La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma
Sep08

La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma

Guillermo del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica… los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». En esta línea, ha presentado su nueva película -titulada The shape of water (La forma del agua)- en la  Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de Venecia, y como no podía ser de otro modo, ha vuelto a introducir un monstruo como elemento angular del film. Con La forma del agua, Guillermo del Toro vuelve a realizar otro cuento fantástico, a partir de una historia escrita por él mismo, y ambientada esta vez en plena Guerra Fría, en los años 60. Más concretamente, nos introduce en un laboratorio gubernamental de alto secreto, donde trabaja una mujer muda, Elisa (interpretada por una magnífica Sally Hawkins), que vive atrapada en una vida aislada, hasta que descubre y conoce al ser anfibio con el que andan experimentando en uno de los laboratorios. La historia bucea entre distintos géneros: fantástico, thriller, drama y romántico. Y a pesar de ser una película principalmente de entretenimiento, la historia tiene un gran peso socio-político llena de analogías. Aunque de lo que habla principalmente el film es del amor. En palabras de Guillermo del Toro: El agua siempre coge la forma de lo que la sostiene en el tiempo, y a pesar de que el agua puede llegar a ser tan leve, también es la fuerza más poderosa y maleable del universo. Del mismo modo funciona el amor ¿no? Da igual en que forma o recipiente depositemos el amor, se convierte en eso, ya sea un hombre, una mujer, o una criatura. En el film, aparecen muchos de los temas recurrentes en la filmografía de Guillermo del Toro, tales como la biología y su fascinación por el mundo fantástico. Temas como el ‘bien’ y el ‘mal’, la inocencia y la amenaza, lo histórico y lo eterno, lo bello y lo monstruoso, confluyen entre ellos demostrando que no hay oscuridad que pueda derrotar del todo a la luz. También en palabras de Guillermo del Toro: Me gustan las películas que son liberadoras, que te dicen que está bien ser quien sea que seas. Y parece ser que en los tiempos que corren, es un tema muy pertinente. Como a lo largo de su filmografía, los films de Guillermo del Toro destacan principalmente por su gran trabajo artístico, creando una atmósfera y estética propia, tanto en el departamento de arte como en el de vestuario. Guillermo del Toro logró juntar a su vez un maravilloso grupo de actores, en...

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Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen
Sep03

Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen

George Clooney ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia su último film, Suburbicon,  que llevaba gestando ya desde hacía más de dos años. El proyecto nació inicialmente sobre la idea del evento sucedido en EUU, en Levittown, Pennsylvania, en los años 50, cuando en una zona residencial acudió a vivir una familia afroamericana, y en la misma noche en que llegaron se reunieron 500 personas en frente de su vivienda con banderas confederadas y con gritos racistas, construyendo un muro a su alrededor. Durante la escritura del guión junto a Heslov alrededor de esta idea, George Clooney recordó un guión de los hermanos Coen de hacía más de 20 años, que había quedado en un cajón. Se trataba de un guión con tema similar a los de Fargo o Quemar después de leer, con personajes insalvables tomando malas decisiones. Los Coen descartaron filmar ellos mismos el guión al querer avanzar hacia otros terrenos cinematográficos. Clooney vio factible adaptar el guión a los años 50 añadiendo los sucesos de Levittown, con la idea de darle además un toque todavía más enfadado al del guión original. Suburbicon destaca por su buena adaptación de los años 50 en los EEUU, donde lo mejor y lo peor de la humanidad queda reflejado en la gente ordinaria. Clooney ha reunido para ello un equipo creativo de alto nivel en todas las áreas, destacando la fotografía por parte de Robert Elswit y las partituras de Alexandre Desplat que cobran protagonismo en partes del film. En esta década posterior a la Segunda Guerra Mundial, la clase media norteamericana estaba en proceso de trasladarse a las zonas residenciales prefabricadas en casas asequibles en comunidades reducidas. Para muchos, este Sueño Americano de poseer una casa propia, con parking y jardín, empezaba a convertirse en realidad. Pero como matizó George Clooney en la rueda de prensa, esta realidad de los años 50 era posible solamente si eras blanco. Es de hecho la época a la que hace siempre referencia el actual presidente Trump en sus rancios discursos de Make America Great Again, aludiendo a la época de Eisenhower. Época, en la que Trump tenía la edad del niño protagonista. Aunque el proyecto nació antes de que Trump se convirtiera en presidente, el film ha terminado siendo idóneo para hacer metáforas y reflexiones alrededor del discurso de Trump. George Clooney no desaprovecha la ocasión para hacer política en sus films. De izquierda a derecha: Julianne Moore como Margaret y Matt Damon como Gardner en Suburbicon, de Paramount Pictures y Black Bear Pictures. Se trata de un film en el que la violencia va escalando lentamente, hasta llegar a un desenfreno total tarantiniano, con grandes dosis...

