“Cartas de la guerra”: un poético alegato antibélico
Jun30

“Cartas de la guerra”: un poético alegato antibélico

Cartas de la guerra llega a nuestros cines tras ser la gran revelación del año en los Premios Sophia -galardones que otorga la Academia de Cine de Portugal equivalentes a nuestros Goya- al obtener nueve de sus estatuillas: mejor película, director, guion adaptado, fotografía, montaje, dirección artística, maquillaje/peluquería, sonido y vestuario. La película del joven director portugués, Ivo M. Ferreira, invita al espectador a experimentar una película antibélica bastante distinta al resto, sustentada en la poesía, el intercambio de cartas narradas con voz en off, y con una belleza y estilo visual similar al de Terrence Malick pero buscando mayor abstracción con una portentosa fotografía en blanco y negro, realizada por parte de Joao Ribeiro. Sustenta su mensaje antibélico no mostrando la violencia de la guerra, sino haciendo todo lo contrario, plasmando con sobrecogedoras imágenes precisamente la antítesis de la guerra: la gran belleza de la naturaleza y los agradables momentos de paz y tranquilidad. Pudiendo disfrutar de esto, ¿qué sentido tiene la guerra? “Esta guerra nos convierte a todos en insectos, que luchan por la supervivencia…” escribe el joven médico militar António en una de sus cartas a su mujer embarazada en Portugal, durante la guerra colonial portuguesa en Angola, en enero de 1971. Son palabras de dolor y sinceridad, que contienen a su vez una profunda melancolía para con su querida y su bebe que está a punto de nacer. En sus constantes cartas, leídas por su mujer, António realiza un boceto del día a día en territorio desconocido: el progresivo descubrimiento de la fascinante naturaleza, los encuentros con los nativos, el cuidado de una niña huérfana, y nos hace cómplices de sus sentimientos y pensamientos. Pero inevitablemente, también hay momentos en los que la guerra muestra su verdadera cara. La conjunción de las imágenes y las voces en off son los dos principales elementos en los que se sustenta el film, que si bien podría haber tenido un hilo conductor más elaborado, logra defenderse por si sola. Cartas da guerra resulta en cualquier caso una película muy interesante, en el cual se combina realidad y ficción por parte de Ivo M. Ferreira, adaptando la novela de António Lobo Antunes e incluyendo las cartas auténticas que envió él mismo durante su estancia en la guerra de Angola. Gracias a su hipnótica fotografía, el director portugués nos regala un lírico ensayo, en el cual las imágenes y las notas del médico militar logran crear una atmósfera muy especial. Cartas da guerra es un importante nuevo alegato poético contra la guerra, y una experiencia cinematográfica fuerte y...

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La teoría sueca del amor
Mar05

La teoría sueca del amor

Suecia, 1972; se inicia un manifiesto denominado como “La teoría sueca del amor” que es la base del manifiesto “la familia del futuro” en la que se busca librarse de las estructuras anticuadas que aún controlan cómo vivimos. A partir del manifiesto se busca destruir la idea arraigada y los valores de familia estructurada (o no) pero sí obsoleta, generando la individualidad real, rechazando la idea de personas dependientes, apéndices de otras. A cada individuo se le debe de proporcionar, desde el estado, esa independencia y así, basar las relaciones sociales en relaciones auténticas libres de beneficios o necesidades de ningún tipo. En la conferencia de Bruselas se presenta este manifiesto y es a partir de aquí donde todo se desarrolla, explicándonos experiencias personales y servicios que se ofrecen en la Suecia libre puesto que, al ser un país rico, los individuos no deben de preocuparse de cosas tan básicas como son la casa, el agua o la comida sino que pueden preocuparse por la autorealización y preocupación del verdadero proyecto de vida: uno mismo.     Erik Gandini recoge en su película de 72 minutos distintos testimonios para aproximarnos más a la práctica actual de ésta teoría que hace ya más de 30 años se puso en marcha. El primer testimonio es de una chica, [Maria Helena] que se considera una persona muy independiente. Necesita ese espacio para poder vivir, su área de confort es extremadamente grande… Decidió ser madre soltera porque necesita mucho tiempo para sí misma y porque le gusta tomar sus propias decisiones. No le gusta estar rodeada de gente durante demasiado tiempo a pesar de que confiesa que echa de menos llegar a casa y encontrarse con alguien con quien compartir una taza de café, una buena conversación mientras dobla la ropa o, simplemente, que le preparen el desayuno mientras ella todavía croquetea en la cama. Las pequeñas cosas que te dan las relaciones… Pero sin duda, y lo más impactante para mi, es lo que se explica a través de éste testimonio: la empresa danesa que ha convertido su banco de esperma en el más grande del mundo mediante el cuál, puedes escoger con infinidad de filtros, quién te aportará el 50% restante para poder crear tus propios hijos. En casa. Sí, en casa. Tu misma recibes tu paquete con todas las instrucciones, el envío se hace en menos de 48h y se envían con hielo seco para asegurar la viabilidad del esperma. Es como cuando me compro los cartuchos de la impresora en Amazon Premium. Pim, pam. Ni desayunos forzados ni un “yo es que prefiero dormir sola” ni mi excusa favorita...

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Top 25: repaso cinematográfico del 2016
Dic29

