Miguel Ángel Vivas: “Lo más importante de mi vida es el cine, pero si no disfrutas haciéndolo, dejas de sentirlo”
Oct01

Miguel Ángel Vivas: “Lo más importante de mi vida es el cine, pero si no disfrutas haciéndolo, dejas de sentirlo”

Tienen en común Secuestrados, Extinction e Inside la firma de uno de los directores españoles que más audacia narrativa y mayor competencia técnica ha exhibido en sus trabajos. Uno de los que más ambiciosamente ha construido, con puntería y complejidad, a esos versátiles personajes por los que suele dejarse seducir, permitiendo que sean ellos quienes maticen la esencia del relato, siendo plenamente consciente de que el eje principal de sus trabajos está en el recorrido y no en el resultado. Sin prisas, sin trampas, sin reiteraciones; porque la clave del arte está siempre en la propia concepción, en la búsqueda de lo nuevo y en su condición de necesario. Ya no se estrenan minuciosas películas, corpulentas en lo visual e intuitivas verbalmente. Ya no queda rastro de esas inimitables e infalsificables formas de expresión que mezclaban estética, sustancia y estilo, que gestaron algunas de las ficciones más libres y más prismáticas de la industria. Poco resquicio queda en un efímero hoy que pronto será historia para otra cosa que no sea el engullible entretenimiento exento de inspiración que habita en la periferia del cine, donde el oficio de director ha acabado por consumir al artista, donde toda creación resulta administrativa y procedimental porque de un tiempo a esta parte la experiencia cinematográfica ha dejado de ser epidérmica. No obstante, todas las relaciones son pendulares -a períodos de euforia siempre siguen momentos de depresión- y el séptimo arte tiene pendiente ese regreso triunfal que le reconcilie con un presente que reclama el virtuosismo perdido y el fin del destierro por falta de consonancia. Miguel Ángel Vivas expone, desde la conciencia y la confianza/fé/esperanza, una realidad que conoce bien, componiendo un testimonio abarrotado de salpicaduras referenciales a las que se sobreponen recuerdos y anécdotas que me contagian de verdadero entusiasmo y de cierta nostalgia. Ficción y biografía se mezclarán en su inminente próximo proyecto, del que solo adelanta que será su obra más personal y más dramática, que supondrá una vuelta a sus orígenes y que significará el resultado de una vida entera de indisimulable amor por ese cine en el que se refugió siendo un niño y hacia el que siente una profunda combinación de pasión y agradecimiento: -Secuestrados llega después de un momento de reflexión personal en el que habías decidido abandonar el cine. ¿Qué sucedió para que alguien que afirma que en ese universo encontró una tabla de salvación decida dejarlo? Lo más importante de mi vida es el cine pero si no disfrutas haciéndolo, si no consigues que la experiencia de hacer cine sea maravillosa, dejas de sentirlo. Recuerdo una conversación con Mathew Fox sobre esto mismo:...

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‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico
Sep27

‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico

Darren Aronofsky, director de películas como Pi fe en el caos (1998), Requiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006), El luchador (2008), El cisne negro (2010) y Noé (2014), ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia, y posteriormente en la sección de Perlas del 65 Festival de San Sebastián, su nuevo film mother!, el más ambicioso, frenético, provocativo y críptico hasta la fecha, que tendrá probablemente su horda de haters y de fans, a partes iguales. Su sinopsis es la que sigue: A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. Pero esta sinopsis no es más que la situación narrativa a modo de telón de fondo, puesto que mother! entera es en realidad un cúmulo de metáforas y analogías, aunque bastante crípticas. En palabras de Darren Aronofsky: mother! empieza como una historia típica sobre el matrimonio. En el centro de la historia está una mujer a la que se le exige dar y dar y dar hasta que ya no puede dar nada más. Pero paralelamente, la casa no puede soportar toda la presión hirviendo dentro. Se convierte en algo distinto… Si bien en sus anteriores proyectos, sus guiones se gestaron a lo largo de alrededor de un año, éste nació de forma visceral, tras encerrarse cinco días enteros en una casa vacía. Tras ser preguntado por el motivo de tan oscura visión, su respuesta fue la siguiente: “Es una época loca para estar vivo. Mientras la población mundial se acerca a los 8000 millones nos enfrentamos a problemas demasiado serios que toca considerar: Los ecosistemas colapsan mientras presenciamos extinciones a un ritmo sin precedentes; las crisis migratorias desestabilizan gobiernos; unos EEUU aparentemente esquizofrénicos ayudan a corregir un tratado histórico sobre el clima y meses después se retira;Antiguas disputas tribales y creencias siguen conduciendo a la guerra y a la división; El mayor iceberg registrado jamás se parte en dos en el Antártico y se desplaza hacia el mar. Al mismo tiempo enfrentamos problemas demasiado ridículas para ser comprendidas: En América del Sur unos turistas matan a dos bebés de delfín raros que arrastraron a la orilla, sofocándolos en un frenesí de selfies; la política se asemeja a los eventos deportivos; personas todavía mueren de hambre mientras otros pueden pedir cualquier tipo de carne que deseen. Como especie, nuestra huella es peligrosamente insostenible, pero vivimos en un estado de negación sobre...

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74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico
Sep15

