El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas
Feb17

El abrazo de la serpiente: hipnótico viaje por el Amazonas

Que alegría provoca el ir a ver una película de la cual tenías ya de por si unas expectativas muy elevadas, y que no consiga tan solo superarlas con creces, sino que te regale además una sorpresa tan grata. El abrazo de la serpiente, la nueva película del director colombiano Ciro Guerra, logró dejarme asombrado de tanta belleza, magia y poesía; una de las películas más impresionantes y magnéticas que he visto jamás. Es un film único e inclasificable, que deja huella en la memoria. El abrazo de la serpiente transporta al espectador a un viaje de aprendizaje en un mundo fascinante y desconocido. Narra de forma poética el apocalipsis que supuso el colonialismo y sus devastadores efectos posteriores, donde fueron destruidas casi al completo las tradiciones ancestrales de las tribus indígenas, diezmadas por la opresión, la codicia por el caucho y la religión cristiana. Cabe destacar en primer lugar el guión: inteligente, complejo y bien estructurado, ofreciendo diálogos muy interesantes -sin resultar nunca forzados-, y realizando una narración atemporal, en la cual se van entremezclando pasado, presente y futuro. El protagonista es Karamakate, un indígena chamán que cree ser el último superviviente de su tribu, y con ello el último poseedor del conocimiento y del secreto más preciado de su pueblo: una planta llamada yakruna . La película intercala dos vivencias suyas, una en su juventud y la otra transcurridos ya unos 40 años, en sus encuentros con dos personas que acuden a él por circunstancias muy distintas en busca de dicha planta. Y en su búsqueda, resulta devastador ver como algunas acciones pueden condicionar tanto el futuro y provocar consecuencias tan aterradoras. Pero la película no destaca solamente por lo que cuenta, sino sobre todo por la forma en que lo hace. Tiene una maravillosa dirección artística que ha cuidado los detalles al milímetro, así como una magnética fotografía en blanco y negro de un enorme poderío visual. Logra dejarte impregnados muchos de sus fotogramas en lo más profundo de tu memoria, evocando con un sentimiento de nostalgia -como si realmente de tiempos pasados se tratase- esas bellas imágenes de esos increíbles paisajes, introduciéndonos en las entrañas de la selva vista con una amplia escala de grises inquietante, donde reinan las luces y sombras. Un viaje lírico y reflexivo a lo más profundo del Amazonas. La enorme calidad y valor cinematográfico de El abrazo de la serpiente está siendo reconocido por suerte en su paso por los Festivales. Tras ganar el Art Cinema Award en Cannes, la película pasó humildemente por el Festival de San Sebastián, siendo una de las mayores sorpresas del festival para los que pudimos tener la suerte de verla. Posteriormente si que resultó la gran vencedora del Festival de Mar del Plata, ganando el Astor...

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Propaganda Game: descubriendo Corea del Norte
Oct28

Propaganda Game: descubriendo Corea del Norte

The Propaganda Game es un documental dirigido por Álvaro Longoria, en el que se analizan las diversas técnicas y estrategias de la Propaganda centrándose en el sorprendente y siempre llamativo caso de Corea del Norte. La película ha sido rodada aprovechando el acceso privilegiado a filmar en Corea del Norte de la mano de Alejandro Cao de Benós, el único extranjero que trabaja para el gobierno comunista. El film analiza las estrategias utilizadas por los diferentes “jugadores” para manipular la “verdad” y sus intereses. Se trata de un documental inteligente que invita al espectador a reflexionar por su cuenta. El documental se limita a mostrar una gran variedad de opiniones y voces dispares hablando sobre la situación del país, las campañas propagandísticas interiores a las que son sometidas los ciudadanos en contraposición con el bombardeo de información exterior de medios de comunicación occidentales que suelen inventar o manipular la realidad -especialmente Estados Unidos-, y nos invita a descubrir por primera vez las calles de este país tan misterioso y hermético. Resulta una experiencia interesante poder ver el país desde dentro y a una parte de su cultura, observar la fascinación casi religiosa que tienen por su líder y la cantidad de monumentos gigantescos que hay, lo rápido que parece haber salido de la crisis el país y las lujosas infraestructuras que tienen, la frontera con Corea del Sur, etc. Y es que no hay que olvidar que Corea del Norte es un país que lucha por la autosuficiencia y que ofrece a sus 24 millones de habitantes vivienda, educación y sanidad de forma gratuita, y ello encima sin pagar impuestos; es el último verdadero bastión del comunismo, y se cierra totalmente con el exterior para no sufrir la contaminación del capitalismo. La mayoría de sus habitantes no ha visto prácticamente a ningún extranjero, viven en su país aislados del mundo a su manera, pero parecen ser realmente felices con lo que tienen. El documental nos permite realizar una mirada humana en este curioso país del que tan poco sabemos, y reflexionar largo y tendido. Para el que tenga interés, comparto las interesantes explicaciones del propio director Álvaro Longoria sobre su película: “The Propaganda Game” es un documental que muestra al espectador Corea del Norte como quizá nunca antes la había visto. También nos muestra que a día de hoy es el escenario de una feroz batalla propagandística, interna y con el exterior. Este país, el más cerrado del mundo, ejerce una enorme fascinación popular. El último bastión del comunismo, el país más cerrado del mundo, el temible enemigo impredecible, donde el culto al líder es casi religioso, el país de las noticias imposibles… Desde que empecé a...

