64 Festival de San Sebastián: Top 10
Oct25

64 Festival de San Sebastián: Top 10

La 64ª edición del Festival de San Sebastián volvió a tener un magnífico repertorio de películas en la sección de Perlas -a pesar de echar de menos algún título como Paterson– así como en la sección de Zabaltegui. La Sección Oficial por su parte volvió a ser bastante irregular a mi gusto, y destacó en ella principalmente la curiosa nueva propuesta de Bertrand Bonello, Nocturama, que sin embargo fue también ‘censurada’ en el palmarés. Finalizado el Festival, toca como de costumbre hacer el Top 10. La mayoría de ellas estarán en las salas del cine próximamente, por si queréis tomar nota:       1. Toni Erdmann Exquisita comedia dramática de Maren Ade. No ha sido solamente la gran sorpresa del Festival, sino también una de las mejores películas del año a mi parecer. Una película alemana que ha sabido distanciarse del típico humor usual de su país, y con una genuina inteligencia ha logrado teñir con un fabuloso humor escenas hilarantes que tratan temas profundos. Sus 164 minutos de metraje no resultan en ningún caso pesados, sino más bien todo lo contrario: uno se lo pasa tan bien que ni se entera de que han pasado prácticamente tres horas al finalizar el film. Absolutamente magnífica y deliciosa, repleta de escenas inolvidables (con probablemente una de las escenas más originales y disparatadas de desnudos), y un personaje entrañable. Película imprescindible del año, de la que no quiero desvelar nada más.      2. Sieranevada Otra de las grandes sorpresas del Festival, que ya creó expectativas con las impresiones recibidas desde Cannes. La película sucede en este contexto: Tres días después del atentado contra Charlie Hebdo y cuarenta días después de la muerte de su padre, Lary – 40 años, médico – va a pasar el sábado con su familia, reunida en memoria del difunto. El evento, sin embargo, no se desarrolla como estaba previsto. Obligado a afrontar sus miedos y su pasado y forzado a reconsiderar el lugar que ocupa dentro de la familia, Lary tendrá que decir su verdad. El film está repleto de maravillosos diálogos, que cuestionan y debaten distintos temas tanto de actualidad como de memoria histórica. Y ello sin que falte el humor. Prácticamente toda la acción sucede en la casa familiar donde se van sucediendo una serie de acontecimientos que van retrasando la ansiada comida. Maravillosamente filmada, aprovechando los espacios donde colocar la cámara al límite con tomas largas, con un estilo propio, toda una lección de realización cinematográfica. Un film que hay que degustar.      3. Arrival (La llegada) Dennis Villeneuve no necesita carta de presentación. Desde que hiciera Incendies en el 2010 no ha dejado de sorprender proyecto tras...

Read More
La fiesta de las salchichas: una gamberra alegoría contra la religión
Oct10