74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico

El Festival de Venecia, el festival de cine más antiguo, ha celebrado su 74ª edición entre el 31 de agosto y el 9 de septiembre. La anécdota más curiosa que ha dejado atrás, ha sido la de ser el primer festival de primera categoría en acoger y crear una nueva competición para la VR –Virtual Reality-. Y lo ha hecho con un mensaje muy positivo: la Realidad Virtual no ha venido a suplantar al cine, sino a buscar un camino paralelo y alternativo, que permita explorar nuevas vías artísticas, dando rienda suelta a la creatividad, en convivencia con el séptimo arte. El Festival, en sus distintas categorías, ha proyectado una gran cantidad de películas procedentes de todo el mundo, de una gran variedad de estilos y géneros, con la particularidad de que ha premiado con el máximo galardón, el León de Oro, precisamente a una película de género: La forma del agua de Guillermo del Toro. Podéis leer sobre ella en nuestro artículo: The Shape of Water. El Jurado, presidido por la actriz Annette Bening, y compuesto por Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright y Yonfan, fueron los encargados de repartir los premios de esta edición. Uno de los grandes afortunados de la noche, fue el debutante francés, Xavier Legrand, con su film Jusqu’à la garde, que se llevó dos grandes Premios: el Premio Venezia a la mejor Opera Prima, así como el León de Plata a la Mejor Dirección. Premios que abren las puertas a un futuro prometedor a este cineasta debutante. La Coppa Volpi a la Mejor Actriz, ha ido a parar a manos de la veterana actriz Charlotte Rampling, por su excelente interpretación en el film del italiano Andrea Pallaoro, Hannah. El Premio Marcelo Mastroinanni ha ido a parar al joven intérprete emergente, Charlie Plummer, por Lean on Pete, de Andrew Haigh. Es un premio que ha logrado alzar muchas carreras. El Premio Especial del Jurado fue a parar a manos de ‘Sweet Country‘, del australiano Warwick Thornton. El premio al Mejor Guión fue otorgado a Martin McDonagh por sus fabulosos diálogos en su nuevo film de ‘Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri‘. Lo anecdótico del palmarés, fue que premiaron con el Gran Premio del Jurado a Foxtrot, del israelita Samuel Maoz, y con la Copa Volpi al Mejor Actor al palestino Kamel el Basha por The insult. No faltaron las preguntas incómodas durante la rueda de prensa de los premiados, cuando se sentaron juntos en la mesa. A su vez, en el Jurado de la Sección Orizzonti, esta edición del Festival tuvo el honor de tener como Presidente del mismo al director italiano, Gianni Amelio, que presentó a su vez fuera de concurso su nuevo...

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La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma
Sep08

La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma

Guillermo del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica… los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». En esta línea, ha presentado su nueva película -titulada The shape of water (La forma del agua)- en la  Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de Venecia, y como no podía ser de otro modo, ha vuelto a introducir un monstruo como elemento angular del film. Con La forma del agua, Guillermo del Toro vuelve a realizar otro cuento fantástico, a partir de una historia escrita por él mismo, y ambientada esta vez en plena Guerra Fría, en los años 60. Más concretamente, nos introduce en un laboratorio gubernamental de alto secreto, donde trabaja una mujer muda, Elisa (interpretada por una magnífica Sally Hawkins), que vive atrapada en una vida aislada, hasta que descubre y conoce al ser anfibio con el que andan experimentando en uno de los laboratorios. La historia bucea entre distintos géneros: fantástico, thriller, drama y romántico. Y a pesar de ser una película principalmente de entretenimiento, la historia tiene un gran peso socio-político llena de analogías. Aunque de lo que habla principalmente el film es del amor. En palabras de Guillermo del Toro: El agua siempre coge la forma de lo que la sostiene en el tiempo, y a pesar de que el agua puede llegar a ser tan leve, también es la fuerza más poderosa y maleable del universo. Del mismo modo funciona el amor ¿no? Da igual en que forma o recipiente depositemos el amor, se convierte en eso, ya sea un hombre, una mujer, o una criatura. En el film, aparecen muchos de los temas recurrentes en la filmografía de Guillermo del Toro, tales como la biología y su fascinación por el mundo fantástico. Temas como el ‘bien’ y el ‘mal’, la inocencia y la amenaza, lo histórico y lo eterno, lo bello y lo monstruoso, confluyen entre ellos demostrando que no hay oscuridad que pueda derrotar del todo a la luz. También en palabras de Guillermo del Toro: Me gustan las películas que son liberadoras, que te dicen que está bien ser quien sea que seas. Y parece ser que en los tiempos que corren, es un tema muy pertinente. Como a lo largo de su filmografía, los films de Guillermo del Toro destacan principalmente por su gran trabajo artístico, creando una atmósfera y estética propia, tanto en el departamento de arte como en el de vestuario. Guillermo del Toro logró juntar a su vez un maravilloso grupo de actores, en...

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Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen
Sep03

Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen

George Clooney ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia su último film, Suburbicon,  que llevaba gestando ya desde hacía más de dos años. El proyecto nació inicialmente sobre la idea del evento sucedido en EUU, en Levittown, Pennsylvania, en los años 50, cuando en una zona residencial acudió a vivir una familia afroamericana, y en la misma noche en que llegaron se reunieron 500 personas en frente de su vivienda con banderas confederadas y con gritos racistas, construyendo un muro a su alrededor. Durante la escritura del guión junto a Heslov alrededor de esta idea, George Clooney recordó un guión de los hermanos Coen de hacía más de 20 años, que había quedado en un cajón. Se trataba de un guión con tema similar a los de Fargo o Quemar después de leer, con personajes insalvables tomando malas decisiones. Los Coen descartaron filmar ellos mismos el guión al querer avanzar hacia otros terrenos cinematográficos. Clooney vio factible adaptar el guión a los años 50 añadiendo los sucesos de Levittown, con la idea de darle además un toque todavía más enfadado al del guión original. Suburbicon destaca por su buena adaptación de los años 50 en los EEUU, donde lo mejor y lo peor de la humanidad queda reflejado en la gente ordinaria. Clooney ha reunido para ello un equipo creativo de alto nivel en todas las áreas, destacando la fotografía por parte de Robert Elswit y las partituras de Alexandre Desplat que cobran protagonismo en partes del film. En esta década posterior a la Segunda Guerra Mundial, la clase media norteamericana estaba en proceso de trasladarse a las zonas residenciales prefabricadas en casas asequibles en comunidades reducidas. Para muchos, este Sueño Americano de poseer una casa propia, con parking y jardín, empezaba a convertirse en realidad. Pero como matizó George Clooney en la rueda de prensa, esta realidad de los años 50 era posible solamente si eras blanco. Es de hecho la época a la que hace siempre referencia el actual presidente Trump en sus rancios discursos de Make America Great Again, aludiendo a la época de Eisenhower. Época, en la que Trump tenía la edad del niño protagonista. Aunque el proyecto nació antes de que Trump se convirtiera en presidente, el film ha terminado siendo idóneo para hacer metáforas y reflexiones alrededor del discurso de Trump. George Clooney no desaprovecha la ocasión para hacer política en sus films. De izquierda a derecha: Julianne Moore como Margaret y Matt Damon como Gardner en Suburbicon, de Paramount Pictures y Black Bear Pictures. Se trata de un film en el que la violencia va escalando lentamente, hasta llegar a un desenfreno total tarantiniano, con grandes dosis...