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Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]
Feb28

Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]

Continuación de la crónica de la Berlinale 2017:   The Other Side of Hope, de Aki Kaurismäki. Aki Kaurismäki se alzó con el Oso de Plata a Mejor Director con este film. Fiel a sus malos hábitos, al ser anunciado como ganador iba tan borracho que ni acudió a recoger el premio, sino que se lo tuvieron que llevar a su sitio en las butacas del Berlinale Palast. Y dio las gracias hablándole al Oso en lugar de al micrófono. The Other Side of Hope partía como una de las películas favoritas a ganar el Oso de Oro; parecía la película ideal hecha especialmente para la Berlinale -sin buscarle una connotación negativa al hecho en sí-. El cineasta finés construye una conmovedora historia sobre un refugiado que llega a Finlandia y pide asilo, a modo de mostrar una realidad que están viviendo muchos refugiados en Europa. Pero lo hace con su particular estilo y humor, y acompañado de la calidez de sus lacónicos personajes y sus coloridas y pictóricas composiciones. Y es que el humor de Kaurismäki es como un buen vino: con el paso de los años se ha ido refinando cada vez más, alcanzando en este film una de sus cúspides, siendo el resultado no solo cómico, sino también muy conmovedor. Una película necesaria en los tiempos que corren. En palabras del director finlandés: “Con este film, trato de hacer todo lo posible para deshacer el camino europeo de sólo ver a los refugiados como víctimas lamentables o como inmigrantes económicos arrogantes que invaden nuestras sociedades simplemente para robar nuestros empleos, nuestras mujeres, nuestras casas y coches. En la historia de Europa, la creación e imposición de prejuicios estereotipados arrastra un eco siniestro.Libremente confieso que The Other Side of Hope es, en cierta medida, una de esas llamadas películas de tendencia manipuladora, intentando influir en las visiones y las opiniones de los espectadores, tratando de manipular sus emociones a fin de alcanzar ese objetivo. Como este fin naturalmente fracasará, lo que espero que permanecerá, es, una ligeramente melancólica historia narrada con humor, y en el fondo, una  película casi realista sobre ciertos destinos humanos, aquí en este nuestro mundo, hoy en día.” A teströl és a lélekröl (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi. On Body and Soul fue la primera película a competición de la Sección Oficial que vimos los de la prensa, y en mi caso, el buen sabor de boca que dejó al inicio se fue consolidando a lo largo del Festival a medida que pasaban los días. Terminó siendo una de mis películas favoritas del Festival, junto a Insyriated. Su sinopsis: “María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y...

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Oscar´s 2017: Quiniela exprés
Feb25