La fiesta de las salchichas: una gamberra alegoría contra la religión

La fiesta de las salchichas es probablemente la película más políticamente incorrecta que se pudo ver en el marco de películas de la 64 edición del Festival de San Sebastián, y de las que se hallan actualmente en cartelera. Un film salvaje, irreverente, y con altas dosis de humor. La fiesta de las salchichas es el primer film de animación para adultos creado totalmente por ordenador. Y destaco el para adultos. Su alto contenido de referencias sexuales, las constantes irreverencias, el lenguaje soez, el contenido gore y violento, etc, son el vehículo y las herramientas principales que utilizan los guionistas para crear la que es probablemente una de las críticas más feroces y mordaces que se han hecho últimamente de la religión (en plural, pues hay dardos para todas). Porque la película es principalmente esto, una alegoría gamberra y original contra la existencia de Dios, y no se han andado con medias tintas, lo que es de agradecer. A modo de sinopsis: Salchichas, bollos, panecillos, pan de pita… Todos los alimentos viven felices en los estantes de un supermercado, soñando con el instante en que serán elegidos. Pero cuando, por fin, a un pequeño grupo le llega tan esperado momento, descubrirán que su destino no es la Tierra Prometida, sino una situación mucho más cruel de lo que habían imaginado: se los quieren comer. Deciden entonces informar a sus compañeros sobre cuál es la finalidad de su existencia para intentar escapar a un destino tan terrible. Los diálogos alocados y divertidos, así como los gags no escasean, con distintos registros de humor que regalarán unas buenas carcajadas en algún momento dado a prácticamente todo el público. Muchas veces a base de cruzar lo políticamente correcto sin remordimiento alguno. Pero ello hecho con inteligencia, buscando metáforas originales, teniendo más profundidad de la que uno podría esperarse de un producto de estas características a simple vista, sustentándose a su vez en una base existencialista. Pero sacando a relucir también sus partes negativas, cabe afirmar que bien es cierto que en su conjunto el film es bastante irregular, no sabiendo mantener el ritmo y sufriendo bastantes bajones considerables que no logran sustentar unos gags aislados. A pesar de todo, resulta una película interesante y recomendable de ver. Sobre todo (como todas), en versión original, dado el gran reparto de actores que han participado en el doblaje: Seth Rogen, Kristen Wiig, Jonah Hill, Bill Hader, Michael Cera, James Franco, Danny McBride, Craig Robinson, Paul Rudd, Nick Kroll, David Krumholt, Edward Norton y Salma Hayek. *** 6,5 / 10 *** Aquí el...

Read More
My life as a Courgette: diseccionando una infancia complicada con plastilina
Oct01

My life as a Courgette: diseccionando una infancia complicada con plastilina

Una de las primeras grandes sorpresas en esta edición del Donosti Zinemaldia llegó en la sección de Perlas, mediante la tierna película de stop-motion My life as a Courgette. Se trata de la ópera prima del realizador suizo Claude Barras, autor de bastantes cortometrajes de animación como por ejemplo El genio de la lata de raviolis.  Con su primer largometraje, Claude Barras ha logrado ganar numerosos premios en distintos festivales, tales como el de Mejor Película y Premio del Público en el Festival de Annecy, así como ser seleccionado su film como la película suiza candidata a los Oscars para el premio a la mejor película de lengua extranjera. En el Festival de San Sebastián, encabezaba la carrera por alzarse con el Premio del Público, hasta verse superada finalmente por I, Daniel Blake. No obstante, si se alzó con el Premio a la mejor Película Europea. A modo de breve sinopsis, Courgette (que significa “calabacín”) es el enigmático apodo de un valiente niño de 9 años, que después de perder a su madre se tiene que ir a un hogar de acogida con otros niños huérfanos de su edad. En un primer momento se esfuerza por encontrar su lugar en este nuevo medio hostil y extraño, con el apoyo del que resulta ser su mejor amigo en el exterior, un amable agente de policía que estuvo a cargo de su caso. Sin embargo, con el tiempo va entablando amistad con el resto de niños -cada uno con su propia historia traumática-, y con la ayuda de sus nuevos amigos, Courgette aprende a confiar, encuentra el verdadero amor y por fin una nueva familia. My life as a Courgette es una pequeña joya, un verdadero triunfo del stop-motion. Con una duración de tan solo 66 minutos, se trata de un film delicioso, emocionante y redondo. Y es que la singular conexión de Claude Barras con la infancia trasciende el tiempo y las diferencias de edad: tiene el raro don de ser capaz de hacer llorar y reír al mismo tiempo. Sus historias están llenas de realismo y fantasía, humor y poesía. Distanciándose del habitual paradigma con el que se trata a los lugares de acogida como lugares de maltrato y malestar general, como bien puede ser el clásico ejemplo de Oliver Twist, Claude Barras ha preferido optar por constituir un lugar de paz y tolerancia, propicio a intentar solucionar los problemas y traumas sufridos por cada uno de los niños. De este modo, realiza un acercamiento positivo a dichos problemas y heridas del pasado, pero sin llegar a resultar en ningún momento sensiblero o empalagoso. Las heridas profundas de los niños están presentes, mediante miradas, gestos, y silencios,...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Días 7 y 8
Sep26

