de la vejez y la senilidad en una mente tan brillante como la de dicho detective creado por Arthur Conan Doyle. A través de distintos recursos narrativos, nos muestran la vida actual del detective retirado, mientras el susodicho intenta resolver a su vez en su memoria el último caso que investigó, en su combate contra la senilidad. Destacar en cualquier caso el acompañamiento musical del compositor habitual de los hermanos Coen, Carter Burwell, así como los toques de humor británico tan especiales, que regalan unas cuantas risas. La fotografía también es buena, con una mención especial a la gran selección de paisajes de los preciosos acantilados en las costas de Reino Unido. Y su punto fuerte es en cualquier caso el original guión, reviviendo la figura del detective mítico en su etapa final. En definitiva, Mr. Holmes es una película que puede sorprender...

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“Taxi” de Jafar Panahi, Oso de Oro 2015
Feb15

“Taxi” de Jafar Panahi, Oso de Oro 2015

El Jurado de la Berlinale 2015, formado por Daniel Brühl, Bong Joon-ho, Martha de Laurentiis, Claudia Llosa, Audrey Tautou, Matthew Weiner, y presidido por Darren Aronofsky, ha concedido el Oso de Oro a “Taxi“, la película del director iraní, Jafar Panahi. La situación de Jafar Panahi es algo complicada, dado que tiene prohibido hacer cine en Irán, así como abandonar el país desde el año 2009. En el 2010, pasó 88 días en prisión, hasta que fue liberado debido a la presión internacional. No obstante, dicho año, un tribunal le condenó a 20 años de inhabilitación para hacer cine, junto a la prohibición de salir de Irán. Y a pesar de todo, el director iraní se las ha ingeniado de nuevo para rodar una película-documental, escondiendo una cámara en el salpicadero de su coche, y haciendo él mismo de taxista. De este modo, recorriendo las calles de Teherán, fue recogiendo a pasajeros muy diversos que expresaban abiertamente su opinión mientras eran entrevistados por él. Con Taxi ha logrado de esta forma, capturar el verdadero espíritu de la sociedad iraní, a través de conversaciones que revelan probablemente más sobre Irán que cualquier otra película realizada. Debido a la prohibición de abandonar su país antemencionada, ha acudido a recoger el Oso de Oro su sobrina, Hanna Saeidi, actriz a su vez en el film. Prosiguiendo con la entrega de premios, el Gran Premio del Jurado ha sido otorgado a la película chilena El Club, del director Pablo Larraín, que se ha llevado por ello el Oso de Plata. El Club ha sido junto a Taxi una de las películas mejor acogidas durante el festival, y es bastante probable que opte a bastantes más premios en otros festivales, así como a una posible nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa el año que viene. Destacar finalmente, que el premio Berlinale Kamera ha sido concedido a Marcel Ophüls, director de documentales muy importantes y prestigiosos, hijo a su vez del conocido director Max Ophüls.  El palmarés completo de la Berlinale 2015 ha quedado de la siguiente forma: Oso de Oro: ‘Taxi‘, de Jafar Panahi. Gran Premio del Jurado: Pablo Larraín, por ‘El club‘ Premio Alfred Bauer: ‘Ixcanul‘, de Jayro Bustamante. Mejor dirección ex aequo: Radu Jude por ‘Aferim‘ y para Malgorzata Szumowska por ‘Body‘. Mejor actriz: Charlotte Rampling, por ‘45 years‘. Mejor actor: Tom Courtenay, por ‘45 years‘. Mejor guion: Patricio Guzmán, por ‘El botón de nácar‘. Mejor contribución artística ex aequo: Sturla Brandth Grovlen, por la fotografía de ‘Victoria‘, y a Evgeniy Privin y Sergey Mikhalchuk, por la fotografía de ‘Pod electricheskimi oblakami‘. Premio FIPRESCI: ‘Taxi‘, de Jafar Panahi. Premio Ecuménico: ‘El botón de nácar‘, de Patricio Guzmán. Premio Mejor ópera prima: ‘600 millas‘, de...