Top 25: repaso cinematográfico del 2016

El presente año llega a su fin y como suele ser costumbre en estas fechas navideñas, toca repasar como ha sido el 2016 en términos cinematográficos. Para ello he elaborado mi personal top 25, siguiendo el criterio de los films estrenados en España durante este año, independientemente de su año de producción. Por ello, películas que ya he podido ver, como Toni Erdman, y que entrarían en lo alto del top, quedan fuera de la lista. Se cuela, como excepción, Heart of a Dog, que sin tener todavía fecha de estreno (y pudiendo ser que no llegue a estrenarse en nuestras salas), sí pudo verse en algunas ciudades españolas en festivales de cine y filmotecas. Creo que es posible afirmar que el 2016 ha traído grandes películas a nuestros cines, y en comparación a años anteriores, ha sido un muy buen año cinematográfico. Comparto las que han sido -a mi gusto-, 25 de las películas más destacadas, algunas de ellas con sus correspondientes críticas que escribí en su día.      1. El abrazo de la serpiente Una obra inmensa, de grandísimo nivel visual y narrativo. A mi gusto la gran joya del año. Aquí la crítica.      2. El hijo de Saúl Otra de las obras más importantes del año, y merecedora de haber ganado el Oscar de mejor película de habla no inglesa. Innovador en el uso del lenguaje cinematográfico, y de gran atrevimiento, es un film que se ha ganado ya un puesto en la Historia del cine. Aquí la crítica.     3. Heart of a Dog La delicatessen de este año. Maravilloso film lleno de reflexiones y poesía. 4. Carol Probablemente hubiera sido la merecedora de ganar el Oscar a Mejor Película este año, pero curiosamente ni estuvo nominada en dicha categoría. Adjunto su maravillosa banda sonora.  5. Arrival Dennis Villeneuve se supera película tras película. Y lo ha vuelto a hacer, dando un poco de aire fresco al tan explotado género de la ciencia ficción. Aquí la crítica.      6. La juventud Otro maravilloso film del director italiano Paolo Sorrentino, repleto de cinismo y humor. Aquí la crítica. 7. Captain Fantastic Una de las sorpresas del año. Fabuloso guión. 8. Después de la tormenta Otra maravilla de Koreeda, al nivel de Still Walking. Aquí la crítica.  9. Elle Tras casi una década desaparecido, Paul Verhoeven ha vuelto a lo grande. Aquí la crítica. 10. Neruda Film que ha pasado generalmente bastante desapercibido, y que considero necesario reivindicar. Pablo Larraín realiza un ejercicio cinematográfico muy interesante, mezclando suspense con poesía. Un film que es un antibiopic, y versa más sobre lo nerudiano que sobre Neruda mismo, realizado de forma muy inteligente. “Puedo...

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64 Festival de San Sebastián: Top 10
Oct25

64 Festival de San Sebastián: Top 10

La 64ª edición del Festival de San Sebastián volvió a tener un magnífico repertorio de películas en la sección de Perlas -a pesar de echar de menos algún título como Paterson– así como en la sección de Zabaltegui. La Sección Oficial por su parte volvió a ser bastante irregular a mi gusto, y destacó en ella principalmente la curiosa nueva propuesta de Bertrand Bonello, Nocturama, que sin embargo fue también ‘censurada’ en el palmarés. Finalizado el Festival, toca como de costumbre hacer el Top 10. La mayoría de ellas estarán en las salas del cine próximamente, por si queréis tomar nota:       1. Toni Erdmann Exquisita comedia dramática de Maren Ade. No ha sido solamente la gran sorpresa del Festival, sino también una de las mejores películas del año a mi parecer. Una película alemana que ha sabido distanciarse del típico humor usual de su país, y con una genuina inteligencia ha logrado teñir con un fabuloso humor escenas hilarantes que tratan temas profundos. Sus 164 minutos de metraje no resultan en ningún caso pesados, sino más bien todo lo contrario: uno se lo pasa tan bien que ni se entera de que han pasado prácticamente tres horas al finalizar el film. Absolutamente magnífica y deliciosa, repleta de escenas inolvidables (con probablemente una de las escenas más originales y disparatadas de desnudos), y un personaje entrañable. Película imprescindible del año, de la que no quiero desvelar nada más.      2. Sieranevada Otra de las grandes sorpresas del Festival, que ya creó expectativas con las impresiones recibidas desde Cannes. La película sucede en este contexto: Tres días después del atentado contra Charlie Hebdo y cuarenta días después de la muerte de su padre, Lary – 40 años, médico – va a pasar el sábado con su familia, reunida en memoria del difunto. El evento, sin embargo, no se desarrolla como estaba previsto. Obligado a afrontar sus miedos y su pasado y forzado a reconsiderar el lugar que ocupa dentro de la familia, Lary tendrá que decir su verdad. El film está repleto de maravillosos diálogos, que cuestionan y debaten distintos temas tanto de actualidad como de memoria histórica. Y ello sin que falte el humor. Prácticamente toda la acción sucede en la casa familiar donde se van sucediendo una serie de acontecimientos que van retrasando la ansiada comida. Maravillosamente filmada, aprovechando los espacios donde colocar la cámara al límite con tomas largas, con un estilo propio, toda una lección de realización cinematográfica. Un film que hay que degustar.      3. Arrival (La llegada) Dennis Villeneuve no necesita carta de presentación. Desde que hiciera Incendies en el 2010 no ha dejado de sorprender proyecto tras...

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¡Bruja, más que bruja!: el reestreno de una gran comedia española
Jul15

¡Bruja, más que bruja!: el reestreno de una gran comedia española

Con motivo del 40º aniversario del estreno de ¡Bruja, más que bruja! de Fernando Fernán-Gómez, llega de nuevo a algunas salas de cine una copia digital restaurada de este especial film que pasó bastante desapercibido en su día. Lo hace un año más tarde del que fuera también el reestreno de otra de sus grandes películas: El mundo sigue. El propio director Fernando Fernán-Gómez explicó sobre su película: “Pensé que quedaría muy cómico rodar una película como el neorrealismo italiano, pero en el que la gente cantara de manera tan lírica y ridícula como en la zarzuela. Un musical absolutamente contrario a los norteamericanos.“ La sinopsis es la siguiente: Un pequeño pueblo de provincias vive sometido a los caprichos de Don Justino, el cacique local. Éste obliga a la joven y encantadora Mariana a casarse con él, aprovechando que Juan, el sobrino de Don Justino y novio de la chica, está lejos cumpliendo el servicio militar. A su regreso, Juan se ve burlado y acude a una bruja para que le asista en su venganza. Se trata de una película muy alocada, original e interesante, repleta de humor y de dobles sentidos. Un guión escrito de forma muy inteligente que sabe sacar jugo a todas las escenas a base de humor blanco y negro, con muy mala leche pero de forma sutil. Rodada en 1976 con el sistema franquista todavía vigente aunque ya en decadencia, Fernán-Gómez logró crear un film lleno de frescura, sin anacronismos, encomiablemente rupturista, y de un enorme potencial metafórico, repleto de esperpento y escenas grotescas. En la de por si especial y gran filmografía del nunca suficientemente valorado Fernando Fernán-Gómez, éste es uno de sus películas más especiales, donde saca a relucir su faceta más mordaz y desquiciada en estado puro, incluyendo escenas cómicas musicales a modo de parodia, en la que vuelve a mostrar de nuevo su particular visión del mundo rural. El reestreno de ¡Bruja, más que bruja! se ve enturbiado tan solo con la reciente muerte de Emma Cohen, la viuda de Fernán-Gómez, y Paco Algora el pasado mes de marzo. Pero no hay mejor forma de homenajearlos que reestrenando esta película con sus grandes interpretaciones, junto a las del resto del magnífico reparto. En definitiva, una comedia muy recomendable. Con más aciertos que fallos, se trata de una película española muy singular que merece la pena descubrir. Vuelve a las salas de cine de la mano de SHERLOCK FILMS. Aquí el...