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Son of Saul: experiencia inédita del holocausto
Sep30

Son of Saul: experiencia inédita del holocausto

El debut del director húngaro László Nemes es algo extraordinario y muy poco común. Su ópera prima se ha ganado ya por mérito propio un hueco en la historia del cine. Tras dar la gran sorpresa en el Festival de Cannes con Son of Saul, -donde obtuvo el Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI-, su película ha sido seleccionada en la Sección Perlas de la 63ª edición del Festival de San Sebastián, recibiendo también aquí una gran acogida por parte de público y prensa. László Nemes fue ayudante de dirección del gran Béla Tarr, y en su film queda plasmada la influencia que tuvo en él el estilo y lenguaje cinematográfico del maestro. La película nos traslada al año 1944 y nos introduce desde el comienzo en el infierno, en uno de los campos anexos de Auschwitz ya en pleno rendimiento, compartiendo la visión del protagonista, un judío húngaro. Saul es miembro de los Sonderkommando -aquellos presos que colaboraron en todo el proceso de la maquinaria de exterminio nazi, con la poca e ilusa esperanza de poder salvar así sus vidas-, teniendo que encargarse de escoltar a los deportados que bajaban del tren hacia las duchas, hacerles desvestirse, introducirlos en las duchas, revisar todas sus pertenencias en busca de cosas de valor, arrastrar a los cadáveres al crematorio, limpiar la sangre en las duchas -que se hacían los mismos deportados al cundir el pánico cuando empezaba a salir el gas letal Zyklon B-, y, finalmente, lanzar con las palas al río las montañas de cenizas creadas a lo largo del día. En resumidas cuentas, encargarse de todas las fases de la cadena de la fábrica de la muerte orquestada por los nazis para no dejar rastro del exterminio brutal que estaban perpetrando. Saul es víctima y verdugo al mismo tiempo. Partiendo de esta premisa, cabe destacar que el director húngaro logra tratar el tema de uno de los mayores horrores de la historia de la humanidad de forma muy equilibrada; con la cámara en mano y mediante una mirada neutra poco común, muy sugestiva, cruda y real, sin sentimentalismos, ni sensacionalismos, y evitando los clichés, el film invita al espectador a reflexionar por sí mismo. László consigue hacernos partícipes de los acontecimientos desde el principio. Con largos planos secuencia, y la cámara pegada siempre a poca distancia de Saul -ya sea de espaldas o de frente- el espectador acompaña al protagonista en todo momento y comparte de cerca sus vivencias. Pero lo hace sin llegar a perturbar al espectador con imágenes explícitas, sino que juega constantemente con el poder de sugestión: el espectador imagina por su cuenta mucho más de lo que se muestra. El director húngaro ha creado una experiencia audiovisual inédita del holocausto al emplear un lenguaje cinematográfico bastante innovador y muy apropiado para adentrarse...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica de los días 8 y 9
Sep30

63 Festival de San Sebastián: Crónica de los días 8 y 9

Black Mass (Scott Cooper) No era grande la expectación ante el tercer largometraje de Scott Cooper, lo que hace más leve la caída. Y es que quien se espere de «Black Mass» algo más que un aceptable entretenimiento, probablemente se acabe llevando una decepción. La cinta protagonizada por un convincente Johnny Depp ya la hemos visto un millón de veces, de tal forma que la única razón por la cual se me ocurre que alguien disfrutaría de «Black Mass» es porque lo único que espera de ella es que le distraiga, lo que le pedirá al millar de películas exactamente iguales a ésta, que aportan exactamente lo mismo a un espectador que por experiencia conoce ya de antemano todas las secuencias y todos los diálogos. No encuentro ninguna conexión con ningún personaje, no encuentro ningún atisbo de cine, ninguna escena que merezca ser destacada como sí lo hace –por ridículo– su bochornoso epílogo. Se deja ver, sí, como cualquier cosa. Aquí no vale el «algo es algo», porque eso no es nada. En definitiva, una cinta para quien quiera lo único que promete. Por mi parte, esto ya lo he visto muchas veces, y casi siempre mejor. El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra) Por el contrario, el también tercer largometraje de Ciro Guerra es una obra especialísima y gigante, de una belleza indescriptible, que proporciona una experiencia única a las puertas del cierre de esta edición del Festival de San Sebastián. Guerra ya había demostrado en sus anteriores trabajos su gran talento para narrar historias cargadas de lirismo, acompañada en su película más reciente de un gran despliegue visual que no solo se repite en «El abrazo de la serpiente» sino que es superado con creces, consiguiendo una de las cintas visualmente más impactantes que se han visto este año, en la que cada plano respira al tiempo que transmite al espectador la pureza del aire del Amazonas, una región que el director sabe exprimir al máximo, captando su misterio, su belleza y su magia. No han sido pocas las obras maestras con las que ha sido comparada «El abrazo de la serpiente». La comparación más escuchada es la que la relaciona con la«Apocalypse Now» de Francis Ford Coppola, a la cual recuerda por sus largas travesías por el río a través de la inhóspita selva, y aunque la referencia más clara es la de Herzog, el viaje espiritual que al que se someten los protagonistas y el misticismo que desprende me trae el recuerdo de la magnética y mágica «Dead Man» de Jim Jarmusch. Símiles aparte, es un gusto perderse entre los fotogramas de esta maravilla que ganará con los revisionados pese...