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Oso honorífico a Wim Wenders en la Berlinale 2015
Feb13

Oso honorífico a Wim Wenders en la Berlinale 2015

Si en el pasado festival le fue concedido el honor a Ken Loach, la Berlinale 2015 ha rendido este año un gran homenaje a Wim Wenders, concendiéndole el Oso Honorífico por su carrera cinematográfica y su gran aportación al cine. El Homenaje, realizado en el Berliner Palast el 12 de febrero, fue presidido por su amigo y director de cine, Walter Salles (“Central Station“), y contó con la presencia de muchas personas célebres en el mundo del cine y de la música (como por ejemplo los miembros del grupo musical Die Toten Hosen, por nombrar a alguien), así como gran parte de los miembros que han formado parte de su equipo cinematográfico durante su carrera. En palabras del Director de la Berlinale, Dieter Kosslick: “Al dedicar el Homenaje a Wim Wenders, honramos a uno de los más notables autores contemporáneos. Sus polifacéticos trabajos de distintos géneros, tanto como cineasta, fotógrafo y autor, han formado nuestra memoria viva del cine, y continúa inspirando a otros cineastas”. Wim Wenders subió finalmente al escenario a recoger su Oso, acompañado de una ovación y unos aplausos que duraron bastantes minutos. Ofreció acto seguido un bonito discurso en el cual diferenció el “tiempo de vida”, con el “tiempo cinematográfico”: si bien nuestras vidas están limitadas, el tiempo cinematográfico puede volverse eterno, pues las películas hechas con verdadero amor y gran dedicación suelen perdurar en el tiempo. La gala terminó finalmente con la proyección de una de sus grandes películas: Der Amerikanische Freund, en una copia restaurada de gran calidad; una forma perfecta de terminar la noche. Wim Wenders debe estar viviendo un momento extraordinario. Hace unas semanas supo de la nominación al Oscar de su último documental, La sal de la Tierra, en la que es su tercera nominación. Ha hecho el estreno mundial además en la Berlinale de su nueva película en 3D, Everything will be fine, la cual, no obstante, se tuvo que quedar fuera de competición, al recibir ya el Oso Honorífico. Y debido a ello, le han dedicado además un ciclo especial en la Berlinale, proyectando muchas de sus películas por distintos cines de Berlin. En concreto, se han proyectado éstas: Die Angst des Tormanns beim Elfmeter (1972); El miedo del portero ante el penalti Alice in den Städten (1974); Alicia en las ciudades Im Lauf der Zeit (1976); En el curso del tiempo Der Amerikanische Freund (1977); El amigo americano Paris, Texas (1984) Tokyo-Ga (1985) Der Himmel über Berlin (1987); El cielo sobre Berlin Bis am Ende der Welt (1991/1994); Hasta el fin del mundo The Million Dollar Hotel (2000); Pina (2011) En definitiva, a sus casi 70 años, le han brindado a Wim Wenders un Homenaje totalmente merecido....

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Joshua Oppenheimer presenta “The look of silence” en Berlín
Feb12