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Les amigues de l’Àgata: el arte de capturar un instante
Jun21

Les amigues de l’Àgata: el arte de capturar un instante

Les amigues de l’Àgata es uno de esos milagros que llegan de vez en cuando al cine y ofrecen una gran frescura. Fruto de un trabajo  de final de carrera, y producido mediante crowdfunding, se trata de un fabuloso debut de cuatro graduadas en Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra: Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen. El nombre de las cuatro aparece conjuntamente en los apartados de los créditos de directoras, guionistas, montadoras y directoras de fotografía: un trabajo artesanal y muy personal realizado con cariño por parte de todas ellas, rodando incluso en sus respectivas casas. Un proyecto apadrinado además por los realizadores Isaki Lacuesta y León Siminiani. Y lo que iba a ser un cortometraje se transformó en un largometraje de 70 minutos que ha alcanzado las salas de cines y cosechado éxito por donde ha pasado. En la edición del Festival D’A en Barcelona del año pasado se alzaron con el Premio del Público, siendo una de las películas revelación. La película se centra en captar un instante, un cambio, un primer extrañamiento del que había sido su íntimo entorno afectivo hasta el momento por parte de una joven de 19 años. Ágata es una chica que estudia primero de Humanidades en Barcelona, y sigue manteniendo un fuerte lazo que en su día parecía inquebrantable con sus amigas del instituto. Pero esta relación, de forma involuntaria, empieza a cambiar bajo las nuevas perspectivas de la vida, al iniciar un nuevo ciclo en la universidad y entablar nuevas amistades que abren nuevos horizontes e inquietudes. Las directoras decidieron contactar desde buen inicio del proyecto con las cuatro actrices que iban a dar vida a Ágata, Carla, Ari y Mar, para poder trabajar con ellas los personajes y que les pudieran dotar de vida propia ellas mismas. Así fue como surgió el contacto con las actrices Elena Martin, Carla Linares, Marta Cañas y Victòria Serra, que se fueron familiarizando con sus respectivos papeles hasta hacerlos suyos. Y la magia del film recae precisamente en la maravillosa naturalidad dramatúrgica lograda por parte de las actrices. Las directoras les dejaron libertad para improvisar en las escenas una vez interiorizaron a sus respectivos personajes, y tan solo les dieron las instrucciones de a dónde tenían que llegar en cada escena, dejándoles a las actrices crear el camino para ello. Y el resultado es un éxito: una agradable sensación de que todo resulta espontáneo, natural, cercano e íntimo. En palabras de las directoras: “Queríamos que cada escena estuviese en estado de suspensión, como si fuese un recuerdo.” Les amigues de l’Àgata es una película sencilla, cuya magia recae precisamente en los pequeños detalles, tales como los gestos, pausas y elipsis. Se trata de una obra sin artificios,...

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Idol: la voz oprimida del pueblo palestino
Jun18

Idol: la voz oprimida del pueblo palestino

Hany Abu-Assad es un director palestino a tener muy en cuenta, con gran proyección. Autor de dos obras importantes que fueron nominadas al Oscar a mejor película de habla no inglesa, Paradise Now y Omar, es un director que aprovecha siempre para plasmar en sus películas una mirada crítica con la dura situación de su país, y las injusticias que sufre. Es por ello que sus fans puedan quedar algo sorprendidos con su nuevo film, Idol, donde el director palestino muestra su parte más sensible en un film de una gran carga emocional. Pero en el fondo su mirada crítica sigue bien presente, diseccionando Gaza de una forma distinta. La voz oprimida del pueblo palestino a través de la historia real de Mohammed Assaf. La historia es narrada mediante dos saltos temporales, en primer lugar se centra en una parte importante de la infancia de Mohammed Assaf, y posteriormente ya en su edad adulta, cuando decide presentarse al concurso Arab Idol a cualquier precio, a pesar de los obstáculos. Se trata de una historia basada en hechos reales, una historia de superación, junto a la gran presión además de cargar con la ilusión de todo un pueblo. El film viene a ser a su vez una especie de metáfora sobre la voz del pueblo palestino. Los inicios de la carrera musical del protagonista empiezan ya en su infancia, cuando su hermana les insta a crear una banda, a pesar de las grandes dificultades de conseguir instrumentos en dicho entorno en el que viven, y de los problemas personales y sociales. “Prefiero limpiar mi riñón, que limpiar mi casa.” Y de telón de fondo, cuando nuestro protagonista ya es adulto, tenemos la Gaza del 2012. Ruinas por doquier, una mirada de la ciudad devastada. Y unos chavales haciendo parkour entre las ruinas.  La cruda realidad de Gaza con sus calles polvorientas y el bloqueo de Israel están latentes siempre en el trasfondo.  Y en el fondo, la realidad supera la ficción, y es que a día de hoy Assaf Mohammed sigue necesitando un permiso especial para entrar o salir de Gaza, a pesar de haber sido nombrado embajador de la paz en la Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina en Oriente Próximo, una organización de las Naciones Unidas que proporciona y atiende el desarrollo, la educación, la salud, los servicios sociales y la ayuda de emergencia a más de cuatro millones de refugiados palestinos. La película en su conjunto es un poco irregular, pero merece la pena ser vista porque ante todo es honesta, y demuestra que de los escombros de la guerra todavía pueden surgir películas encantadoras como ésta. “Yo solo quiero que mi voz...