64 Festival de San Sebastián – Días 7 y 8

Los dos últimos días del festival depararon unas cuantas sorpresas, con obras muy esperadas como ‘Arrival’, el decepcionante ‘Rage’ de Lee Sang-Il o la nueva cinta animada de Makoto Shinkai. Una de esas sorpresas fue ‘Florence Foster Jenkins‘. No estoy diciendo que sea una buena película pero tenía unas expectativas tan bajas ante esta película que me esperaba una comedia genérica y sin gracia más, y quizá, por esas expectativas, me sorprendió; es una película sencilla, que no tiene nada que ofrecer aparte de un gag utilizado como macguffin que a partir del primer cuarto de película ya se siente estirado. Pero por fortuna, Frears no frivoliza las situaciones en las que se ven envueltos los protagonistas más de lo adecuado, y esto junto a una puesta en escena concorde con el tono de la película y unas buenas actuaciones de sus intérpretes consigue que Florence Foster Jenkins no sea otro producto hollywoodiense destinado al absoluto fracaso desde su concepción. No obstante, es inevitable pensar que Frears y el guionista Nicholas Martin desaprovechan una historia que perfectamente podría haber dado más de sí; solo al final vemos algo de lo que podría haber sido, una obra sobre el delirio megalómano de una mujer obsesionada con su sueño. Por desgracia, la película parece más una recopilación de sketches de momentos comprometidos y bochornosos tan típicos de la comedia clásica de Hollywood, y es imposible negar su evidente simpleza y la irrelevancia de sus subtramas. Aun así, no se puede decir que sea un producto fallido porque ya desde la forma elegida para ser llevada a la pantalla es una obra que apenas tiene algo interesante que aportar. Luego pudimos ver ‘Fuocoammare‘, el documental de Gianfranco Rosi ganador del Oso de Oro en Berlín en esta pasada edición. Delicado, hermoso y poético, Rosi muestra su capacidad de mezclar realidad y ficción de forma resuelta y su gran sensibilidad ante problemas universales. Podéis leer la crítica de nuestro compañero Rubén aquí. Ante una obra de animación, y más si es nipona, hay que acercarse con cierto cuidado e intentando comprender su contexto artístico y cultural lo mejor posible. Con ‘Your Name’, la nueva obra del director japonés Makoto Shinkai, no hacerlo puede llevar a que la película produzca un bochorno que acabe resultando en risas no pretendidas. El uso de la música en momentos emotivos, la dramatización exagerada y los momentos cómicos de esa jocosidad propia del anime pueden resultar chocantes si esta es una primera incursión al terreno del anime o a las obras de Makoto Shinkai en general. En mi opinión, y habiendo visto bastantes películas y cortos de Shinkai, este tono tan ridículo...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 6
Sep22