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SSIFF Juventud: ponga un festival de cine en su vida
Sep29

SSIFF Juventud: ponga un festival de cine en su vida

 Si eres joven, te gusta el cine y puedes permitirte pasar unos 10 días de septiembre en San Sebastián, no hay mejor oportunidad para disfrutar del Séptimo Arte que la de formar parte del Jurado de la Juventud del SSIFF.  Día tras día en el festival más de 200 jóvenes de entre 18 y 25 años nos encargamos de valorar las películas que optan al premio EZAE de la Juventud, pertenecientes a las categorías de Horizontes Latinos y Nuevos Directores. Por supuesto, de todo hay, y ser jurado tiene sus pros y contras… Para todo el que se lo esté pensando, aquí os dejo mi experiencia, así como un plus de qué opciones tenéis para el tiempo libre. Básicamente esto es una guía de supervivencia. Sí, hablo de acudir a estrenos y activar el buscador de famosos. Merece bastante la pena.                         Punto 1: no es tan caro. Sí, es un dinero, pero si sabes buscarte un apartamento o algo por el estilo puedes encontrar oportunidades de ganga (vale, relativamente). Las comidas las proporciona el festival, unos bocatas muy buenos, la verdad. Por lo menos este año. Sólo tienes que preocuparte por los desayunos y cenas, y aquí ya cada cual escoge el mínimo o máximo de presupuesto. Tampoco es una gran gran gran preocupación. Quien viene a San Sebastián lleva la intención (o debería) de devorar películas ante todo. El resto sale solo.  Punto 2: no te hace falta estudiar Audiovisuales o similar. Hasta el año anterior, esto era un requisito, pero en esta ocasión no ha sido obligatorio. Por supuesto, la mayoría de los que deciden formar parte de un jurado como éste son estudiantes de estas disciplinas, pero no todos. ¡Cinéfilos por hobby, aprovechad! Absténganse personas que vienen sólo por el famoso de turno, el estreno glamuroso y el postureo. Puedes disfrutar de ellos, pero algunos días tenemos 4 películas obligatorias. No es apto para posturistas, porque van a acabar empachados de cine festivalero.  Punto 3: lo recalco de nuevo… CINE FESTIVALERO. Sabed dónde os metéis. En este caso los largometrajes obligatorios, este año 22, son de directores que presentan su primera película, así como otros cuantos proyectos de cine latinoamericano. ¿Qué quiere decir esto? No son blockbusters. No son pelis de acción, de alto presupuesto y con repartos estelares. Pero eso no significa que no tengan un valor considerable. Eso sí, hay mucho largometraje lento de narices, con aspiraciones muy poéticas, simbólicas, artísticas. Y drama. Toneladas de drama, hasta el punto en el cual cualquier mini-gag sirve de escape al público para relajarse un poco....

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 7
Sep29

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 7

El clan (Pablo Trapero) El Teatro Victoria Eugenia se llena para la proyección del nuevo thriller de Pablo Trapero, que narra la historia –basada en hechos reales ocurridos a comienzos de los años 80 en Argentina– del Clan Puccio, una típica familia que oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y asesinato de personas y en la que Arquímedes, el patriarca, lidera y planifica los operativos. Trapero ha demostrado en sus anteriores trabajos su talento para filmar thrillers con nervio y dramas tensos. «El clan», que supone una mezcla de ambos, está narrado con la solvencia que promete el realizador argentino, que construye una película vertiginosa gracias a un uso de la música y el montaje claro heredero del Scorsese de «Uno de los nuestros» o «Casino». No obstante, este uso de los recursos con la intención de dar dinamismo y ritmo a la cinta acaban pasándole factura, pues el tono «festivo» –como lo denominó un compañero– que imprime no casa con la sórdida historia que se nos relata y termina desentonando, impidiendo que un intenso y muy disfrutable thriller alcance la redondez que haría de él una gran película. The Treasure (Corneliu Porumboiu) La segunda proyección de la jornada se trata del último trabajo del rumano Corneliu Porumboiu, que regresa a la comedia con una divertida revisión de las cintas sobre búsquedas de oro al más puro estilo de «El tesoro de Sierra Madre», película que él mismo reconoce entre sus influencias para «The Treasure». La encantadora obra de Porumboiu cuenta con dos grandes virtudes. La primera de ellas es cómo consigue arrancar risas de secuencias que, por sí solas, no tendrían nada de gracioso. El director se vale de las repeticiones y del recurso de alargar la duración de sus escenas para conseguir momentos divertidísimos utilizando como base elementos de lo más sencillo, como puede ser recorrer el terreno con un detector de metales o realizar una compra en una joyería. En segundo lugar, destaca el uso que hace de la memoria del espectador que, acostumbrado a historias similares, espera encontrar en «The Treasure» un desenlace similar al de éstas, descubriendo que realmente Porumboiu está sorteando de forma muy intencionada los lugares comunes para burlarse del cliché y –lo que resulta aún más destacable– mantener la intriga y la atención del espectador en el relato. Son of Saul (László Nemes) En las antípodas de ser «otra película sobre el holocausto», el debut de László Nemes es, al mismo tiempo, una experiencia cinematográfica única y un desolador relato sobre la esperanza (y la ausencia de ella). El holocausto se utiliza únicamente como contexto, es la tragedia humana escogida para enmarcar temporal y geográficamente este doloroso drama sobre un ser...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 6
Sep29