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‘Espías desde el cielo’: Los drones, la nueva guerra burocrática desde la seguridad de un sillón
May22

‘Espías desde el cielo’: Los drones, la nueva guerra burocrática desde la seguridad de un sillón

Espías desde el cielo es un thriller muy interesante, que pretende invitar al espectador a reflexionar sobre un tema de actualidad sobre el cual todavía no ha recaído un debate serio y necesario a gran escala: el uso indiscriminado de los drones militares. “La verdad es la primera víctima de la guerra.” Sinopsis: La coronel Katherine Powell (Helen Mirren), una oficial de inteligencia que opera desde Londres, dirige a distancia una operación de alto secreto con drones para capturar a un grupo de peligrosos terroristas en su piso franco de Nairobi, Kenia. Sin embargo, cuando Powell se da cuenta de que los terroristas se preparan para emprender una misión suicida, se ve obligada a cambiar la operación de “capturar” a “matar”. Desde su base de Nevada, el piloto de drones estadounidense Steve Watts (Aaron Paul) se dispone a destruir el piso franco, cuando una niña de nueve años se mete en la zona que quedaría arrasada por el ataque. Al entrar en la ecuación daños colaterales imprevistos, la dura decisión de cuándo atacar va pasando a niveles superiores del escalafón de políticos y abogados, mientras el tiempo para tomarla se va agotando. Espías desde el cielo fascina por un lado por la demostración que hace del impresionante y a la vez aterrador avance tecnológico de los drones para tareas de espionaje, con un par de escenas inolvidables. A pesar de que su guión tiene momentos que resultan muy forzados y poco creíbles, considero adecuado remarcar sus buenas intenciones buscando crear un debate y reflexión entre los espectadores sobre un tema tan importante de nuestra actualidad: el uso militar de drones. Mientras nosotros observamos la película en el cine, allá fuera las fuerzas militares de las grandes potencias militares, especialmente las de los EEUU, están matando personas con sus drones de guerra, y todo desde la comodidad y seguridad de un sillón. La nueva guerra de nuestro siglo, donde un puñado de líderes militares y/o políticos deciden hacer por su cuenta de justicieros del mundo, y matan a personas a miles de kilómetros de distancia de sus países argumentando que persiguen terroristas o ‘gente mala’, pero lo cierto es que mueren miles de inocentes constantemente por ello. Recomiendo por ello encarecidamente ver a su vez el documental (cuando se estrene algún día) de National Bird, en el cual se disecciona el programa de los drones de los EEUU, destapando entre otras cosas que matan alrededor de 80.000 personas anuales con ellos.  Pero, ¿se pueden medir los daños colatelares de los drones en términos utilitaristas? ¿O una sola vida inocente debería ser suficiente para no emprender tales acciones? El debate moral está servido. El film cuestiona...

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Kike Maíllo: “Enseñar una película es como desnudarte delante de alguien por primera vez”
Abr24

Kike Maíllo: “Enseñar una película es como desnudarte delante de alguien por primera vez”

Toro (Kike Maíllo, 2016) es la historia de cuarenta y ocho horas frenéticas en las que dos hermanos se reencuentran. Uno de ellos desea hacer las cosas bien, está a punto de acabar con éxito esa segunda oportunidad que le brinda la sociedad y la vida; el otro, con un problema muy grave por el que se ve obligado a pedile ayuda. Ese lapso de tiempo, en ese camino hacia la recuperación, hacia la bendición, les llevará al extremo, en el que tendrán que tomar decisiones radicales. Su director define su filmografía como muy europea y, a diferencia de su predecesora, Eva¸ nos cuenta que “Toro sí que parece una película española, plagada de símbolos patrios y de cosas y lugares reconocibles”. Sobre el futuro, confía en que el cine es un diálogo con el espectador y que sus proyectos serán reacciones a sus anteriores trabajos. Hoy charlamos con Kike Maíllo, Goya a la Mejor Dirección Novel en 2012. Toro es una gran producción, con un gran director y un gran reparto. ¿Cuál es el margen de mejora en proyectos como este? Yo vengo de un mundo de escuela y allí se hacen películas muy pequeñitas. Con esto quiero decir que cuando afrontas un proyecto, sea del presupuesto que sea, uno lo hace como la película que quiere contar y lo que está en debate es qué utensilios o herramientas va a necesitar uno para contar bien la historia, independientemente del presupuesto. Con cintas como Toro el cine español indaga cada vez más en las realidades más oscuras de la geografía española. ¿De dónde nace esta historia escrita por Fernando Navarro y Rafael Cobos? En las primeras reuniones que tuvimos con Fernando Navarro, al que acababa de conocer después de la promoción de Eva, indagamos en qué película nos gustaría escribir juntos. Nos enamoramos de un personaje que se tomaba la justicia por su mano, violento, que tenía un punto iracundo y ese es el personaje de Toro. Fuimos tirando del hilo y cuando estábamos escribiendo la primera versión, pensamos en la idea de incluir a Rafael Cobos, que era un buen amigo de Navarro y había escrito varios thrillers para Alberto Rodríguez, en los cuales la idea del sur y de la tierra estaba muy patente en sus personajes. Intentamos traer algo de eso a nuestra película, que pasara concretamente en un lugar, que no fuera una película internacional y deslocalizada. Antonio Pérez, uno de los productores de esta película, habla de ella como un thriller con sabor coreano y como director, posees un estilo ambicioso y contemporáneo, sin ningún miedo a competir en géneros que antes creíamos...

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Toro: un thriller de acción crudo y violento
Abr19

Toro: un thriller de acción crudo y violento

Tras los estrenos de las películas españolas de Paco León y Pedro Almodóvar, llega a nuestros cines otra película española muy distinta: Toro, un thriller de acción frenético, con bastantes dosis de violencia y crudeza. Se trata del segundo largometraje de Kike Maíllo, que en sus inicios realizó un cortometraje interesante llamado Los perros de Pavlov (2003).  En Toro, Kike Maíllo muestra su cinefilia a base de utilizar en su film una gran cantidad de referencias cinematográficas de otras películas, bastantes de ellas usadas con gracia y acierto. Pero la fuente predominante de inspiración es la de Nicolas Winding Refn, el prestigioso director de Drive. “España es así, un país de malos hermanos.” A modo de breve sinopsis, Toro narra la historia de tres hermanos que trabajan para un gángster español que goza de mucho poder (interpretado por José Sacristán). Tras un incidente en el que debía de suponer el último encargo por parte de Toro, dos de los hermanos (interpretados por Mario Casas y Luis Tosar) se vuelven a reencontrar transcurridos 5 años, y se unen para intentar solventar una delicada situación. Pero tarde o temprano aparecen las viejas heridas del pasado… “El pasado siempre vuelve.” Si se le puede recriminar algo a Toro, es principalmente el guión, que flaquea un poco a veces y no profundiza tampoco demasiado en los personajes que interpretan magníficamente el trío de actores protagonistas, haciendo que se pierda un poco el potencial que tenían sus personajes. Pero lo compensa con otros bastantes detalles interesantes y vistosos. A su vez, aprovecha para dejar caer frases que se pueden extrapolar fuera del contexto de la película, que sirven para criticar o reflejar la realidad española. “Mala memoria, el otro gran defecto de este país.” Una de las virtudes de Toro es su cuidada estética que bebe de la influencia de Refn, lo que siempre es bueno. La película goza de una gran fuerza visual. Además, a pesar de algún que otro defecto, lo cierto es que a grosso modo la película y sus cuantiosas escenas de acción están bien rodadas y montadas. Discutible resulta quizá la necesidad de las escenas rodadas en cámara lenta. Mención especial merece a su vez Mario Casas, realizando una interpretación convincente y creciendo cada vez más como actor. Como defecto, podríamos citar el fallido uso de los temas y símbolos religiosos, que podría haber dado más juego y se podría haber exprimido más y mejor, pues queda como algo muy superfluo y sin mensaje alguno en el film. Considero que le podría haber dado mucho potencial a la historia, y se podría haber utilizado a su vez para criticar la doble moral de los gángsters que suelen aferrarse a la religión cristiana, sobre todo en nuestro país donde la misma...