64 Festival de San Sebastián – Día 6

La que sea posiblemente la película más larga que vea durante el festival puede que acabe siendo mi película favorita de esta edición a falta de dos jornadas. ‘Sieranevada’ de 173 minutos, es la última obra del autor rumano Cristi Puiu. Lary se reúne con su familia en una comida familiar en memoria de su difunto padre, y esta reunión será desencadenante de cientos de conversaciones de cientos de temas diferentes; de disputas familiares y de reflexiones llenas de vida y humanidad. Rodada en larguísimos planos y una cámara que sigue a los personajes que hablan, es impensable que esta película sea solo producto de un guion escrito; que nada nazca de la pura improvisación y naturalidad que los actores ofrecen a la perfección. La presentación y construcción de los personajes es magistral, y rápidamente se conecta con este microcosmos familiar lleno de mentiras y disputas. Al final, todos los actores ofrecen un trozo de vida, la conexión emocional con los personajes es brutal y, aunque hay momentos que el relato pierde fuerza -sobre todo en su tercera parte, en la que resulta no avanzar más hasta que finalmente vuelve a encontrar su rumbo- son 3 intensas horas de comedia y drama; de vida y muerte. Oliver Stone, uno de los principales directores de dramas políticos en Estados Unidos, presentaba su último trabajo sobre el archiconocido filtrador de documentos de la NSA Edward Snowden. ‘Snowden‘ es otra más dentro de sus pésimos últimos trabajos, mostrando que parece imposible que vuelva a encontrar la calidad de sus películas en la década de los 80. Bien documentada y con un guion correcto, el principal problema de la película es la dirección. Con unas decisiones incomprensibles en cuanto a la puesta en escena y el montaje, la película acaba convirtiéndose en una comedia no pretendida. Por si fuera poco las actuaciones principales dejan bastante que desear, con el Joseph Gordon-Levitt menos inspirado que recuerdo. Después del excelente documental ‘Citizenfour’ de Laura Poitras, que narra con precisión documental los momentos decisivos de las filtraciones, uno se puede llegar a preguntar si esta película es realmente necesaria ya que lo único que Snowden añade a este documental es una trama romántica insufrible, planos injustificados sin ningún tipo de propósito narrativo o un uso de la música que busca reforzar emociones de una forma tan típica como estúpida. Aunque por suerte la película mantiene un ritmo entretenido durante todo el metraje, eso no basta del todo. Quizá Oliver Stone debería a empezar a pensar en el retiro. Por último hemos visto la ganadora de la Palma de Oro en su última edición: ‘I, Daniel Blake‘ del británico Ken...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 5
Sep21

64 Festival de San Sebastián – Día 5

Nacho Vigalondo ha vuelto a la dirección con su nuevo título ‘Colossal‘, comedia dramática con kaijus y mechas de por medio. Sigue los mismos tópicos y la constante autoconsciencia de la que el director hace uso en la narración en todas sus películas -como, por ejemplo, en ‘Extraterrestre’-, con resultados divertidos en la primera mitad de la película pero que acaban siendo agotadores y ridículos en la segunda mitad. Realmente, Vigalondo tiene poco que contar en su película más que una anécdota utilizada para salir al paso de una comedia romántica al uso y una fallida representación del empoderamiento de la mujer, con una protagonista principal que se supone independiente, pero acaba tomando todas sus decisiones a partir de la repercusión que podrán tener para los protagonistas masculinos. Además, las actuaciones no son destacables, la puesta en escena no es atractiva en ningún momento y resulta torpe. Algunas escenas llegan a ser vergonzosas y la trama se ve forzada a avanzar sin mucho éxito, con un clímax débil y patoso. Vigalondo sigue siendo fresco y divertido, pero es inevitable pensar que esta fórmula no le va a funcionar para siempre, y que la mecha se le va apagando.   Si la nueva obra de Vigalondo no había sido satisfactoria, la ópera prima de Miles Joris-Peyrafitte resultó ser el desastre de la jornada. ‘As You Are‘ es un drama independiente sobre la adolescencia que narra con nada de fortuna la relación entre un grupo de amigos hasta llegar al punto en el que un fatal acontecimiento sucede. Como se llega a este punto es un absoluto calvario, con un uso de la música atroz, unas actuaciones lamentables, un montaje confuso y sin sentido, un guión horroroso, con máximas machistas y una reflexión sobre la homosexualidad banal. Es una película extremadamente superficial, de la que es difícil rescatar algo que no sean las buenas intenciones del director en cuanto al estilo visual, aunque este acabe resultando un desastre por tomarse demasiado en serio sin notar que el material con el que trabaja es lamentable y las capacidades del director son nulas. Fácilmente la peor película de la sección oficial del festival, y posiblemente del año.     Por suerte, la sorpresa del día vino con ‘Luces de verano‘, la primera obra de ficción del antes documentalista Jean-Gabriel Périot. El director francés se traslada a Japón para narrar una obra que sirve como testimonio tardío de un pueblo ante un acontecimiento atroz que cambió el rumbo de la historia -el bombardeo de Hiroshima-, pero también como testimonio de una reconciliación cultural y una recuperación de la memoria histórica perdida. La obra puede resultar en cierto modo autobiográfica ya que,...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Días 3 y 4
Sep20