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 6

Mountains May Depart (Jia Zhang Ke) La sexta jornada se inicia con la nueva película del reputado director chino Jia Zhangke, autor de la ganadora a Mejor guión en el 66 Festival de Cannes, «Un toque de violencia». La cinta está dividida en tres partes, una en el pasado (principios de siglo), otra en el presente (2014) y finalmente una en el futuro (2025), y se trata de un melodrama que gira primero en torno a una historia romántica para enmarcarse más adelante en el drama familiar. Tiene la película dos fragmentos muy diferenciados: Por un lado las dos primeras partes, que tienen lugar antes de nuestro presente (de aproximadamente 90 minutos en total) y por otro la tercera parte, que tiene como contexto un futuro ficticio. Esta división no es explícita, pero el hecho de que muchos hayamos sentido una gran diferencia entre la una y la otra es muy significativo. Y es que los primeros 90 minutos de la cinta son algo maravilloso, una impecable narración sin subrayados emocionales, con una delicadeza y una sensibilidad a la altura de los más grandes, acompañada de un gran despliegue visual y mostrando un gran uso de todos los recursos (con especial atención a la música). Sin embargo, todo esto desaparece a la llegada de la tercera parte, que cae en lo ridículo en más de un momento, perdiendo el magnetismo y la emotividad de las dos primeras partes y estropeando con su irregularidad la magnífica obra que se había ido levantado  hasta entonces. The Boy and the Beast (Mamoru Hosoda) Continúa el día con la proyección de «The Boy and the Beast», el nuevo largometraje de animación de Mamoru Hosoda, un cineasta con una filmografía relativamente pequeña pero repleta de interés, con tres películas recientes que han dado mucho que hablar en el mundo de la animación japonesa y entre las que destaca «La chica que saltaba a través del tiempo», la cinta que lo hizo saltar a la fama y mi favorita personal de entre todos sus trabajos. En «The Boy and the Beast» vuelve a demostrar que se trata de uno de los directores más interesantes del momento dentro de la animación, con un talento especial –heredero de Miyazaki, auténtico maestro en este ámbito– para construir y narrar historias que atraparán tanto a niños como a adultos, todo ello acompañado de un gran espectáculo visual repleto de imágenes de gran belleza. No obstante, aunque la cinta cuenta con innumerables virtudes, el interés empieza a diluirse con la introducción del concepto de «Oscuridad» y la llegada de las batallas, que probablemente harán las delicias de algunos espectadores pero que otros habríamos cambiado por una...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 5
Sep28

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 5

High-Rise (Ben Wheatley) El quinto día se inicia con una de las películas más esperadas y probablemente la cinta rodeada de mayor expectación en la Sección Oficial. El particular estilo de Wheatley ha ido captando adeptos con los años, y la idea de un nuevo proyecto de mucho presupuesto que adapta una novela de Ballard era jugosa tanto para los más fieles como para los que, sin adorar al cineasta británico, nos sentimos interesados por su cine. Y no sólo ha conseguido no decepcionar –logrando la que es con diferencia su mejor (y más ambiciosa) película– sino que ha demostrado ser un director con un talento descomunal, que alcanza su máximo esplendor en la primera hora de «High-Rise», una primera parte magnífica e impecable que, de forma aislada, fácilmente podría entrar entre lo mejor que he visto en esta edición del festival. No obstante, la impresionante puesta en escena de Wheatley se desinfla en su segunda mitad, donde reaparece el cineasta gamberro en detrimento del brillante director, tomando la cinta un rumbo caracterizado por un tono excesivo y grotesco cercano al de trabajos como «Kill List» o «A Field of England» con mucho presupuesto, que poco o nada tiene que ver con lo que habíamos visto en la primera mitad. Quienes conecten fácilmente con su estilo, encontrarán absoluto disfrute en ambas partes, pero los que nos agotamos rápido con la fórmula de Wheatley sólo obtenemos un disfrute moderado de la segunda hora de película, dándonos la sensación de estar ante una gran cinta de inicio potente pero resultado finalmente irregular que, sin embargo, es de lo mejor de esta Sección Oficial, está hecha para ganar con los análisis y revisionados, y es toda una declaración de intenciones de un prometedor y personal cineasta. Irrational Man (Woody Allen) Y si la expectación era alta con el nuevo trabajo de Ben Wheatley, nunca es baja ante el estreno de la nueva película de Woody Allen, en esta ocasión protagonizada por uno de los mejores actores del momento y girando alrededor de un tema que ha dado lugar a dos de sus mejores películas (entre sus cinco mejores, en mi opinión): «Delitos y faltas» y «Match Point», así como a la algo menor aunque fantástica «El sueño de Casandra». Curiosamente, pese a que es de las dos primeras de las que se ha hablado, «Irrational Man» tiene más que ver con esta última, pues mientras que «Delitos y faltas» era una película con dos subtramas principales, una cómica y otra dramática, y «Match Point» era una cinta puramente dramática, el estilo de su nueva cinta es más cercano al de «El sueño de Casandra»: un...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 4
Sep28