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Cantinflas: Ahí no está el detalle, chato
Abr17

Cantinflas: Ahí no está el detalle, chato

El parecido entre Charles Chaplin y Mario Moreno Reyes empieza y acaba con un único rasgo en común. Ambos dedicaron su vida a amasar una considerable fortuna económica -y labrarse una leyenda artística- exaltando paradójicamente las virtudes de la humildad en los estratos sociales más desfavorecidos. La incansable verborrea del pelado frente al silencio forzoso -y más tarde voluntario- de un Charlot confinado por los grilletes del cine mudo obró de forma parecida en la construcción de dos mitos, el del genio británico que hablaba sin hablar y la gestualidad hipertrofiada del genial cómico latino. La autoexclusión de otros registros ajenos a los personajes que los transformaron en estrellas -o al menos así fue durante gran parte de la vida de Chaplin– los convirtió también en iconos del entretenimiento para las masas, héroes adorados por el pueblo y un símbolo de orgullo para las clases humildes que se veían reflejadas en sus criaturas más reconocibles, el buscavidas con bigotillo entrecortado y pantalones raídos y el pequeño vagabundo de buen corazón. La diferencia entre uno y otro estriba en el cariz subversivo y poético que el realizador de la Quimera del Oro (1925) y El Gran Dictador (1940) supo alcanzar con su obra desde que tuvo la oportunidad de sentarse detrás de la cámara y viajar más allá del bombín y los andares de pingüino. Charles Spencer Chaplin se afianzó como una de las mayores personalidades del siglo XX  en todo el planeta mientras que Mario Moreno Reyes jamás pasó de ser un entrañable cómico de carpas al que la comunidad hispanoparlante elevó a la categoría de ídolo popular. Ahí está el detalle. Otro nexo que une a dos de los clowns más famosos de la historia del cine ha sido el idéntico tratamiento que se ha dado a sus vidas al llevarlas a la pantalla, tanto que por momentos tienes la sensación de asistir a un desarrollo casi exacto al de la película de Richard Attenborough. Cantinflas se alimenta más del personaje que conocemos de puertas a fuera que de la personalidad real que mostró detrás de las cámaras y los focos, y no puedes evitar torcer el gesto ante un retrato demasiado complaciente, lineal, falto de riesgo y con cierta dejadez escénica que Sebastián del Amo pretende remontar con el incentivo de los cameos de rostros conocidos de la época dorada de Hollywood y el cine mexicano. ¿Pero de qué sirve introducir a Elizabeth Taylor, David Niven, María Félix, Yul Brynner o el propio Chaplin en un mismo relato si están interpretados por actores que no se les parecen en nada y a los que cuesta reconocer? Mario Moreno ‘Cantinflas’ y… ¿María Félix?...

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Julieta: una historia de culpa y redención, por Almodóvar
Abr07

Julieta: una historia de culpa y redención, por Almodóvar

El prestigioso director manchego regresa a nuestras pantallas con su nuevo film, Julieta, volviendo al registro melodramático (aunque se acerca más al drama en esta ocasión, tal y como defiende el mismo Almodóvar), tras sus incursiones en el thriller psicológico con La piel que habito (2011) y el regreso a los orígenes de sus comedias alocadas mediante Los amantes pasajeros (2013). Julieta es probablemente una de las mejores películas en la filmografía de Almodóvar, y en cualquier caso, la más madura. Julieta supone un viaje introspectivo al pasado. Emma Suárez y Adriana Ugarte -gran trabajo interpretativo por parte de las dos actrices- encarnan ambas a Julieta, en dos momentos temporales distintos, con una diferencia de unos 30 años. Cabe destacar la escena en la que se relevan, resuelto de forma tan sutil como inteligente, y creando una dura y a la vez bella metáfora sobre el paso del tiempo. Los fantasmas del pasado vuelven a aflorar en la vida de Julieta de pronto, y ésta se ve en la necesidad de poner por escrito todo lo sucedido en la vida de su hija, desde el día en que conoció a su padre, Xoan, durante un viaje en tren. Con este recurso narrativo, vamos indagando en las cicatrices del pasado de Julieta. La película cuenta con un preciso guión -que hace una adaptación libre de los relatos “Destino”, “Pronto” y “Silencio” de la Premio Nobel de literatura canadiense Alice Munro-, y una de sus virtudes es precisamente su buen ritmo narrativo. Todo está perfectamente hilado, y Almodóvar logra adentrar al espectador, sin necesidad de sensacionalismos ni giros de guión alocados, en una dura historia de culpa y redención, narrada con gran sensibilidad pero también con contención. “Tu ausencia llena por completo mi vida, y la destruye.” Como es habitual, el director manchego utiliza como color principal en su expresiva paleta de colores, el rojo, que predomina a lo largo de todo el largometraje, seguido del azul. La estética está cuidada al milímetro, y hay composiciones verdaderamente bellas. Tiene una gran presencia el mar, el cual emplea a su vez para algunas metáforas. Julieta es básicamente una película sobre el dolor, la pérdida, la culpa, y principalmente el silencio. Como anécdota, la película iba a llamarse de hecho Silencio, pero debido a que Martin Scorsese se hallaba ya rodando su nuevo film con el mismo título, Silence, Almodóvar se vio obligado a cambiarlo. Con Julieta, Almodóvar regresa con un drama serio y contenido, y con un estilo renovado. “Quise que viviéramos lejos de la culpa. Y a pesar de mi silencio, te la contagié como un...