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No sólo del teatro y la literatura bebe el cine: Alex Colville y su influencia en los realizadores norteamericanos
Feb04

No sólo del teatro y la literatura bebe el cine: Alex Colville y su influencia en los realizadores norteamericanos

Título un poco largo, lo sé, pero sirve como introducción a un apartado poco conocido y que espero resulte nuevo para muchos, pues no siempre uno ve con claridad la influencia de ciertos realizadores; más ahora teniendo en cuenta que parecemos estar en una era de cine muy influenciado por el cómic y los videojuegos, fusionados en una estética muy a la moda y que no sabemos cuánto se alargará. El nombre de Alex Colville no sonará a casi nadie y no pasa nada, pues no se trata de un cineasta, de allí que este escrito pueda resultar extraño en una página así. Y sin embargo, su importancia e influencia han sido recalcadas por algunos de los grandes directores estadounidenses del panorama, quienes no dudan en reconocer la fuerza visual de este pintor (sí, esto va de pinturas, señoras y señores; de pintura y cine) contemporáneo con una facilidad para crear imágenes muy sugerentes y llenas de misterio, dejando siempre libre interpretación a la imaginación. Colville, que el próximo 16 de julio hará tres años que falleció, fue un artista canadiense muy en la línea de otros pintores norteamericanos anteriores como Edward Hopper o Grant Wood, de coetáneos como Andrew Wyeth, o de posteriores como Kenton Nelson. Todos tienen en sus cuadros un denominador común: la vida americana cotidiana. Con diferencias evidentes de enfocarlo y retratarlo, claro está, pero con la misma fascinación. Pero Colville destaca entre ellos no por ser mejor o peor o más o menos famoso, sino por ser el más oscuro en cierta manera. Se desmarca dando un sentido a sus cuadros que suele generar desasosiego e intranquilidad, no por ser terroríficos o de pesadillas tipo Goya, sino por captar instantes y hacernos conscientes de que en cualquier momento algo (probablemente malo) va a suceder. Aunque no todos sus cuadros son así, por supuesto. Y lo que aquí se va a intentar, como digo, es intentar hacer ver cómo sus pinturas esconden una fuerza tan cinematográfica que muchos lo han homenajeado (hay que echarle imaginación, ya lo iré recalcando repetidamente) de distintas formas; así que lo único que hay que hacer es intentar observar detenidamente para descubrir la importancia de la composición de sus elementos para despertar nuestras emociones. Empezamos con Wes Anderson, el hipster de moda por antonomasia en los últimos años. Y para él elegimos esta imagen de Moonrise Kingdom, donde el personaje de Suzy observa con unos prismáticos el horizonte. El mar y el cielo quedan a sus espaldas, y ella más que mirarnos a nosotros (o a cámara) parece mirar más allá, más en la lejanía. Pues bien, ahora mirando el cuadro...

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Amenábar, ¿dónde estás?
Ago26

Amenábar, ¿dónde estás?

Después de sorprender a toda España en 1996 con Tesis, el director y guionista nacido en Santiago de Chile hace 44 años, Alejandro Amenábar, se encuentra sin un rumbo fijo y en el peor momento de su carrera… ¿Qué ha sido de aquel joven que llegó a impresionar a todos con sus guiones eficaces y una técnica al más puro estilo hollywoodense? ¿Recuperará esa chispa que le permitió convertirse en uno de los mejores directores españoles de nuestra historia? 7 premios Goya cayeron para Tesis, su primer largometraje: Mejor Película, Mejor Dirección Novel y Mejor Guión. Fue un auténtico “Boom” en el cine español y el inicio del seguimiento masivo, por parte de los críticos y espectadores, al nuevo niño prodigio que estudió en la Universidad Complutense de Madrid. Un año después, presenta al mundo su versión sobre la historia de la bella y la bestia en, Abre los ojos, un largometraje que une varios géneros cinematográficos (drama psicológico, romance, ciencia ficción, thriller) en una explosiva película de principio a fin. Aunque obtuvo 10 nominaciones a los premios Goya, sin conseguir ninguno, Tom Cruise supo apreciarla y adquirió los derechos del film que además quiso protagonizarla junto a la actriz española, Penélope Cruz, en Vanilla Sky (2001). Su primer roce con Hollywood. Su tercer film, Los Otros, llegó a convertirse en 2001 en la película española más taquillera de la historia (27 millones de euros) además de llevar bajo el brazo la suma de 8 premios Goya de ese año, entre los que se incluyen: Mejor Película, Guión Original, Director, Montaje, Sonido… Amenábar ya había hecho historia. Su punto más alto en su carrera lo consiguió en 2004, cuando presentó al mundo la historia de Ramón Sampedro. Mar adentro consiguió la friolera cifra de 14 premios Goya, Óscar y Globo de Oro a Mejor película de habla no inglesa y un sinfín más de premios. Amenábar había tocado el cielo con el Óscar, y desde entonces, Mar adentro es a día de hoy, la última película española en recibir tan ansiado premio. Tendrían que pasar 5 años para que en 2009 se estrenase Ágora, un film histórico bajo una trama que junta romance y ciencia. Consiguió 7 Premios Goya de 13 nominaciones, pero se le escapó dos estatuillas importantes: Mejor Película y Mejor Director, algo que casi siempre ganaba el bueno de Alejandro. La película más cara de la historia de España se encontró con numerosas críticas recibidas por su falta de emoción y tensión narrativa. La película no logró impresionar como el resto de obras de la filmografía del director. Llegamos al punto donde Alejandro Amenábar toca fondo. Regresión supone la vuelta...