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 4

Amama (Asier Altuna) La jornada se inicia con la proyección de una de mis películas favoritas del festival y, al mismo tiempo, probablemente una de las obras que habrán generado más polémica al final de esta edición. «Amama», a pesar de haber recibido la ovación más larga e intensa que he presenciado en estos días, es una cinta que parece dividir a los espectadores entre los que quedan maravillados por la bella propuesta de Altuna y a los que lo que cuenta –o más bien cómo cuenta lo que cuenta– les parece una tontería. «Amama» relata un conflicto familiar de un modo lírico, retratando tanto las diferencias entre lo rural y lo urbano como las distintas formas de ver el mundo de cada una de las generaciones que integran la familia. Quien conecte con su estilo encontrará en ella una cinta emotiva y bellísima, con herencias del mejor cine español (Erice o Guerín) y narrada bajo una mirada sincera y cercana. Una gran sorpresa que es mi favorita de la Sección Oficial. Eva no duerme (Pablo Agüero) Si la cinta de Altuna ha generado polémica no se queda atrás el cuarto largometraje de Pablo Agüero, del que se han leído tanto opiniones entusiastas como críticas muy negativas. Estas últimas suelen acusarla de tratarse de un trabajo puramente formal que descuida el contenido y el ritmo, dando como resultado una película vacía y aburrida. Lo que parece innegable tanto para devotos como para detractores es que estamos ante un trabajo de inmensa calidad técnica, y uno de los ejercicios de estilo más vistosos de la Sección Oficial. Pero además, contrario a los más críticos, considero que esta propuesta formal no descuida el fondo ni resulta cansina. La cinta, dividida principalmente en tres partes, pretende relatar la odisea del cadáver de Eva Perón en distintos momentos bajo diferentes puntos de vista en cada ocasión, de forma que el objetivo parece ser más el de lograr una película pequeña que ofrezca un enfoque particular (estéticamente perfecto) sobre el tema, antes que una gran obra que relate con detalle la historia real, y en esto cumple con creces. Y es que «Eva no duerme» es una cinta pequeña pero de gran fuerza, una joya potente y magnética que seduce tanto como interesa. Desde allá (Lorenzo Vigas) La proyección del León de Oro de este año no sólo no generó el entusiasmo esperado sino que la reacción fue más bien tibia, y más negativa aún es mi opinión al respecto de la que considero una de las películas más flojas de esta edición. Ocurre que, mientras que a duras penas consigo encontrar algo positivo que decir sobre ella...

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Our little sister: esencia poética de lo cotidiano
Sep25

Our little sister: esencia poética de lo cotidiano

El director nipón Hirokazu Koreeda es ya un clásico en el Festival de Cine de San Sebastián, donde ha competido ya cuatro años por la Concha de Oro (con ‘After Life’, (1998), ‘Hana’, (2006), ‘Still Walking‘, (2008) y ‘Kiseki-Milagro’ (2011), que ganó el premio al Mejor Guión). En esta quinta ocasión, ha presentado en la 63 edición del Festival su última película –Our little sister- en la sección de Perlas, tras haber competido con ella en Cannes por la Palma de Oro, y todo parece indicar que volverá a alzarse con el Premio del Público, premio que ya obtuvo en su anterior visita en el 2013 con su film De tal padre, tal hijo. La película trata sobre tres hermanas, Sachi, Yoshino y Chika, que comparten casa en la ciudad de Kamakura. Cuando muere su padre, al que no han visto en 15 años, las tres viajan al campo para asistir al entierro y conocen a Suzu, su tímida hermanastra adolescente. No tardan en encariñarse con ella y la invitan a vivir en la ciudad. Así empieza una nueva vida de alegrías y descubrimientos para las cuatro. Koreeda suele elaborar él mismo los guiones originales de sus films, pero en esta ocasión la película está basada en un manga muy popular, ‘Umimachi Diary’. La historia contiene reflexiones en torno a la familia, uno de los temas recurrentes de su filmografía, entre ellos el casi siempre presente peso que provoca la ausencia de algún familiar. Koreeda afirma admirar a directores como Ken Loach y Víctor Erice. En sus palabras: “Cuando no puedo avanzar en mi trabajo, siempre repaso El espíritu de la colmena.” Pero su cine evoca indudablemente al del gran maestro japonés Yasujiro Ozu, con esa mirada delicada, íntima y profunda en la esencia del ser humano, concretamente de las relaciones familiares. Koreeda también ha destacado la importancia que tienen aquí los elementos sensoriales para constituir la memoria. La comida, por ejemplo, es un elemento que aparece en multitud de escenas y se convierte en un ritual. “Arroz, pescado o curry son sabores que se guardan en la memoria y que se mantienen en el futuro“, comentó. Resaltar finalmente que Our little sister es una película muy bien filmada y de gran precisión narrativa, simple, bella y emotiva. A pesar de no plantear -como en otras obras de su filmografía- un verdadero gran conflicto dramático, si que tienen bastante peso las ausencias. Si bien no nos encontramos quizás ante una de sus obras cúspide, es en cualquier caso una muy buena película; su visionado es agradable y merece en cualquier caso la pena. Sencilla y sensible, sabe captar la esencia poética de lo cotidiano. Aquí el trailer:   Umimachi Diary...