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Calle Cloverfield 10: preciso y absorbente thriller psicológico
Mar23

Calle Cloverfield 10: preciso y absorbente thriller psicológico

Todo lo que rodea a Calle Cloverfield 10 resulta intrigante. Hasta su misma campaña de marketing llena de secretismo, que no reveló nada de la película hasta dos meses antes de su estreno. El artífice detrás de esto ha sido básicamente J. J. Abrams, quien se ha encargado de la producción del film. La magia de la película recae en ir a verla sin saber demasiado de ella, por lo que voy a omitir decir nada sobre el contenido del argumento de la misma en esta crítica, por lo que quién no la haya visto todavía puede seguir leyendo sin preocuparse. Aclarado esto, cabe destacar en primer lugar que Calle Cloverfield 10 es un thriller psicológico magníficamente hilado, y totalmente imprevisible. Logra mantener al espectador en una tensión constante, haciéndole dudar en todo momento sobre qué debe ser verdad y qué no. El guion destaca por su originalidad dentro del género, y por su gran construcción y precisión de las situaciones, sus constantes puntos de giro inesperados, y su gran elaboración de los personajes. Si bien la película nace de una premisa que parece bastante sencilla, la misma logra construir con rapidez una absorbente atmósfera de intriga, claustrofobia y paranoia, de la que no se libra el espectador hasta el final del film. Y la banda sonora por parte de Bear McCreary no hace más que aumentar esa tensión constantemente. Por otro lado, también contribuyen a ello los actores, que han realizado un fabuloso trabajo interpretativo, sobre todo el inigualable John Goodman, que me atrevería a decir que realiza aquí una de las mejores interpretaciones de su carrera. Ya solo por él, merece la pena ver el film. En cualquier caso, nos encontramos ante un brillante debut por parte de Dan Trachtenberg, que ya sorprendió con su cortometraje de Portal: No Escape. Ha logrado crear una película con estilo, extraña, precisa y original, que no dejará indiferente a nadie -ni siquiera a sus detractores-. Porque el final puede no gustarle a todos, pero resulta en cualquier caso un final imprevisible, inesperado y desconcertante. Puestos a criticar negativamente algo, podría criticarse la mala intención de su título, que puede resultar engañoso buscando una relación con Cloverfield (2008), pues entre ambas no hay conexión alguna. ¿O sí? Para buscar una respuesta, invito a ver la película y disfrutar de la experiencia, pues la película es básicamente eso, una experiencia cinematográfica de claustrofobia, paranoia y suspense psicológico, con toques conspiranoicos, que te mantiene en tensión en todo momento gracias a lo poco previsibles que resultan sus sorpresas...

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Mustang: poesía estéril
Mar15

Mustang: poesía estéril

Hay asuntos que no caben en la mochila de esos directores que prefieren irse a predicar al desierto con la espalda más cargada de desapercibibles intenciones que de reivindicaciones indisciplinadas. Hay miradas negligentes que apuntan a la dirección equivocada y hay ciegos que, lazarilleando a otros tullidos, caen en su mismo hoyo. Hay voluntades prostituidas -por lo prostituíble de su ambición-, pretensiones entecas y sesgos de miserabilismo. Hay muchas ganas de pasar a la posteridad aunque luego a uno la posteridad le eche a patadas de su casa por vendehúmos; mucho artista de corta crianza y mucha actitud de dudosa aptitud… y en ese estéril desierto se ha concebido el insustancial guión de Mustang. El drama vivido por las cinco hermanas protagonistas podría haber servido de anécdota perfecta con la que emprender un viaje más arriesgado. Más al contrario, la dócil dirección prefiere instalarse en la simpleza de un ideograma, azucarando la realidad con cuestiones más domésticas y sobre todo más cutáneas, impidiendo que ningún personaje adquiera dimensión dentro de ese contexto también carente de resonancia. La mansa Deniz evita en todo momento ponerse seria a la hora de señalar culpables. Se ve que ni la política, ni la cultura, ni la religión tienen la fotogenia estival de un puñado de lolitas...

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Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016
Mar02

Fuocoammare: Oso de Oro de la Berlinale 2016

La Berlinale, con su conocida reputación de ser un festival de cine de cariz político y que suele premiar las buenas intenciones, ha galardonado en esta ocasión con el Oso de Oro a Fuocoammare, la nueva película del director italiano Gianfranco Rosi. Seleccionada por ello también en la sección de Perlas de la 64 edición del festival de San Sebastián. Fuocoammare combina documental y ficción para plasmar la vida en Lampedusa,  el punto más meridional de Italia, que desde 1990 se ha convertido en un lugar masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. Por un lado muestra la vida cotidiana de algunas personas de la isla, principalmente desde la perspectiva inocente de Samuel, un chico de doce años muy carismático y de una increíble presencia cinematográfica, y por el otro lado, el de los inmigrantes y refugiados africanos, que huyen de mil horrores para intentar alcanzar la que supone su última esperanza. Repitiendo el estilo de su anterior documental, Sacro GRA, con el cual Rosi se alzó también en 2013 con el León de Oro en el Festival de Venecia, Fuocoammare plasma con una mirada muy humana la vida en Lampedusa, una pequeña isla mediterránea con alrededor 6.000 habitantes, que ha visto en los últimos 20 años como llegaban a sus costas alrededor de 400.000 inmigrantes africanos, en embarcaciones en muy pésimas condiciones, y contabilizando por desgracia más de 15.000 muertos en dichos intentos. La idea inicial de Rosi era el de realizar un cortometraje de 10 minutos, pero cuando fue a Lampedusa en persona, y empezó a conocer a las personas y ver la realidad existente allí, y sobre todo tras hablar con el médico de la isla que lleva muchos años ocupándose de todos los inmigrantes que llegan a las costas en malas condiciones, se dio cuenta que tenía que realizar un largometraje. En palabras del director: Viviendo allí me percaté de que el concepto de emergencia carece de sentido. Cada día allí es una emergencia. Cada día sucede algo. Para comprender el verdadero sentido de la tragedia necesitas estar cerca de ella y tener contacto continuo. Solo de este modo fui capaz de comprender el sentimiento de los isleños, quienes han estado viendo esta constante tragedia de los inmigrantes repetida una y otra vez durante más de veinte años. Y es que en el fondo, nadie quiere dejar su país de origen y toda su vida atrás. Los valientes que lo hacen, lo hacen básicamente por desesperación y desesperanza, y se juegan sus vidas por alcanzar nuestras costas en busca de una vida mejor que no pueden encontrar en su país. Gianfranco Rosi dijo en la rueda de prensa precisamente en esta dirección, que lo...