64 Festival de San Sebastián – Días 3 y 4

Estos dos días de festival nos han dejado una buena tercera jornada con una de las obras que más han dividido al público del festival y un cuarto con varias interesantes propuestas. Esta primera y controvertida película es ‘Nocturama‘, la nueva obra de Bertrand Bonello, uno de los directores franceses más prometedores del momento. Es una obra pretendidamente superficial y frívola, y esta frivolidad en un tema como la de los atentados terroristas en un país como Francia puede escocer a algunos. En mi caso, no me entusiasmó esta película, pero tampoco la odié ni su punto de vista banal me pareció ofensivo. Mis razones para quedarme indiferente son sobre todo por razones estilísticas del autor, ya que a pesar de que su anterior ‘Casa de tolerancia’ me gustara, en esta película no noto que su estilo case con sus intenciones, creando una primera mitad interesante en su forma pero a la que le cuesta avanzar, y una segunda mitad que llega a alcanzar el ridículo total. Como ya he dicho antes, frivolizar sobre un tema tan duro para crear un drama sobre adolescentes no me parece un problema. En todo caso, su puesta en escena y sus cambios de tono son lo que me termina resultando molesto.   Más tarde asistimos al debut de Johannes Nyholm en el largometraje con ‘The Giant‘, un drama centrado en la discapacidad con un punto de partida rocambolesco: un hombre deforme que vive en una institución para discapacitados necesitado de una figura materna y que juega un campeonate internacional de petanca. Todo esto mientras hay confusas apariciones de un gigante de 60 metros. Esta idea podría haber dado para situaciones interesantes en cuanto a la ridiculización de estigmas sociales frente al deporte y la discapacidad. En cambio, no deja de ser un drama sensiblero que apela tristemente a la compasión del espectador para crear empatía. Nyholm, que usa un estilo visual presumiblemente feo, desaprovecha las cualidades que ya mostró tener en sus anteriores cortometrajes, y no consigue darle una identidad reconocible a su ópera prima.   Tras esta vimos ‘On the Milky Road‘, la nueva obra del excéntrico director serbio Emir Kusturica. Con uno de los comienzos más divertidos e interesantes de este año, la película acaba en balde en cuanto encuentra un rumbo fijo que seguir. Los primeros 30 minutos de metraje son pura libertad creativa y extravagancia, con un Kusturica desatado en la dirección y poniendo toda la carne sobre el asador con ideas disparatadas que funcionan milagrosamente. Y una vez mostrado todo el potencial del que dispone, se encierra en una trama romántica soporífera que destruye toda la experiencia creada hasta ahora, para volver...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 2
Sep18

64 Festival de San Sebastián – Día 2

Este segundo día del festival de San Sebastián nos ha dejado la última película de Alberto Rodríguez, ‘El hombre de las mil caras‘, basada en la historia real de Francisco Paesa -lo más destacable de la película, la actuación de Eduard Fernández-, ex agente secreto del gobierno español que ayuda a un ex Director de la Guardia Civil a esconder dinero malversado. Tristemente, marca un paso atrás en la carrera de Rodríguez, que tras su brillante ‘La isla mínima’ ha dirigido una obra genérica y sin alma, en un intento de emular fórmulas de espionaje del cine hollywoodiense, limitándose simplemente a contar una entretenida historia pero sin ningún añadido que la convierta en una obra interesante. Pretende ser un thriller vertiginoso, pero el montaje fallido y la falta de ritmo acaba resultando preocupante. Es un cine en el que Rodríguez parece no sentirse cómodo y se esfuerza demasiado por hacer una película que guste a todo el mundo, un espectáculo plano destinado exclusivamente al consumo comercial. Luego pudimos ver ‘Little Men‘, drama independiente estadounidense sobre la amistad de dos adolescentes y la influencia de los conflictos entre sus padres en su relación. Una película intimista que se une a la larga lista de dramas salidos de Sundance que cuentan una misma historia con ligeros detalles cambiados pero sin nada fresco que ofrecer en el plano narrativo. Ira Sachs muestra una gran sensibilidad de nuevo en cuanto a relaciones afectivas, pero tiene varios tics que fuerzan demasiado la maquinaria narrativa como si el conflicto planteado no fuera lo suficientemente atractivo o capaz de por sí solo. Después fue el turno de ‘La tortuga roja‘, que tanto está dando que hablar al ser la primera película de Studio Ghibli con producción no japonesa, y un director no salido de la casa nipona; el holandés Michael Dudok de Wit. Evidentemente, como en todas las producciones de este prestigioso estudio, las expectativas era altísima. En mi opinión, se cumplen todas. El largometraje de 80 minutos de duración se vale de imágenes bellísimas y metáforas sencillas y directas para narrar una historia que no necesita ni un solo diálogo en toda la película. Este cuento sobre un náufrago en una isla desierta y su encuentro con una gigante tortuga roja, aunque con ciertas diferencias estilísticas respecto a otras producciones de Ghibli, encaja sin problemas en el conjunto de obras que han entregado hasta ahora. Una de las mejores películas de animación del año. El siguiente pase fue el de ‘Le ciel flamand‘ producción belga perteneciente a la sección de Nuev@s Director@s dirigida por Peter Monsaert. Como el propio director indicó durante una sesión de Q&A posterior a la película, aunque el tema...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 1
Sep17