Joshua Oppenheimer presenta “The look of silence” en Berlín

Tras presentar el documental The look of silence en el festival de Venecia, donde se llevó el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI, Joshua Oppenheimer ha procedido a presentar dicho documental en el festival de cine de Berlin, en la sección de Berlinale Special Gala. Asistió acompañado de su amigo y a su vez el productor, Werner Herzog, y, tras la proyección del documental, concedieron conjuntamente una muy interesante conversación acompañada de una posterior ronda de preguntas con el público, a las cuales Joshua respondió con mucha soltura y elegancia, profundizando mucho en las respuestas. Dos años más tarde de estrenar el documental The act of killing, que tuvo una gran acogida mundial y fue incluso nominado al Oscar a mejor documental, Joshua Oppenheimer trae el complemento perfecto mediante The look of silence, con el cual nos vuelve a transportar a los desgarradores sucesos que se perpetraron en Indonesia en 1965, donde se exterminó a cerca de un millón de personas, por el simple motivo de ser presuntamente comunistas. Uno de los exterminios más grandes en los tiempos recientes, y a pesar de ello, de los más desconocidos a su vez. Se trata de la réplica perfecta: las mismas formas, el mismo estilo poético y un parecido estilo narrativo que logra removerte la conciencia y provocarte un huracán de emociones muy dispares. Tal y como explicó Joshua en la charla posterior a la proyección, este segundo film fue mucho más peligroso de rodar que su precursor, donde sus vidas peligraban de verdad si no se andaban con cuidado. De hecho, ambos documentales se empezaron a rodar a principios del año 2000, y The act of killing ya estaba terminado desde hacía tiempo, pero su estreno habría supuesto un peligro e impedimento para terminar de pulir este segundo documental. Y antes de estrenar The look of silence, se aseguró primero de que la familia protagonista se mudase a otro lugar donde estuviese a salvo, pues por desgracia, los que perpetraron las masacres en el 1965 siguen en el poder, o siendo vecinos de los familiares de las víctimas. En esta ocasión, Joshua nos introduce en el seno de una familia adorable, que fue víctima de los desoladores acontecimientos de 1965, donde perdieron a un hijo, al cual asesinaron de una forma brutal y sin escrúpulos. Ver a los asesinos relatar dichos acontecimientos entre bromas y risitas en el lugar de los hechos muchos años más tarde, es extremadamente escalofriante. Así las cosas, uno de los hermanos procede a intentar revivir los acontecimientos, 40 años más tarde, y acude para ello al encuentro de todos los que tuvieron alguna relación con la muerte de su hermano, para descubrir y analizar...

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La película de Isabel Coixet inaugura la 65º Berlinale
Feb06

La película de Isabel Coixet inaugura la 65º Berlinale

Si el año pasado le correspondió a Wes Anderson con su film The Grand Budapest Hotel, este año le ha sido concedido el honor de inaugurar la 65º Berlinale a Isabel Coixet, que compite por el Oso de Oro con dicha película: Nadie quiere la noche. La directora catalana concedió en una entrevista las siguientes frases sobre su propia película: “Del rodaje de Nadie quiere la noche recuerdo frío. Recuerdo niebla. Recuerdo momentos de angustia cuando las dificultades crecían y el tiempo empeoraba y los perros de los trineos no obedecían ni a sus amos ni a nadie. Recuerdo momentos en que me preguntaba -después de catorce horas a la intemperie en medio de una ventisca gélida y a 8 grados bajo cero- por qué una tarde de hace más de cuatro años, cuando Andrés Santana me envió el guión de Miguel Barros, me tiré de cabeza, absolutamente entusiasmada y sin pensar las enormes dificultades técnicas y logísticas que una aventura de estas características requiere. Lo cierto es que las pensé pero la belleza del guión, su absoluta originalidad, su decidida apuesta a contracorriente de casi todo hicieron que abrazara el proyecto con una pasión y entrega totales. Flash-forward un año después, al recibir la llamada de Berlín invitándonos al Festival. Un Festival que ha supuesto todo para mí, que me ha hecho ser quien soy como cineasta. Y cuando la invitación se hizo para que Nadie quiere la noche fuera la película de inauguración, una oleada de emoción, nervios, miedo y alegría, todo mezclado. Y la sensación de que el frío, el cansancio y los miles de problemas de esta increíble aventura han merecido la pena.” Con su nueva película, Isabel Coixet se adentra en la historia de la exploradora polar Josephine Peary (interpretada por Juliette Binoche), obsesionada con ir a buscar a su marido, Robert Peary, un explorador que pretende ser el primero en alcanzar el polo norte, y está a punto de lograrlo. En dicha contienda, Josephine se encuentra con la inuit Allaka (interpretada por Rinko Kikuchi), con la cual compartirá situaciones muy dificiles. Se trata de una película que logra transmitirte el frío polar, aunque quizás ayuda también a ello que el preestreno mundial haya sido en una ciudad cubierta de nieve. Se trata de una coproducción hispano-francesa-búlgara. La historia nos sitúa en la Groenlandia de 1908, rodeados de nieve, y con el invierno acercándose. Los principales protagonistas son el frío y el color blanco, que lo envuelven todo. Se trata de una historia épica y de supervivencia. Mientras su marido anda en algún lugar perdido intentando alcanzar el polo norte, Josephine organiza un viaje descabellado para ir a alcanzarle. Desde esta premisa...

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