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La Gran Apuesta: o cómo arriesgar comprando la entrada sin salir decepcionado
Feb21

La Gran Apuesta: o cómo arriesgar comprando la entrada sin salir decepcionado

“La verdad es como la poesía. Y la mayoría de gente odia la puta poesía.” – frase escuchada en un bar de Washington, D.C. Quitando lo acertado o desacertado de la cita arriba escrita, la cual aparece en la película sobreimpresa en un momento dado y cuyo supuesto origen es el señalado (invención absoluta de su guionista que no encontraba una frase en la historia de la humanidad que le gustara para ese momento de la peli), lo que me interesa después de ver La Gran Apuesta es intentar resaltar el mérito que tiene tratar un tema ya conocido y odiado por muchos, con personajes que, aunque no conozcamos y a simple vista pensábamos que serían unos desalmados miserables, resultan muy interesantes y más listos que los demás. Porque no nos engañemos: cuando uno va a ver una película sobre un pasado que ya conoce -y más siendo tan reciente- suele ir un poco desconfiado y de mala gana. Es un poco decir: “Pero si ya sé cómo acaba, de qué me sirve y para qué voy a pagar”. Ejemplos típicos serían las pelis de la Segunda Guerra Mundial, donde por muy mal que vayan las cosas sabes que los yanquis al final van a ganar, o los intentos de atentado contra Hitler, que de seguro sabes que fracasan, o la peli del Titanic, puesto que si te importa poco la historia de amor ya sabes desde el principio que lo más relevante es que el barco se hunde, etcétera, etcétera, etcétera. Pero aquí, aunque sé cómo de mal va a terminar la historia, consigo quedarme enganchado a ella. Me sorprendo viéndome sufrir por saber si sus protagonistas seguirán con su idea adelante apostando en contra de los famosos CDOs o si vale la pena lo que hacen con tal de joder a los bancos. Y puesto que el film de alguna forma intenta buscar la honestidad (y no la encuentra por ningún lado), quiero intentar ser lo más honesto posible ante un film que me ha dejado mejores sensaciones de las que esperaba y me ha dado más de una sorpresa. No he visto ninguna película anterior de su director, Adam McKay, y dudo que lo haga, teniendo en cuenta que no veo nada destacable o relevante en su filmografía; y menos aún conociendo que casi todas están protagonizadas por Will Ferrell, a quien me cuesta más tragar que a Grecia su deuda (con todo el respeto los fans). Yendo a por más confesiones, y tomando una referencia como comparación, diré que debí ser de los pocos que se sintió decepcionado hace un par de años con El Lobo...

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¡AVE CÉSAR!: Los Coen a medio gas
Feb18

¡AVE CÉSAR!: Los Coen a medio gas

A estas alturas pocos directores levantan tanta expectación cuando presentan nueva película como los hermanos Coen. Sólo unos cuantos se me vienen a la cabeza (quizás Scorsese, Paul Thomas Anderson y puede que algún otro). Y menos directores, aún, hay que sean tan originales y sorprendentes como ellos. En una carrera que ya supera los 30 años, han tocado todos los géneros posibles, por lo tanto, adivinar qué es lo próximo que nos van a ofrecer, se antoja harto complicado. En esta ocasión vuelven a la comedia, formato estrella en su filmografía, que les ha reportado grandes satisfacciones profesionales. Y si bien sus últimos trabajos tienen algunos retazos, ¡Ave César! es un ejercicio completo en este estilo. “Un tipo serio” (2009) se acerca más a la tragicomedia, a la comedia negra entre medias de un drama de tintes épicos menores. “A propósito de Llewyn Davis”, de 2013, tiene ese aire de nostalgia que tan bien saben impregnar los Coen, pero los momentos cómicos se reducen a pinceladas puntuales. Hay pues, que retrotraerse a 2008, cuando se edita el último trabajo cómico íntegro de Ethan y Joel (“Quemar después de leer”). Por eso seguramente es, de  todas sus cintas, la que encuentro más similar a esta nueva entrega. Con un casting de altura, ¡Ave César! es puro entretenimiento, del de palomitas de toda la vida, de los que te olvidas en cuanto sales de la sala del cine. Pero con pedigrí. Y con ese estilo, esa comicidad, ese punto extravagante que les ha definido a lo largo de toda su carrera. El punto de partida es la desaparición de la estrella de la nueva película que se rueda en Hollywood. Ese Hollywood de los años 50. A pocas escenas para que el rodaje termine, el personaje que encarna George Clooney desparece y el jefe de la productora (Josh Brolin) se encuentra sin su máxima estrella y con la prensa husmeando. Esta es la trama principal pero no la única. Los hermanos Coen abordan otras pequeñas subtramas que sirven de inmersión en la época dorada Hollywood pero que hacen que el todo quede algo deslabazado, que la película sea una sucesión de escenas, algunas brillantes, eso si, pero que dejan al espectador con la sensación de que más bien ha visto el piloto de una serie de televisión y que los directores volverán a contarnos más sobre estos personajes. De todas estas escenas que rodean el escenario principal, el que mejor parado sale es Alden Ehrenreich. Practicamente un desconocido para el gran público, sus escenas son las que más carcajadas han sacado del respetable, sobre todo la que comparte con Ralph Fiennes, que da vida...

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Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb14

Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La 66. edición de la Berlinale ya está en marcha, y el Jurado presidido por Meryl Streep está ya visionando las primeras películas de la Sección Oficial de este año. Las grandes sorpresas por ahora han sido Fuocommare, 24 Weeks y Midnight Special, de las cuales hablaré más detenidamente en la próxima crónica. En general, la Sección Oficial está siendo bastante buena, con películas muy variadas e interesantes cada una a su manera. La película inaugural fue Hail, Caesar! de los hermanos Coen, que regaló muchas risas tanto durante la proyección como en la rueda de prensa. No obstante, su nuevo film está fuera de competición. Podéis leer la crítica aquí: https://revista.tviso.com/hail-caesar-version-romantizada-coen-del-hollywood-de-los-50/ Y a continuación podéis leer la crónica de las cuatro siguientes películas: Cartas da guerra, Inhebek Hedi, L’Avenir y Boris sans Béatrice (la única que no ha terminado de convencer por ahora).     Cartas da guerra, de Ivo M. Ferreira La película del director portugués, basada en la novela de António Lobo Antunes, invita al espectador a experimentar una película antibélica bastante distinta al resto, sustentada en la poesía, el intercambio de cartas narradas con voz en off, y con la belleza y el estilo visual similar a Malick pero con una portentosa fotografía en blanco y negro. Sustenta su mensaje antibélico no mostrando la violencia de la guerra, sino todo lo contrario, plasmando con sobrecogedoras imágenes precisamente la antítesis de la guerra: la gran belleza de la naturaleza y los agradables momentos de paz y tranquilidad. Pudiendo disfrutar de esto ¿qué sentido tiene la guerra? “Esta guerra nos convierte a todos en insectos, que luchan por la supervivencia” escribe el joven médico militar António en una de sus cartas a su mujer embarazada en Portugal, durante la guerra colonial en Angola, en enero de 1971. Son palabras de dolor y sinceridad, que contienen a su vez una profunda melancolía para con su querida y su bebe que está a punto de nacer. En sus constantes cartas, leídas por su mujer, António realiza un boceto del día a día en territorio desconocido: el progresivo descubrimiento de la fascinante naturaleza, los encuentros con los nativos, el cuidado de una niña huérfana, y nos hace cómplices de sus sentimientos y pensamientos. Pero inevitablemente, también haz momentos en los que la guerra muestra su verdadera cara. Cartas da guerra resulta en cualquier caso una película muy interesante, en el que se recogen algunas de las cartas auténticas de António Lobo Antunes, combinando realidad e imaginación por parte de Ivo M. Ferreira. Con una hipnótica fotografía en blanco y negro, el director portugués nos regala un poético ensayo, en el...