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Las amigas de Ágata; la visión de un film espléndido con sus realizadoras.  “Todo era bastante tranquilo y libre, que era lo que queríamos; tener esa libertad”
Ago14

Las amigas de Ágata; la visión de un film espléndido con sus realizadoras. “Todo era bastante tranquilo y libre, que era lo que queríamos; tener esa libertad”

Quizás sea cierto que los milagros existen. Solamente así se puede explicar la exhibición de esta película en nuestro país, sabiendo todos los obstáculos existentes y lo propensos que somos a echar pestes en nuestra propia casa (aunque la mayoría de veces sea con razón, y mucha). Pero “Las amigas de Ágata” se encuentra en las antípodas del cine juvenil moderno, y ya no hablemos del cine español. Porque sus cuatro directoras han demostrado que aún es posible hacer un tipo de cine que no requiere demasiados recursos, y que antepone la honestidad y sencillez de sus propuestas a los artificios que sobresaturan y engordan las cintas endebles. Poco más se puede decir que no dijera ya en líneas generales el compañero Rubén en una crítica de esta misma web; no obstante, la riqueza que encontré en esta película demostraba que se podían echar por tierra todos los convencionalismos aún en plena época de oquedad cinematográfica en el panorama. Sus realizadoras (Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen) daban la mayor bocanada de aire fresco a los cinéfilos ansiosos de vivir experiencias nuevas; una bocanada que el cine español pedía a gritos a la juventud. Es una lástima que su proyección estuviera muy limitada en las salas de cine del país; y eso es quizás lo peor que se puede decir de ella, pues sólo unas pocas salas apostaron por darle una oportunidad a la cinta (sin contar las plataformas online). Por lo demás, me faltarán elogios y sombreros que quitarme ante las directoras y su debut cinematográfico. Una película donde se respira libertad y espontaneidad en todo momento; donde sus actrices rebosan naturalidad a mares, y lo más importante: son actrices españolas que ¡¡¡¡ SON JÓVENES QUE SABEN VOCALIZAR!!!!! Así que sí, permitidme de nuevo hablar de milagro. El retrato sobre estas cuatro chicas y su relación de amistad en un momento de transición de la vida supone la mejor ópera prima auténticamente independiente que un servidor ha visto en mucho, mucho pero que mucho tiempo, casi en una galaxia muy lejana. Por ello, conocer a dos de sus autoras supuso un placer difícil de transmitir. No sé si Pauline Kael estaría orgullosa de esta película (aunque quiero pensar que sí), pero estoy seguro que hubiera disfrutado muchísimo hablando e intercambiando ideas del film con sus realizadoras, y plasmándolas como sólo ella sabía hacer. Y sin duda la intención al conocer a sus realizadoras se encaminaba a buscar esa misma espontaneidad que conseguían en su film de forma tan magistral. Por lo menos, se debe agradecer desde buen inicio la amabilidad y predisposición que tuvieron sus...

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Entrevista a Alberto Vázquez: “Mi intención primera siempre, sea cual sea el proyecto, es contar una historia”
Jun03

Entrevista a Alberto Vázquez: “Mi intención primera siempre, sea cual sea el proyecto, es contar una historia”

Director de cine de animación, dibujante e ilustrador. “Contador” de realidades y “fabulador” reflexivo. Ilusionista de formas ingenuas, caviloso de perversos contenidos… Alberto Vázquez ha construído un personalísimo vehículo de expresión con el que hacer llegar sus historias a un espectador que ya reconoce en su trazo una identidad subversiva. Cuatro años han pasado desde que Birdboy ganase ese Goya que Psiconautas necesitaba para ver la luz. Psiconautas la película, precisamos, porque Psiconautas la novela gráfica, llenaba estanterías en librerías especializadas desde 2007. Un camino largo -el cine de animación no sabe de impaciencias- que empieza a dar sus frutos en forma de afectuosa acogida en diferentes festivales. La segunda nominación a los Goya llegaría en su 29th edición con Sangre de Unicornio, en una temporada cargada de reconocimientos. Más de 200 festivales acogieron aquel 2014 esta inquietante fábula de apariencia naif y fondo macabro. Decorado, su trabajo más reciente, vuelve de Cannes con los deberes hechos y la agenda repleta: su estreno nacional se espera para el 17 de Junio en Valencia. Este relato existencialista, protagonizado por animales antropomorfos, sobre el destino y la libertad del ser humano viene a consolidar el talento de uno de los nombres propios con más peso en el género: Alberto Vázquez vive un momento profesional inmejorable después de haber recibido el premio a Mejor Película en el Festival de Animación de Stuttgart (Alemania) y estar nominado en la misma categoría en el Annecy (Francia), donde también compite con Decorado. Menudo año, ¿no? Estreno de Decorado en Cannes, reestreno -después de San Sebastián- de Psiconautas en nuestro Cans: ambos con notable éxito. ¿Cómo lo estás viviendo? -Muy bien, la verdad, pero aunque hayan coincidido las dos cosas al mismo tiempo (volverán a coincidir en Annecy, uno de los eventos de animación de más repercusión), la película hace meses que la terminamos y estrenamos… aunque es ahora cuando iniciará el largo camino de festivales. El corto, en cambio, lo acabamos de estrenar directamente en Cannes y la recepción ha sido estupenda. Estamos muy contentos, la verdad, porque Decorado va un punto por delante de todo mi trabajo anterior. Después de haber visto Birdboy, Sangre de Unicornio y Psiconautas me quedo con la sensación de que tu trabajo se va recrudeciendo con el tiempo: ¿Tiene esto más que ver con el formato, con la osadía que la madurez imprime a un autor…? Evidentemente el lenguaje narrativo empleado en el cortometraje no es el mismo que puedes usar en un largo. En el primero tienes la posibilidad de arriesgar más en todos los aspectos, por eso en ellos apreciarás una propuesta más radical, aunque es cierto...

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Kike Maíllo: “Enseñar una película es como desnudarte delante de alguien por primera vez”
Abr24

Kike Maíllo: “Enseñar una película es como desnudarte delante de alguien por primera vez”