64 Festival de San Sebastián – Día 1

Esta nueva edición del festival de San Sebastián ha sido inaugurada con La doctora de Brest, drama legal basado en hechos reales que narra, o al menos lo intenta, los intentos de una doctora de retirar un medicamento tóxico para los pacientes que lo ingieren. Así, el festival daba comienzo con una película que intenta ser apasionante pero que es irremediablemente floja, y, sin llegar a ser insultante, resulta torpe en casi todos los sentidos; decisiones en la dirección – de Emanuelle Bercot – sencillamente incomprensibles, una construcción de personajes más que obvia además de bochornosa, un tono pseudocómico que resulta totalmente innecesario, un montaje atropellado y carente de elegancia y un uso de la música que no se atiene a ningún propósito concreto. Las actuaciones son del mismo palo, y la danesa Sidse Babett Knudsen, aunque salva los platos en los momentos dramáticos, se muestra innecesariamente histriónica, seguramente más por culpa de Bercot que suya.  La película avanza a trompicones y Bercot introduce elementos incompresibles, como una supuesta relevancia de la familia de la protagonista que no lleva a nada y subtramas que solo sirven para reforzar de manera más obvia si cabe el carácter idealizado de la protagonista. Su metraje acaba resultando pesado, con pocos momentos que destacar, metáforas baratas a cada cual más resultona y una sensación de que se ha visto una película más de tantas, una obra absolutamente olvidable. La segunda película que tuvimos oportunidad de ver fue ‘Toni Erdmann‘, galardonada en Cannes y que llega tras arrasar con críticas positivas en todos los festivales por los que pasa. Al festival de San Sebastián llega en la sección de Perlas, y no es para menos. Maren Ade ha logrado su mejor película hasta el momento, una comedia dramática de 2 horas y 40 minutos que en ningún momento resulta pesada, y con una sensibilidad excepcional que otorga a sus momentos dramáticos una honestidad y naturalidad espléndida. La buena mano de Ade para tratar las emociones y relaciones humanas le permite hacer una brillante disección de las relaciones paternofiliales ejemplificada en Winfried -y su inagotable alter ego Toni Erdmann- y su hija Inés. Lo que en principio parece una comedia sobre un padre que no puede evitar meter la pata constantemente y poner en aprietos a su hija -jefa de una importante consultora en Rumanía- se muestra como una compleja historia en la que, sí, hay mucho diálogos y situaciones hilarantes, pero los silencios son también muy importantes. Alcanza niveles cómicos excepcionales para 5 minutos más tarde dejarte por los suelos con escenas cargadas de emotividad, debido en parte al encomiable trabajo de Maren Ade en la dirección de actores....