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The Boy and the Beast: el Zinemaldia “se anima”
Sep23

The Boy and the Beast: el Zinemaldia “se anima”

La 63 edición del Festival de Cine de San Sebastián trae consigo este año una novedad histórica: la primera película de animación que compite en la Sección Oficial. Y lo hace con un film de uno de los grandes, el prestigioso director de animación nipón Mamoru Hosoda, con títulos a su espalda como Los niños lobo (2012), Summer Wars (2009) y La chica que saltaba a través del tiempo (2006), las tres premiadas en sus respectivos años en el Festival de Sitges como mejor película de animación. Su última película – Bakemono no Ko / The Boy and the Beast (2015) – tiene el honor de haber sido la primera de animación que competía por la Concha de Oro. Y a pesar de hacerlo fuera de competición, también ha sido proyectada en el Festival de Sitges, al cual Mamoru debe tener indudablemente un enorme cariño. La película trata sobre Kiuta, un niño solitario de nueve años que vive en Tokio y que cierto día conoce a Kumatetsu -una criatura sobrenatural aislada en un mundo imaginario- en un paseo de éste por el mundo real. En dicho encuentro fugaz, Kumatetsu le pregunta al chico si desea ser su aprendiz. Kiuta, que desea hacerse más fuerte, decide seguirle y cruza de este modo la frontera al mundo imaginario. Al principio su relación es complicada y discuten por todo, pero a través del aprendizaje van entablando una fuerte amistad, y para el chico su maestro se termina convirtiendo en su figura paterna y guía espiritual. Para crear la figura de Kumatetsu, el director nipón tuvo un referente claro: Toshiro Mifune, el actor fetiche de Akira Kurosawa. En palabras del propio Mamoru Hosoda: “Mi bestia es un luchador como los que interpretaba Mifune en las películas de samurais, así que a la hora de dibujarlo fue una inspiración. Hasta la katana que lleva a la espalda es muy parecida a la que lucía Kikuchiyo, el personaje de Mifune en Los siete samurais.“ Tres años le ha llevado concluir la película, habiendo sido dibujada casi en su totalidad a mano. Como en sus otras películas, temas como la infancia, la familia y el lugar que ocupan los protagonistas en el mundo son la base de la trama. En palabras del director: “En mi anterior trabajo era un niño mitad lobo el que iba a la búsqueda de su identidad. Aquí Kiuta vive dos mundos, el real y el irreal; los dos tienen en común que no sabe cuál es su lugar, adónde pertenece. La búsqueda de identidad es una constante en toda mi obra. Todos los adolescentes pasan por una etapa de búsqueda de identidad y la familia suele ser su soporte. En este caso, el niño protagonista también...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 3
Sep23

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 3

Sparrows (Rúnar Rúnarsson) La tercera jornada comienza con la proyección de «Sparrows», segundo largometraje del islandés Rúnar Rúnarsson, autor que, a través de sus anteriores trabajos, ya había demostrado una sensibilidad única para contar historias sencillas y humanas, especialmente relatos relacionados con la adolescencia («Anna») o con la muerte («Volcán»). En el caso que nos ocupa, Rúnarsson recupera su primer cortometraje, «Two Birds», con el objetivo de darle un contexto. Es decir, añadir un pasado y un futuro al delicado pequeño instante de la vida de dos jóvenes que representa ese trabajo inicial. Este intento de contextualizar la historia pasa por introducir una serie de situaciones en la vida del protagonista que justifiquen la forma de actuar que tiene su «yo» futuro (ambos actores son el mismo con 7 años de diferencia), y es en esto en lo que radica el mayor problema de la cinta, dado que Rúnarsson sacrifica su mayor virtud –la delicadeza, lo sutil, lo humano– para colocar a la fuerza una serie de momentos dramáticos «life-changing» que resultan tan artificiales como sólo puede serlo un intento de forzar un pasado para explicar un acto futuro. La película se escribe con el final ya fijado, llevándome a sentir, conforme avanza el tiempo, la sensación de que algo falla, de que falta la naturalidad que otras obras de Rúnarsson desprende. Cuando termina y pienso en ella, descubro que el largometraje no aporta nada al corto, el cual tenía mil pasados y futuros, todos por inventar, y que de principio a fin respira inocencia, humanidad y vida. Anomalisa (Charlie Kaufman y Duke Johnson) La segunda proyección del día se trata de nuevo de un segundo largometraje, en este caso del brillante guionista Charlie Kaufman, que dio el paso a la dirección hace 7 años con la especialísima «Synecdoche, New York». Kaufman es conocido y valorado por sus originales guiones, sustentados en alocadas ideas que se utilizan como medio para explorar los problemas del hombre contemporáneo, algo que ya se puede observar en «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» y su forma de profundizar en las relaciones: inicio, monotonía, deterioro, ruptura y recuerdo. Kaufman, como ya demuestra en «Adaptation» –una película sobre un guionista en plena crisis creativa que está escribiendo un guión sobre algo llamado «Adaptation» que va sobre un guionista en plena crisis creativa que…–, tiene tendencia a hablar de sí mismo, pero su ingenio a la hora de hacerlo consiguen que las películas de Charlie Kaufman sobre Charlie Kaufman sean películas hechas por y para el mundo entero. «Anomalisa» no es una excepción, pues no tengo duda de que todos los temas acerca de los que reflexiona son asuntos que preocupan diariamente...