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The Voices: El extravagante destripador Dolittle
Feb13

The Voices: El extravagante destripador Dolittle

La realizadora y dibujante iraní Marjane Satrapi, autora de The Voices, era la última opción que hubiese barajado si me dicen que a estas alturas de la película aún me quedaba por descubrir un tesoro tan retorcido, creepy e inesperadamente festivo dentro del baúl de comedias que mezclan el humor negro con el nervio gore. Lo primero que cualquier adepto a la historietista de Persépolis y Pollo con Ciruelas percibe en su tercera película -tras las adaptaciones de sus propios cómics- es una mayor dosificación de la aflicción como leitmotiv argumental tanto en el dibujo de personajes que alimentan el relato como en la intención del mismo al revolver lo divertido con lo macabro. Aunque a priori pueda venirnos a la memoria la misma premisa argumental que en Maniac (1980, William Lustig), más que un remake al uso -como el de Alexandre Aja, hace un par de años- The Voices nace con la vocación de convertirse en una variación tomada a guasa de esa misma fórmula. La particularidad aflora cuando la complicidad con los crímenes cometidos por un introvertido destripador de mujeres se transfiere de unos maniquíes estáticos e inexpresivos a un gato y un perro que saben hablar y a los que presta su voz el propio Reynolds. Como en la cinta original de Lustig, las cabezas parlantes y decapitadas de las difuntas ex amantes de un demente actúan como la voz de su enajenada conciencia, empujándolo a matar, decapitar y acumular nuevos trofeos para su colección… Los puntos fuertes que revelan una vitalidad casi anárquica y el descontrol creativo de Satrapi como dibujante fluyen a través de los propios títulos de crédito, un par de guiños animados mezclados con imagen real y el maravilloso cierre final construidos con retazos de abundante humor negro y un curioso sentido del optimismo empleado paradójicamente para reírnos de la muerte. Marjane Satrapi no sólo no pierde su identidad al saltar al terreno hollywoodiense, sino que la embadurna de una paleta aún mayor de mala uva y agudez macabra mucho menos sutil que en sus anteriores trabajos. Aunque tampoco resultaría coherente comparar tres películas tan diferentes entre sí. No busques en The Voices (casi) nada de lo que te gustó en Persépolis y Pollo con Ciruelas. Simplemente sal a la calle y disfruta de la noche, descuartiza a alguien, destripa, corta cabezas… y no te olvides nunca de sonreír. ¡¡Sing a happy...

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The Revenant: absorbente epopeya de supervivencia y venganza
Feb04

The Revenant: absorbente epopeya de supervivencia y venganza

El actual dúo de oro que arrasó el año pasado con Birdman, Alejandro González Iñárritu y Emmanuel Lubezki, vuelve a la carga con una apuesta todavía más ambiciosa si cabe que la predecesora, mediante un blockbuster de autor: The Revenant (El Renacido). Y está siendo la principal protagonista del año en la carrera de los grandes premios, por mérito propio. En palabras de Pablo Kurt que comparto en su totalidad, The Revenant supone un zarpazo cinéfilo a los ‘blockbusters’ de pacotilla. The Revenant es una película de aventuras pura y dura, dotada de un gran realismo y de momentos de mucha crudeza. Una película que no pretende invocar al intelecto, sino que busca ser una experiencia sensorial sustentada en su enorme poderío visual, envuelta en una historia de supervivencia y venganza bastante simple, aunque repleta de adversidades (y guiños cinematográficos, como a Dersu Uzala, por nombrar alguno). En este caso, el guión no ha sido más que una excusa para Iñárritu para embarcarse en un proyecto de gran envergadura a partir de una historia basada en hechos reales, con el objetivo de hacer de nuevo, como en gran parte de su filmografía, otro duro retrato del hombre, solo que en este caso sin demasiada trascendencia más allá de mostrar la increíble resistencia humana en condiciones casi insoportables. Pero igual que sucediere con Gravity -por nombrar un símil cercano- su fuerza no recae en su contenido, sino en su forma y espectacular poderío visual; “prueba” de ello es que entre las cuantiosas 12 nominaciones a los Oscars no encontramos la de guión. Aunque lo único que une realmente a Gravity con The Revenant es la maestría del seguramente mejor director de fotografía de las últimas décadas: Emmanuel Lubezki, que tras ganar el Oscar con las citadas Gravity y Birdman, tiene de nuevo todos los números para llevarse por tercer año consecutivo la estatuilla a su casa, y ello además con tres registros completamente diferentes los unos de los otros. Y dado que es uno de los principales protagonistas de la película, le dedicaré especial atención más adelante. La película empieza con una espectacular puesta en escena, del todo inolvidable. Ubicados en las profundidades de la América salvaje a principios del 1800, el explorador Hugh Glass (interpretado por Leonardo DiCaprio) se encuentra inmerso junto a su hijo mestizo Hawk en una expedición de tramperos que recolecta pieles, cuando de repente su campamento es ferozmente atacado por unos indios indígenas. Resulta absolutamente fascinante la maestría con la que están filmadas estas secuencias iniciales y sus fabulosas coreografías. Se trata de una puesta en escena de gran intensidad, que sitúa de buen comienzo el contexto en el cual se desarrolla la historia y realiza una buena presentación de los personajes ante una situación frenética. Puro arte. Y quien logra crear esa...

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