Read More
Los siete magníficos: un buen remake del remake
Sep16

Los siete magníficos: un buen remake del remake

Los siete magníficos, que se estrenará en España el próximo 23 de septiembre, presentada en el Festival de San Sebastián, con la presencia de uno de sus protagonistas, el actor Ethan Hawke, quien además recibirá el Premio Donostia, tiene el honor de ser la única película en la historia elegida para inaugurar el Festival de Toronto y clausurar el Festival de Venecia en el mismo año. En 1954 el director nipón Akira Kurosawa rodó Los siete samuráis, que es probablemente uno de los mejores films de aventuras que se han realizado jamás, y cuyo argumento dio lugar posteriormente a varios westerns, como por ejemplo el remake del mismo por parte de John Sturges en 1960: Los siete magníficos, que básicamente recortó dos horas de metraje y adaptó la historia original de samuráis en el Lejano Oeste, pero manteniendo prácticamente las mismas escenas argumentales que la original. Este remake de 1960 se ganó un pequeño hueco en la historia del cine básicamente por su inolvidable y mítica banda sonora, y un reparto colosal encabezado por Steve McQueen, alias “The King of Cool”, Charles Bronson y Eli Wallach, entre otros. Aunque a mi modo de ver, fue un western correcto a secas, que no destaca por nada más que lo mencionado. Ahora, en el 2016, el director Antoine Fuqua (director de películas como Training Day, Shooter: El tirador, Lágrimas del sol y El rey Arturo), se ha atrevido a realizar algo que siempre resulta peligroso: un remake del remake. Y para sorpresa mía, ha logrado un muy digno remake, realizando una adaptación un poco más libre que la de Sturges en 1960. Han contribuido a ello John Lee Hancock y Nic Pizzolatto (True Detective) en la escritura del guión. La película cuenta con una enérgica puesta en escena, que sitúa al espectador rápidamente en ese cruel mundo que fue el Viejo Oeste, aunque lo hace con unos planos iniciales de gran belleza. Una vez presentado el conflicto principal, la película hace una breve presentación de nuestros siete protagonistas héroes (o villanos, según se mire), que terminan creando un grupo de lo más variopinto. La presentación de los mismos es correcta y dinámica, aunque también es cierto que se echa en falta un poco más de profundización de algunos personajes a lo largo de la película. Uno termina un poco con la sensación de que no se le ha terminado de sacar jugo a los actores del reparto; un excelente reparto del cual se podría haber esperado más. -Por favor, no dispares. Tengo familia. -Estarán mejor sin ti. Antoine Fuqua dirige el remake de Los siete magníficos con soltura y relativa frescura, pero no tiene el atrevimiento de buscar innovar tampoco. El film respira ese aire...

Read More
Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016
Mar02

Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016

La Berlinale, con su conocida reputación de ser un festival de cine de cariz político y que suele premiar las buenas intenciones, ha galardonado en esta ocasión con el Oso de Oro a Fuocoammare, la nueva película del director italiano Gianfranco Rosi. Seleccionada por ello también en la sección de Perlas de la 64 edición del festival de San Sebastián. Fuocoammare combina documental y ficción para plasmar la vida en Lampedusa,  el punto más meridional de Italia, que desde 1990 se ha convertido en un lugar masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. Por un lado muestra la vida cotidiana de algunas personas de la isla, principalmente desde la perspectiva inocente de Samuel, un chico de doce años muy carismático y de una increíble presencia cinematográfica, y por el otro lado, el de los inmigrantes y refugiados africanos, que huyen de mil horrores para intentar alcanzar la que supone su última esperanza. Repitiendo el estilo de su anterior documental, Sacro GRA, con el cual Rosi se alzó también en 2013 con el León de Oro en el Festival de Venecia, Fuocoammare plasma con una mirada muy humana la vida en Lampedusa, una pequeña isla mediterránea con alrededor 6.000 habitantes, que ha visto en los últimos 20 años como llegaban a sus costas alrededor de 400.000 inmigrantes africanos, en embarcaciones en muy pésimas condiciones, y contabilizando por desgracia más de 15.000 muertos en dichos intentos. La idea inicial de Rosi era el de realizar un cortometraje de 10 minutos, pero cuando fue a Lampedusa en persona, y empezó a conocer a las personas y ver la realidad existente allí, y sobre todo tras hablar con el médico de la isla que lleva muchos años ocupándose de todos los inmigrantes que llegan a las costas en malas condiciones, se dio cuenta que tenía que realizar un largometraje. En palabras del director: Viviendo allí me percaté de que el concepto de emergencia carece de sentido. Cada día allí es una emergencia. Cada día sucede algo. Para comprender el verdadero sentido de la tragedia necesitas estar cerca de ella y tener contacto continuo. Solo de este modo fui capaz de comprender el sentimiento de los isleños, quienes han estado viendo esta constante tragedia de los inmigrantes repetida una y otra vez durante más de veinte años. Y es que en el fondo, nadie quiere dejar su país de origen y toda su vida atrás. Los valientes que lo hacen, lo hacen básicamente por desesperación y desesperanza, y se juegan sus vidas por alcanzar nuestras costas en busca de una vida mejor que no pueden encontrar en su país. Gianfranco Rosi dijo en la rueda de prensa precisamente en esta dirección, que lo...