Oscar´s 2017: Quiniela exprés

Apenas restan veinticuatro horas para que dé comienzo la gran fiesta del cine internacional: La gala de los Oscar, en su 89º edición estará inevitablemente marcada por un contexto sociopolítico, cuanto menos, peculiar, que sin duda definirá cada línea del estudiadísimo guión de un Jimmy Kimmel que ha prometido grandes dosis de humor. Y es que se lo han puesto a huevo, todo hay que decirlo. Un año repleto de buen cine que llenará las butacas del teatro Dolby en una noche que no promete grandes sorpresas. Un peculiar año del que recordaremos tanto el record de nominaciones de La la land -absoluta vencedora en los Globos de Oro-, como la imperdonable ausencia de una Amy Adams en permanente estado de gracia… un año que será testigo presencial de cómo el tibio Viggo Mortensen de Captain Fantastic ocupará la butaca que debería llevar el nombre del incuestionable Joel Edgerton. A veinticuatro horas de cerrar las apuestas, digo, nos sumamos a los dos millones de quinielas que pueblan los callejones de internet, invitándoos a que hagáis vuestras predicciones y a que pongáis a parir las nuestras 🙂   *MEJOR PELÍCULA:  –La la land  -Moonlight -Manchester frente al mar -Figuras Ocultas -Lion -La llegada -Hasta el último hombre -Comanchería -Fences *MEJOR DIRECTOR:  –Damien Chazelle (La la land) -Barry Jenkins (Moonlight) -Denis Villeneuve (La llegada) -Kenneth Lonergan (Manchester frente al mar) -Mel Gibson (Hasta el último hombre) *MEJOR ACTOR: -Denzel Washington (Fences) –Casey Affleck (Manchester frente al mar) -Ryan Gosling (La la land) -Andrew Garfield (Hasta el último hombre) -Viggo Mortensen (Captain Fantastic) *MEJOR ACTRIZ: –Emma Stone (La la land) -Isabelle Huppert (Elle) -Natalie Portman (Jackie) -Meryl Streep (Florence Foster Jenkins) -Ruth Negga (Loving) *MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: –Viola Davis (Fences) -Michelle Williams (Manchester frente al mar) -Naomi Harris (Moonlight) -Nicole Kidman (Lion) -Octavia Spencer (Figuras Ocultas) *MEJOR ACTOR DE REPARTO: -Dev Patel (Lion) -Jeff Bridges (Comanchería) –Marhersala Ali (Moonlight) -Lucas Hedges (Manchester frente al mar) *MEJOR GUIÓN ORIGINAL: -Manchester frente al mar –La la land -Comanchería -20th century women -Langosta *MEJOR GUIÓN ADAPTADO: -Moonlight -Lion -Figuras ocultas -La llegada -Fences *MEJOR FOTOGRAFÍA: –La la land -Lion -Moonlight -La llegada -Silencio *MEJOR MONTAJE: –La la land -Hasta el último hombre -La llegada -Moonlight -Comanchería *PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: -El viajante (Irán) –Toni Erdmann (Alemania) -Un hombre llamado Ove (Suecia) -Bajo la arena (Dinamarca) -Tanna (Australia) *MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: –Zootropolis -Kubo y las dos cuerdas mágicas -La tortuga roja -La vida de Calabacín -Vaiana *MEJOR LARGO DOCUMENTAL: –O.J.: Made in America -Enmienda XIII -Life, Animated -I am not your negro -Fuego en el mar *MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: –City of stars (La la land)...

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Trainspotting 2: la ansiada secuela
Feb16