Toro (Kike Maíllo, 2016) es la historia de cuarenta y ocho horas frenéticas en las que dos hermanos se reencuentran. Uno de ellos desea hacer las cosas bien, está a punto de acabar con éxito esa segunda oportunidad que le brinda la sociedad y la vida; el otro, con un problema muy grave por el que se ve obligado a pedile ayuda. Ese lapso de tiempo, en ese camino hacia la recuperación, hacia la bendición, les llevará al extremo, en el que tendrán que tomar decisiones radicales. Su director define su filmografía como muy europea y, a diferencia de su predecesora, Eva¸ nos cuenta que “Toro sí que parece una película española, plagada de símbolos patrios y de cosas y lugares reconocibles”. Sobre el futuro, confía en que el cine es un diálogo con el espectador y que sus proyectos serán reacciones a sus anteriores trabajos. Hoy charlamos con Kike Maíllo, Goya a la Mejor Dirección Novel en 2012. Toro es una gran producción, con un gran director y un gran reparto. ¿Cuál es el margen de mejora en proyectos como este? Yo vengo de un mundo de escuela y allí se hacen películas muy pequeñitas. Con esto quiero decir que cuando afrontas un proyecto, sea del presupuesto que sea, uno lo hace como la película que quiere contar y lo que está en debate es qué utensilios o herramientas va a necesitar uno para contar bien la historia, independientemente del presupuesto. Con cintas como Toro el cine español indaga cada vez más en las realidades más oscuras de la geografía española. ¿De dónde nace esta historia escrita por Fernando Navarro y Rafael Cobos? En las primeras reuniones que tuvimos con Fernando Navarro, al que acababa de conocer después de la promoción de Eva, indagamos en qué película nos gustaría escribir juntos. Nos enamoramos de un personaje que se tomaba la justicia por su mano, violento, que tenía un punto iracundo y ese es el personaje de Toro. Fuimos tirando del hilo y cuando estábamos escribiendo la primera versión, pensamos en la idea de incluir a Rafael Cobos, que era un buen amigo de Navarro y había escrito varios thrillers para Alberto Rodríguez, en los cuales la idea del sur y de la tierra estaba muy patente en sus personajes. Intentamos traer algo de eso a nuestra película, que pasara concretamente en un lugar, que no fuera una película internacional y deslocalizada. Antonio Pérez, uno de los productores de esta película, habla de ella como un thriller con sabor coreano y como director, posees un estilo ambicioso y contemporáneo, sin ningún miedo a competir en géneros que antes creíamos...

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Desmadre en la Noche de la Quietud: La delgada línea que separa a Pablo Vázquez de John Waters
Mar20

Desmadre en la Noche de la Quietud: La delgada línea que separa a Pablo Vázquez de John Waters

Cada vez estoy más convencido de que el mejor cine español creado de unos años atrás a esta parte no se estrena en salas comerciales sino en las nuevas plataformas digitales, siendo Filmin, generalmente, la mejor opción para que vean la luz este tipo de producciones independientes, de procedencia nacional y europea tras su previo fogueo en festivales internacionales. Su estreno vía streaming no suele ser consecuencia tanto de la baja calidad de las cintas -que no es el caso- como del limitadísimo presupuesto con que se cuenta para darlas a conocer y el escaso margen de maniobra que la absorción de las distribuidoras por la dictadura de las majors estadounidenses deja a realizadores noveles o parcialmente anónimos como  Pablo Maqueda (Manic Pixie Dream Girl), Carlos Vermut (Diamond Flash), Jimina Sabadú (La Pájara), el productor y director Norberto Ramos (Faraday, Summertime) o el propio Pablo Vázquez, periodista y escritor. Hugo Álvarez Gómez y Lucía Nova Desmadre en la Noche de la Quietud no es una película convencional ni corriente. Es una gozosa exploración casi warholiana al subconsciente de un realizador y guionista enamorado de cualquier elemento vinculado al imaginario popular de los últimos 30 años. Pablo Vázquez rebusca entre los recuerdos de su adolescencia y mezcla con una envidiable falta de raciocinio un glosario repleto, tanto de elementos pertenecientes a la subcultura televisiva patria como de iconos hollywoodienses del pasado y recientes, que van desde Naomi Watts, J. Bayona y Curso 1984 (1984, Mark L. Lester) a Concha Cuetos, Don Pimpón, los niños actores de Médico de Familia y las primeras gamberradas rodadas por Pedro Almodóvar. Las bromas a costa de la olvidada Woman on Top (2000, Fina Torres) y otras gemas del cine de consumo más petardo y casposo son como música para los oídos de cualquier cinéfilo que se jacte de ser un nerd. ¿Pueden dos hermanos que matan el tiempo orinándose uno encima del otro, jugando al ping pong sobre una mesa de ordenador o follando mientras recitan Exhumación (Luna Miguel y Antonio J. Rodríguez, Ed. Alpha Decay) organizar un gran suicidio colectivo en el que planean asesinar a todas las estrellas del cine español? Lucía Nova y Hugo Álvarez Gómez son una actualización al gusto indie del matrimonio Marble de Pink Flamingos (1972, John Waters) pero reimaginado con el aspecto de dos modernillos incestuosos que han cambiado Baltimore por el barrio de Malasaña y la ambición de convertirse en la pareja más inmunda del mundo por la de ser famosos y estrechar lazos sociales (e imaginarios) con la élite cultural de nuestro país. Si eres de los que piensan que el corte experimental del cine de...

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Desmontando a Godard
Feb19

Desmontando a Godard

Cuenta la leyenda, se rumoreaba en aquella época, que si Godard hubiese querido, habría hecho temblar los cimientos de la filosofía moderna con Vivre sa vie. Porque no me digan ustedes que el personaje que le “regala” a su mujer no es de los que tiene enjundia. A saber: – “Una silla es una silla” – “Un hombre es un hombre” ¡Oh, bendito Godard! Poderosa sapiencia la tuya compartir con el espectador (a todas luces menos intelectual que tú) tu forma de ver la vida y regalarnos tales sofismos irreductibles.No hay debate posible ante tales afirmaciones. Dice también la leyenda que nadie como tú en esto del cine, que aquí sí derribaste las bases de cómo hacer una película pasándotelas por el forro, que para eso eras francés y comunista, de boquilla, y que tus avances cinematográficos no tienen parangón en la historia de este arte. A saber: – “Voy a a ver si no enfoco bien a los personajes. Que no salgan en pantalla cuando hablen. Y también voy a enfocarlos desde atrás, que se vea su nuca, que esto no se ha hecho nunca y va a ser toda una revolución”. ¡Oh, bendito Godard! Infinita locura de genio la tuya, cuanta osadía en un sólo ser. Así la película es mucho mejor, dónde va a parar… – “En mitad de la escena voy a quitar la música, que parezca que está mal editada o montada, pero la verdad es que es todo fruto de mi mente avanzada”. Sin esta idea, el cine seguiría siendo en blanco y negro. Es más, sin esta vanguardia, hoy no existiría el cine. Y todo se lo debemos a Godard. – “Voy a meter unos guiños a Dreyer, y a Truffaut, y a Allan Poe, para que la gente sepa que esto no es una película cualquiera, que es arte, y del bueno. Que tiene alma porque mi mujer va a ver “La pasión de Juana de Arco” y hasta llora, hasta se conmueve con la Falconetti. Eso es arte”. Y claro, todos sus colegas avanzados de Cahiers du Cinema le aplaudieron y dijeron que menuda obra maestra se había vuelto a marcar el bueno de Jean-Luc. – “Y con el final…va a ser inesperado, punzante, electrizante, y voy a resolver la historia en tres minutos vibrantes de emoción y tensión, que riete tú de esas mediocridades que hacen en Hollywood. Porque valiente porquería de películas que hacen allí. Y en todas partes menos aquí. Sobre todo ese bastardo de William Wyler, que no tiene ni zorra de cine”. Y sus colegas de Cahiers de Cinema volvieron a aplaudirle. Y en masa...