Read More
Midnight Special: insólito thriller de sci-fi de Jeff Nichols
Feb16

Midnight Special: insólito thriller de sci-fi de Jeff Nichols

Jeff Nichols, director y guionista de cine independiente estadounidense, y autor de películas célebres como Take Shelter (2011) y Mud (2012) ha sido el que ha dado la primera sorpresa en la 66. edición de la Berlinale con su inquietante e interesante nueva película: Midnight Special, su primer film para un gran estudio. Jeff Nichols se consolida a su vez como uno de los storytellers más habilidosos del momento, con esta interesante propuesta en la cual ha despojado gran parte de la exposición informativa, dejando al espectador completamente a oscuras intentando comprender que es lo que está sucediendo en este intrigante thriller mientras recibe lentamente información de distintas fuentes, con tramos verdaderamente intensos y desconcertantes. A su vez, la película resulta ser un provocativo desafío de género. Aunque principalmente es un thriller de ciencia ficción, Midnight Special es a su vez un mix de géneros que funciona a la perfección, siendo sobrenatural e íntimamente humana a la vez, y siendo también un interesante drama sobre la relación padre-hijo. Sus principales referencias son Steven Spielberg y John Carpenter, con películas como Encuentros en la tercera fase, E.T. y Starman. La película arranca con una puesta en escena potente e inolvidable, con un detalle muy original -que no revelaré-. Roy y su hijo Alton, de 8 años, son buscados por la policía por el supuesto secuestro de Roy a su propio hijo, el cual estaba cuidando otra familia por motivos desconocidos. A cada kilómetro que recorren, vamos percibiendo que algo raro pasa con Alton. Lo que empieza siendo una carrera huyendo de extremistas religiosos y de la policía local, termina escalando velozmente a una persecución por las más altas esferas del Gobierno Federal. Michael Shannon encarna precisamente a la figura paterna, Roy, y lo hace de forma magistral, como nos tiene acostumbrados este gran actor. Y es que cuanto más progresa el viaje, más fantástico se va volviendo observar en esa esfera sobrenatural a un padre haciendo todo lo posible por guiar a su querido hijo a su destino. Por otro lado, el espectador va descubriendo lentamente los poderes de Alton, y aunque tarde en poderlos comprender, se mete de lleno en la historia de ciencia ficción. Midnight Special es en cualquier caso una película muy particular y atrevida, atractivamente desconcertante. Con las mejores cualidades de Spielberg, pero sin sus “defectos” sensibleros, la película resulta magnética, visualmente potente, y a su vez cruda y oscura. Cabe destacar en cualquier caso el gran trabajo de iluminación y la buena fotografía, así como la música que logra terminar de crear una atmósfera totalmente envolvente. En definitiva, con Midnight Special, Jeff Nichols desborda imaginación, y con su interesante...

Read More