Trainspotting 2: la ansiada secuela

En el marco de esta 67 edición de la Berlinale, con su gran variedad de secciones, uno de los títulos que llamaba mas la atención desde buen principio era sin lugar a dudas la proyección de Trainspotting 2, insertada fuera de competición en la Sección Oficial, para fuera de competición, básicamente para empezar su promoción a nivel mundial. Veinte años han pasado desde que se estrenara el segundo film de Danny Boyle, Trainspotting (1995), y que se convirtiera por su propio peso en una película de culto. Y la espera para la ansiada secuela se ha llegado a hacer larga para los mas impacientes: el deseado reencuentro con los icónicos Mark Renton, Sick Boy, Spud y Begbie. Pero el tiempo ha permitido que veinte años mas tarde, se pueda realizar dicha secuela con el reparto original, envejecido de forma natural, para reencarnar a sus respectivos personajes. En palabras de su director, Danny Boyle: “Han transcurrido 21 años desde que se estrenó la primera película, y el sentido común dice que la secuela llega 20 años demasiado tarde. Pero el retraso no fue precisamente deliberado; lo cierto es que llevábamos muchos años hablando de hacer otra película. Pero ahora, lo cierto es que esto es precisamente lo que le da razón de existir a la película: cuando pones a los actores al lado de sus personajes y comparas su aspecto diferenciado en los veinte años que han transcurrido, es algo brutal. Hace diez años ya intentamos hacer la secuela, pero los actores no se veían demasiado distintos.” Foto de Rubén Seca No obstante, y muy a mi pesar, considero que la ansiada secuela no está para nada a la altura de la original, y vive constantemente a su sombra, con constantes dosis de nostalgia. Porque esta secuela es realmente tan solo eso: un ejercicio cinematográfico nostálgico sin apenas vida propia. Se descartaron muchas propuestas de guión a lo largo de estos años para realizar la secuela, porque ninguno convencía. Y a mi, por desgracia, tampoco ha logrado convencerme en absoluto el guion definitivo, que ha desperdiciado completamente el potencial que podía tener el film. Y lo que es peor: ha conseguido que esta secuela no tenga siquiera razón de ser alguna -a excepción de algunas escenas muy bien logradas-. En cualquier caso, es recomendable verla sin expectativas, para no salir desilusionado. Pues si bien no llega a ser una película fallida del todo, lo cierto es que entristece ver el poco jugo que se le ha sacado a los carismáticos personajes creados en la película original, siendo el hilo argumental y dramático bastante estúpido e innecesario, carente de cordura escénica, bajo mi humilde...

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La La Land: romántico homenaje al cine
Ene11

La La Land: romántico homenaje al cine

Aunque son pocas las películas que lo consiguen, el séptimo arte tiene la magia de poder hacerte salir flotando de la sala de cine en ciertas proyecciones. Y cuando esa magia sucede, es una sensación que te puede llegar a envolver durante muchas horas. La La Land (La ciudad de las estrellas) es uno de estos films especiales que lo logran, y que te invitan durante su visionado a dejar fluir una serie de emociones y sentimientos mientras disfrutas de una intensa y completa experiencia cinematográfica, para finalmente salir como hechizado y desestabilizado emocionalmente. O al menos, lo logró conmigo. Después de cosechar un gran éxito con Whiplash (2014), Damien Chazelle se ha embarcado en un proyecto muchísimo más ambicioso con La La Land (2016), film donde demuestra que además de tener un enorme talento como cineasta es a su vez un gran cinéfilo, y en el cual reafirma también su gran conocimiento y pasión por el jazz. Con gran soltura, transita por distintos géneros y revitaliza un complicado género como es el musical, haciéndole un hermoso homenaje al mismo y dándole un soplo de aire fresco, evocando en lo estético a los musicales de Jacques Demy tales como Los paraguas de Cherburgo o Las señoritas de Rochefort, y en esencia a gran cantidad de otros grandes musicales, como por ejemplo el New York, New York de Martin Scorsese o clásicos como Un americano en París de Vincente Minelli. Y además de la gran cantidad de referentes que hay, no es menor la cantidad de guiños cinéfilos que realiza Chazelle, por lo que me limitaré a resaltar el de El globo rojo de Albert Lamorisse. ¿Cómo vas a ser un revolucionario, siendo tan tradicionalista? Te aferras al pasado, pero el jazz es sobre el futuro. Chazelle combina lo mejor del cine clásico con el de vanguardia, con un magistral manejo del lenguaje cinematográfico. El resultado es un film único, inolvidable y mágico. Todo funciona perfectamente en una mezcla precisa entre diálogos, interpretaciones, drama y música, con un constante ritmo, fuerza y sello personal. Si bien la película trata argumentalmente sobre una bonita historia de amor, el verdadero amor es el que plasma Chazelle por el cine, el arte y la música en cada escena. Y ello queda patente ya en la puesta en escena, donde uno queda sumergido en su mundo deseando que ojalá fueran tan alegres todos los atascos en la vida real. Cabe destacar la maestría con la que realiza las transiciones de las escenas musicales a las convencionales, y viceversa. La La Land desprende nostalgia, desprende melancolía, desprende amor. Un film de una inmensurable belleza que hila con maestría distintos temas alrededor de los sueños y los soñadores, envuelto en una hermosa atmósfera agridulce, de gran colorido. Ante la aparente festividad, subyace el drama,...

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