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Centenario del nacimiento de Masaki Kobayashi
Feb14

Centenario del nacimiento de Masaki Kobayashi

Cuando se cumple una fecha tan especial, sobre un director tan importante y revolucionario en su época, al cual -como se deducirá fácilmente- me une una pasión y respeto inconmensurable, parece insuficiente e insustancial todo cuanto se diga o comente, y más todavía si se tiene en cuenta lo difícil que resulta a veces conseguir alguna de sus películas o, sencillamente, cierta información sobre la biografía de un hombre marcado por la historia de su país, la cual aparecería reflejada recurrentemente en sus películas, enfrentándola a los dilemas de sus personajes. Si uno intenta hablar sobre las figuras más grandes que admira, normalmente suele buscar los adjetivos y cualidades más adecuados para no sobrepasarse y caer en los tópicos que terminan distorsionando su vida y obras. A veces con una palabra se consigue homenajear o hacer justicia a los genios, y éstos, con el tiempo, pasan a ser la definición y atributo más claro impuesto, y suponen su asociación automática. En el cine japonés, el ejemplo más claro fue Kurosawa, quien se ganó el título de “El Emperador” como si nada. Otros en cambio, como Yasujirō Ozu, se ganaron el aún no menos importante de ser “el más japonés” y para muchos “el mejor” (por antonomasia), o simplemente “el maestro nipón”. Y luego parece que está el resto, abandonado y olvidado para algunos; lleno de nombres y títulos dignos de mención para otros, donde figuran autores de talla equiparable a los dos anteriores, sin nada que envidiar, con estilo propio y películas imprescindibles que se encuentran entre lo mejor de la historia del cine. Y por supuesto, Masaki Kobayashi es sin duda uno de ellos, y este 14 de febrero hubiera cumplido 100 años. Y, cosas del destino, en octubre hará 20 años que nos dejó. En el caso de Kobayashi, quizás el atributo que mejor lo habría podido llegar a definir sería el de “pacifista”. Esa palabra tan denostada y maltratada, por no decir carente de sentido o razón hoy día, en el caso de este genio japonés fue toda una filosofía que desarrolló a lo largo de su vida y filmografía, y estas páginas quieren intentar desentrañar los pocos datos que se conocen sobre su figura y rendir justicia a su persona y algunas de sus obras más destacadas. Masaki Kobayashi nació en 1916 en la ciudad portuaria de Otaru, en la prefectura de Hokkaidō, la segunda isla más grande de Japón y la más septentrional. En 1933, cuando terminó secundaria, empezó a cursar estudios en Filosofía e Historia del Arte Asiático en la prestigiosa universidad Waseda de Tokio. Al parecer, era un estudiante sobresaliente, desarrollando un particular interés...

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Entrevista a Alberto Marini, guionista de El Desconocido, nominado a los Goya 2016
Ene15

Entrevista a Alberto Marini, guionista de El Desconocido, nominado a los Goya 2016

La experiencia profesional más enriquecedora y feliz de mi vida ha sido sin duda dirigir. Fue maravilloso. De todas formas no llevo bien la exposición directa al público y a los medios, que conlleva ser director, por lo tanto si la pregunta es dónde me siento más cómodo… la respuesta es sin duda escribiendo, lejos de los focos.

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JJ Abrams: a caja y espalda
Dic22

JJ Abrams: a caja y espalda

Si el inglés se caracteriza por algo – además de por eso de que, a diferencia del español, no se pronuncia tal y como se escribe – es por la obscena cantidad de expresiones hechas a las que recurren sus hablantes. Todos hemos oído alguna vez hablar de los famosos idioms, los incomprensibles phrasal verbs y las tazas de té con pastas, y, por muy familiarizados que estemos con el idioma, sólo unos pocos sabrían traducir a nuestro idioma gran parte de estas expresiones. Sin embargo, y aunque mis conocimientos sobre la materia no sean del todo brillantes, durante los últimos días le he estado dando vueltas a una de esas expresiones que, literalmente, podría traducirse como “romperse la espalda”. Resulta que J.J. Abrams, ese simpático joven de cuarenta y nueve años de edad que fue escogido por Disney para dirigir El Despertar de la Fuerza (oferta que, inicialmente, rechazó), no sólo trabajó duro a lo largo de la producción de esta nueva entrega de la saga Star Wars, sino que además, y para hacer justicia a esa expresión que muy bien describe las ganas y el empeño que ha puesto por sacar adelante este proyecto, se rompió la espalda en el proceso. No bromeo. A pesar de que el famoso accidente de Harrison Ford durante el rodaje de la película ocupase los titulares cinéfilos de la prensa digital, la fractura de la cuarta vértebra lumbar de Abrams (fruto de, precisamente, su intento por salvar el tobillo de Han Solo) pasó muy desapercibida, y, como resultado de esta insignificante anécdota, me di cuenta de la poca importancia que en general se les suele dar a las figuras de los directores de cine y, específicamente, al inmerecido descrédito en el que se sumió a uno de ellos por el simple hecho de haber sido el creador de una de las mejores series de la televisión de los últimos años: Perdidos. Sin querer entrar en el eterno debate de si el final de Lost estuvo o no a la altura, déjenme que les deje muy claro lo admirable que me parece la carrera de este neoyorquino de gafas de pasta: una carrera que, como muy bien dice en su charla para TED, gira en torno a una simple y misteriosa caja que le compró su abuelo en una tienda de la Gran Manzana. Gracias a esa caja, que nunca ha abierto y, por lo tanto, su contenido – a día de hoy – sigue siendo un misterio, Abrams no sólo se ha convertido en el creador (o co-creador) de tres series de televisión que muy bien podrían considerarse fenómenos de culto...