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The Assassin: Hou Hsiao-Hsien reinventa el wuxia
Sep22

The Assassin: Hou Hsiao-Hsien reinventa el wuxia

El prestigioso director taiwanés Hou Hsiao-Hsien, que llevaba desde el 2007 sin estrenar ninguna película, presentó finalmente en mayo en Cannes The Assassin, alzándose con el premio a Mejor director del prestigioso festival.  El film ha sido proyectado también en la 63ª edición del Festival de San Sebastián en la sección de Perlas, así como en la 48ª edición del Festival de Sitges. La espera de 8 años ha terminado teniendo su recompensa, puesto que su regreso ha sido a lo grande; The Assassin es una obra maestra que el tiempo probablemente terminará colocando en el lugar que se merece. Es, a mi parecer, una de las películas más bellas, estéticas e hipnotizantes realizadas en los últimos años. Hou Hsiao-Hsien nos transporta a la China del siglo IX, en un wuxia para el cual se documentó a consciencia durante estos largos años, logrando recrear la época de forma muy meticulosa y alcanzando un naturalismo muy inusual cuidando todos los pequeños detalles y creando a su vez a través de este realismo unos personajes muy humanos. Cabe destacar indudablemente el laborioso trabajo realizado tanto en el vestuario como en los decorados. Con The Assassin, el director taiwanés realiza su primera incursión en el género wuxia (aventura de artes marciales), y al llevarlo hacia su propio estilo y lenguaje personal, ha reinventado el género con esta particular película, con una visión pura, calmada, poética e hipnótica de las artes marciales. Y es que el pilar principal de la película es la dirección artística. Una de las mejores en mucho tiempo. La fotografía de Mark Lee, o también conocido como Lee Ping Bing, –el prestigioso director de fotografía conocido sobre todo por su magnífico trabajo en In the mood for love de Wong Kar-Wai- alcanza unos cánones de belleza inolvidables.  El film empieza con un bello prólogo en blanco y negro, muy cuidado y poético, de una gran fuerza visual, con la pantalla casi cuadrada -con aspecto de 4/3-, en el cual se presenta a la protagonista.  Transcurridos estos minutos iniciales, la película pasa a tomar el formato panorámico de 16/9 y cobra color en un primer plano de ensueño. Cabe destacar lo fascinante que resulta la extensa y variada gama cromática utilizada durante la película, creando unas composiciones magníficas e inolvidables que nada tienen que envidiarle siquiera al Ran de Akira Kurosawa por nombrar alguna -y son palabras mayores-. En resumidas cuentas, un film que ofrece verdadera poesía audiovisual, muy hermosa de contemplar. Se trata no obstante de una película inabarcable en el primer visionado, debido principalmente a su narrativa: la trama es muy compleja y difícil de seguir y/o comprender. El film tiene un ritmo pausado; se va cociendo a fuego lento. Pero a fin de cuentas, la trama no es lo importante en esta película, sino que...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 2
Sep20

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 2

Sunset Song (Terence Davies) El segundo día comienza temprano con la proyección de «Sunset Song», la última película del veterano Terence Davies, conocido por «Voces distantes» y la fantástica trilogía de mediometrajes, con la que se inició en el cine a finales de los 70 y principios de los 80. El relato, narrado con delicadeza, se enmarca al inicio de la Primera Guerra Mundial y explora el paso a la madurez de una joven en un entorno rural. Los pocos reproches que pueden hacérsele son tantos como sus virtudes a destacar, y es que la cinta se me antoja tan infinitamente correcta y académica que la sensación que predomina en mí durante la mayor parte del metraje es la de indiferencia. El duro drama que presenta y su bella fotografía dan cierto interés a una película a cuya historia Davies –salvo en contadas escenas, entre las que brilla su tramo final– parece incapaz de dotar de la fuerza adecuada y que termina pasando sin alma ante mis ojos para pronto ser olvidada. Sicario (Denis Villeneuve) Poco después se proyecta «Sicario», nuevo thriller de encargo dirigido por Villeneuve, que vuelve a demostrar una vez más sus grandes grandes dotes como realizador. La cinta, protagonizada por unos fantásticos Benicio del Toro, Josh Brolin y Emily Blunt, está más cerca de la magnífica «Incendies» que de sus últimos trabajos, enmarcándose también en medio de un conflicto social y político. No obstante, la película más recordada durante el visionado de «Sicario» es «Zero Dark Thirty», de Kathryn Bigelow, con la que comparte algunos elementos tanto argumentales como de estilo. Villeneuve construye un thriller redondo que no baja el nivel ni un solo segundo y que mantiene su intensidad desde el primero hasta el último minuto. Magnética y vibrante, «Sicario» es una película impactante que sabe atrapar al espectador con un uso notable de los recursos de los que dispone, entre los que destaca una impresionante utilización del sonido. Pese a que no deja el poso de sus mejores películas, plantea cuestiones interesantes y su conclusión, totalmente desesperanzadora, vuelve a hacernos salir destrozados de la sala, por un lado exhaustos tras el frenético ejercicio de suspense (más que de acción) y por otro, desolados a tenor de su amarga reflexión. Evolution (Lucile Hadzihalilovich) El segundo largometraje de la mujer de Gaspar Noé ha resultado ser, probablemente, la película más polémica de la Sección Oficial de esta edición del festival. La gran división de opiniones es en cierta medida comprensible, pues se trata de una de esas propuestas difíciles, que piden del observador una implicación total y que al no ofrecer todas las respuestas, termina con tantas preguntas que algunos espectadores, al no encontrar resolución al enigma...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 1
Sep19