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Maestros del terror
Oct31

Maestros del terror

Hoy en día el género del terror está bajo la batuta de nombres como Eli Roth, James Wan o Rob Zombie. Si los comparamos con los verdaderos maestros del género, ninguno de ellos tiene la más mínima posibilidad de salir vencedor (probablemente el que más se acercaría sería el señor Zombie), y es que la huella que han dejado algunos apellidos como Hooper, Carpenter o Romero es demasiado grande como para intentar rellenarla. Fueron esos maestros los que definieron las bases del género y sus correspondientes subgéneros, y son esas mismas bases las que siguen utilizando los directores actuales para sacar adelante sus proyectos. A continuación os dejamos con un repaso a los nombres más importantes de la historia del cine de terror, algunos “clásicos” y otros más recientes, acompañado con algunos de sus trabajos más recomendados para que ampliéis vuestro conocimiento sobre el “horror cinéfilo”. Como ocurre con todas las listas, es prácticamente imposible contentar a todo el mundo, pero creemos que la selección es lo suficientemente variada para que al menos encuentres uno que te guste o pueda gustar. Dario Argento: El “alumno” de Mario Bava fue el responsable de popularizar el giallo, subgénero del thriller/suspense que reunía elementos del trhiller policíaco clásico, con la peculiaridad de que se daba más importancia al estilo de la película que al contenido de ella, haciendo que muchos de los largometrajes tuviesen muchos huecos en el aspecto narrativo pero contasen con un apartado visual espléndido. Argento no solo se contentó con hacer el giallo más clásico, sino que también hizo sus pinitos en el mundo de los sobrenatural y la fantasía sin dejar de perder ese toque tan característico con el juego de colores en la pantalla. Como ocurrió con la gran mayoría de compañeros de profesión del género, con el paso de los años la calidad de sus producciones se vio resentida, pero sería injusto negarle su posición en el Olimpo del Terror. ¿Qué ver?: Suspiria, Inferno, Rojo oscuro, Phenomena, El pájaro de las plumas de cristal. David Cronenberg: A pesar de que en la actualidad se haya alejado ligeramente del género, Cronenberg seguirá siendo uno de los mayores exponentes del “body horror”, género basado en la degeneración, transformación o infección física de los cuerpos de las personas. A pesar de que sus películas suelen tener un componente de terror visual muy fuerte, la gran mayoría de sus producciones tienen un trasfondo psicológico muy importante. Las “transformaciones” que sufren sus personajes suelen estar ligadas con un cambio en su psique, un trastorno mental o una obsesión. Como decíamos, actualmente se ha alejado del género con producciones como Una Historia...

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A propósito de Shyamalan
Oct21

A propósito de Shyamalan

Hubo una época en la que se decía que M. Night Shyamalan iba a ser el nuevo Spielberg. Su carrera no sólo prometía por haber arrancado con una de las mejores películas estadounidenses de los años noventa (El Sexto Sentido, 1999), sino porque su escasa edad  dotaba de cierto prestigio al magistral control que tenía sobre la cámara y a la originalidad que todas y cada una de sus historias rezumaban ante los incrédulos ojos de un público poco acostumbrado a filmes que no estuviesen basados en obras literarias. Shyamalan era un gran director. Y también uno de los mejores cuentacuentos de la Meca del Cine. La evidencia de que sus trabajos no eran más que cuentos camuflados en rollos de celuloide por fin llegó con la que probablemente sea una de las películas más personales e infravaloradas de su trayectoria: La Joven del Agua (2006). Con este relato sobre la criatura Story, que el director contaba a sus hijas antes de irse a dormir por la noche, Shyamalan dejó muy claro que sus películas seguirían siendo suyas y que él haría lo que quisiese con ellas siempre y cuando las productoras le dejasen. Hasta que llegaron El Incidente (2008) y The Last Airbender (2010). Con el terrible bache que estas dos cintas supusieron para su carrera, y tras haber sufrido una constante lluvia de reproches por eso de que la calidad de sus filmes estaba experimentando un supuesto debacle desde Señales (2002), su reconocido talento pasó a ocupar uno de los puestos más alejados de la cima de la fama y, con ello, la posibilidad de gozar de libre albedrío en una industria tan competitiva como es la del cine, desapareció. Un libre albedrío que hasta ese momento siempre había tenido para rodar lo que él quisiese pero que, como muy poca gente sabe, se le había arrebatado a la hora de promocionar sus trabajos. Resulta que cuando comenzó la campaña publicitaria de El Bosque (2004) la percepción que el público obtuvo de la película protagonizada por Joaquin Phoenix y Bryce Dallas Howard fue de todo menos acertada. Gracias a un brillante – pero totalmente inadecuado – tráiler en el que se prometía un filme de terror como ningún otro, los seguidores del Shyamalan que tanto les había asustado con la historia del joven que veía muertos erróneamente pensaron que – una vez más – iban a revolverse nerviosos en la butaca del cine. Una situación que ya habían conocido con El Protegido (2000), un fantástico homenaje al mundo del cómic que, como ocurrió con El Bosque, recibió la publicidad equivocada por culpa de unos estudios que decidieron...

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El Mérito de Colin Trevorrow
Jun25

El Mérito de Colin Trevorrow

Después de haberme enterado de que Jurassic World había batido récords de taquilla que hasta ahora coronaban el currículo de una famosísima película de la Marvel, y tras haber pensado que, de aquí a unos meses, este título será comprensiblemente ocupado por el séptimo episodio de la saga Star Wars, considero que es un buen momento para reflexionar sobre lo que Colin Trevorrow ha hecho con el legado del Rey Midas de Hollywood. Así, además de darle un respiro, alabamos – aunque sólo sea un poco – su más que respetable trabajo. Todos sabemos que de las tres predecesoras a este intento por reavivar la llama paleontológica que yace latente en millones de corazones por todo el mundo, sólo una de ellas se salvaba de la hoguera frecuentada por los despiadados críticos cinematográficos. Y es que hay que reconocer que por muy espectacular que fuese la secuencia de la caravana de El Mundo Perdido, y por muy novedosa que resultase la escena de la pajarera de Jurassic Park III, las secuelas a la gloriosa Jurassic Park eran catastróficas. Muchos de vosotros – incluido yo mismo hace unos meses – os tiraréis de los pelos mientras ponéis un más que justificado grito en el cielo al leer afirmaciones como esta pero, aunque yo en su momento también fui un crío al que le apasionaban estas tres (y repito: tres) películas de dinosaurios, hoy en día sólo puedo decir que la mediocridad en la que se sumió la saga fue casi insultante. Tan insultante que, cuando me enteré de que un tal Trevorrow se iba a encargar del reboot de la saga y de que se iba a introducir un nuevo dinosaurio llamado Indominous Rex, el que puso el grito en el cielo fui yo. ¿Volver a empezar la saga? ¿Intentar contentar a unos fans que terminaron casi igual de decepcionados que aquellos que vieron los últimos episodios de Star Wars con unos ojos menos inocentes que los que yo tenía allá por los noventa? ¿Introducir un carnívoro más a una saga que precisamente ha demostrado que eso de prescindir del fantástico T-Rex no suele salir como se espera? Pues bien, como muy bien nos enseña el  fantástico personaje de Chris Pratt en la nueva película, es normal que nos hagamos preguntas como esa. Es normal que el sable láser con aspecto de crucifijo nos deje anestesiados. Sería raro que no nos surgiesen dudas al perfilar el juicio de valor que eventualmente haremos sobre Jurassic World. Hollywood está jugando con los sentimientos cinematográficos de generaciones y generaciones de enamorados de la saga y, por lo tanto, lo esperable es que un...

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La Maestría de George Miller
May26

La Maestría de George Miller

Después de haber visto la explosiva y salvaje Mad Max: Furia en la Carretera, a un espectador como yo le debe quedar claro que George Miller ha vuelto a encontrar su gallina de los huevos de oro. Con este reboot de la saga, el creador de figuras tan míticas como el cerdito Babe o de filmes tan inocentes como Happy Feet, ha reafirmado la opinión que muchos de nosotros ya teníamos sobre su capacidad para dirigir películas de acción en las que los automóviles son – más o menos – los protagonistas. Hay que reconocerlo: en Mad Max este australiano fue capaz de ofrecer al público un filme tan trepidante y poco convencional que, por aquel entonces, la concepción que se tenía sobre las cintas de acción dio un volantazo de 360 grados. Desgraciadamente, como buen nacido en los noventa que soy, yo no pude sentir el arrebatador asombro que todos los nostálgicos espectadores ahora sienten al revisitar el clásico que propulsó la fama de Miller. Sin embargo, lo que sí valoré fue el mérito y el reconocimiento que se le tuvo que dar al director por ser capaz de trasladar a la gran pantalla todas esas frenéticas escenas de carretera con unos medios que, hoy en día, resultarían más que insuficientes. Paradójicamente, con El Guerrero de la Carretera, la segunda entrega de la saga protagonizada por un jovencísimo Mel Gibson, Miller sí consiguió sorprenderme al dotar a su largometraje no sólo con persecuciones automovilísticas más poderosas que las de su predecesora, sino por contextualizarlo con una trama más coherente – o, por lo menos, más estructurada y trabajada – que la que pudimos observar en su escopetazo de salida. Por lo tanto, después de haber visto dos de las tres películas de la colección, no me parecía un disparate pensar que la categoría en la que podríamos situar a Miller es en la de “maestro de las películas de acción”. Aunque a muchos de vosotros se os pueda hacer un poco cuesta arriba esta última afirmación al pensar en el bajón de calidad de Más Allá de la Cúpula del Trueno, donde la esencia de esta salvaje y enloquecida saga se perdía al introducir un tono innecesariamente infantil, hay que destacar un pequeño detalle que quizás algunos no conozcáis: la dirección de la tercera aventura no corrió sólo a cargo de Miller, sino también de un tal George Ogilvie, quien se encargó de la película en general mientras “El Maestro” únicamente se dedicaba a trabajar en sus escenas más “moviditas”.     Por lo tanto, después de haber visto Fury Road, de aplaudir la labor del director en...

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Takashi Miike: la fábrica humana de cine
May08

Takashi Miike: la fábrica humana de cine

Takashi Miike es uno de los directores más prolíficos de las últimas décadas tanto a nivel asiático como mundial, pero a pesar de eso sigue siendo un gran desconocido para la mayoría del público. Esto no se debe tanto a que esa mayoría no tiene buen gusto, que también, sino a que el cine de Miike es muy particular; es de esos directores que han conseguido crear y moldear un estilo propio, que no tienen miedo de nada ni a nadie. A lo largo de su extensa carrera ha rodado y dirigido todo tipo de cosas, desde obras de teatro a grandes producciones cinematográficas tocando cualquier género que te puedas imaginar, empezando por el terror japonés más “típico” a películas de samuráis, dramas sociales, cine yakuza, de superhéroes o películas infantiles. Lo que mueve a este hombre es la pasión por su trabajo, y es por eso que hoy en día, siendo ya un director reconocido en su país, de tanto en tanto sigue dirigiendo películas clasificadas como V-Cinema, algo parecido a las películas “direct to video” de serie B que tan de moda están ahora gracias a producciones como Sharknado o Piranhaconda, pero que en el mercado oriental gozan de mucho más respeto puesto que no dejan de ser películas de bajo presupuesto que los directores realizan para poder experimentar; tienen la limitación económica pero a cambio ganan la libertad de hacer lo que quieran. Y eso que el señor Miike nunca se ha cortado un pelo. Ahí están películas como Ichi The Killer, censurada en Hong Kong  y el Reino Unido, donde obligaron al director a eliminar escenas consideradas de violencia extrema; tampoco corrió mucha suerte Imprint, capítulo que iba a formar parte de Masters of Horror pero cuya emisión en abierto terminaron cancelando por ser demasiado “jodido”, para luego arreglar el entuerto añadiendo el episodio al DVD de la temporada. Otro ejemplo lo encontraríamos en Visitor Q, película casi surrealista que trata con temas tan delicados como la violencia juvenil o el incesto. Y así podría seguir un buen rato. Pero más allá de las polémicas, Miike es un director extremadamente talentoso al que compañeros de profesión como Quentin Tarantino han citado como fuente de inspiración para sus películas. El gran problema con el que se encuentra la gente a la hora de adentrarse en su filmografía es que no saben por dónde empezar; no es de extrañar, por algo cuenta con más de 80 producciones a sus espaldas. Para evitar la pérdida de tiempo buscando información y contrastando opiniones de mil sitios diferentes para terminar escogiendo qué película ver, a continuación os dejamos un pequeño listado con...

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