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 1

Regresión (Alejandro Amenábar) La 63º edición del Festival de San Sebastián abre con la nueva película del director español Alejandro Amenábar, que, tras dedicar sus últimos trabajos a coquetear con el drama, decide volver a sus orígenes con una cinta que se enmarca en el género que lo hizo famoso: el thriller. Si la expectación por su primer trabajo en los últimos 6 años era grande, mayor ha sido la decepción, y es que cuenta su producto con muchos más errores que aciertos. Entre estos últimos destaca el interesante e inteligente planteamiento que, de forma similar a como hace en «Tesis» con la violencia, implica al espectador de lleno en el tema sobre el que decide hacer girar su película, que no es otro que el miedo y la histeria colectiva. No obstante, pocas virtudes más pueden encontrarse en una cinta plagada de incomprensibles y mayúsculos errores, entre los que destaca la extraña obsesión de Amenábar por subrayar todo hasta el extremo. El director, que en sus primeros trabajos se había caracterizado por su talento para crear atmósferas inquietantes, aquí en busca de obtener lo mismo necesita de un uso abusivo de la música, de los efectos de sonido, del susto fácil y de hasta el último cliché de los peores thrillers. Por si este uso de los recursos más torpes no fuese suficientemente agotador, sus personajes sobreexplican hasta el último detalle de la historia y sus ridículos giros de guión se sustentan en elementos metidos en la trama con calzador. Ni un reparto protagonizado por estrellas consigue salvar «Regresión» del desastre. Ethan Hawke, que ha conocido tiempos mejores, no tiene un solo momento acertado y Emma Watson está ridícula en el poco tiempo que aparece. Este desastre no sorprende a los detractores de Amenábar, pero sí a los que creemos que tiene talento, que no comprendemos el rumbo que está tomando su carrera. Y es que la película aún podría defenderse si no se tomase demasiado en serio a sí misma, pero el director trata de imprimir un tono tan tenso y dramático a la historia que ciertos sectores de la sala en algunos momentos no han podido contener la risa. No es que «Regresión» sea una película fallida, sino algo mucho peor: se trata de un thriller torpe de sobremesa más, uno como otro cualquiera. Pikadero (Ben Sharrock) La segunda película es el debut del escocés Ben Sharrock con una comedia marciana protagonizada por una joven pareja de vascos sin demasiados recursos económicos que buscan un lugar en el que consumar su amor. Si tendiésemos a las comparaciones locas podríamos considerarla una especie de mezcla entre el estatismo de Roy Andersson y...

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Truman: entrañable film de Cesc Gay
Sep19

Truman: entrañable film de Cesc Gay

El director catalán Cesc Gay sorprende gratamente con “Truman“, su nueva película protagonizada por Ricardo Darín y Javier Cámara. Se trata probablemente de una de las mejores películas españolas de este año. Tras su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto, compite en el 63 Festival de San Sebastián. A modo de breve sinopsis -sin destripar nada-, el personaje interpretado de forma excelente por el actor argentino padece de cáncer, y recibe por ello durante cuatro días la visita de su mejor amigo, que vive desde hace tiempo en Canadá. Se trata de un reencuentro lleno de situaciones y emociones muy dispares, principalmente debido a que su reunión es también, seguramente, su último adiós. El film cuenta con un magnífico guión, elaborado por el mismo Cesc Gay, basado en un diario que escribió en reacción a una situación personal. En una entrevista, Cesc dijo que “estoy contento porque se ha conseguido un poco lo que buscábamos: hacer una película sobre algo que es triste, dramático, pero hacerla desde un lugar amable, con humor, con un buen equilibrio“. Y efectivamente, el film logra encontrar un buen equilibrio entre la tristeza y el humor, tratando un tema sombrío como es el cáncer desde una perspectiva que no resulta desagradable para el espectador, usando principalmente el humor para ello aunque sin llegar a perder por eso la seriedad del asunto que se trata. Es una comedia dramática algo sensible -que no sensiblera- que puede llegar a robarle en alguna escena algunas lagrimas a más de uno, especialmente a los que tienen o han tenido perro, dado que uno de los principales elementos emocionales del film es precisamente Truman, el perro del protagonista que da nombre a la película, a pesar de que no aparezca demasiado en escena. En palabras de Ricardo Darín en una entrevista: “Creo que con la historia afectivo-emocional que hay con el perro, todos nos podemos sentir mayormente identificados, pero es una estrategia del director para hacernos creer que lo más importante es eso, para esconder un poco la verdadera magnitud de lo que le ocurre a Julián. Cuando vimos un primer corte tuve la sensación de que había poco perro, pero Cesc muy hábilmente dijo que había lo suficiente, que no quería que el perro “arrastre” la película.“ En definitiva, recalcar que se trata de una película que puede llegar a sorprender gratamente, la recomiendo sin lugar a dudas. Considero que es una de las mejores películas españolas de los últimos años. Truman Estreno: 2015 5 Género: Comedy Dos amigos de la infancia que se reúnen después de muchos años, pasan unos días inolvidables juntos, debido a que su reunión es también su último adiós. (FILMAFFINITY) Leer...

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