Miguel Ángel Vivas: “Lo más importante de mi vida es el cine, pero si no disfrutas haciéndolo, dejas de sentirlo”
Oct01

Miguel Ángel Vivas: “Lo más importante de mi vida es el cine, pero si no disfrutas haciéndolo, dejas de sentirlo”

Tienen en común Secuestrados, Extinction e Inside la firma de uno de los directores españoles que más audacia narrativa y mayor competencia técnica ha exhibido en sus trabajos. Uno de los que más ambiciosamente ha construido, con puntería y complejidad, a esos versátiles personajes por los que suele dejarse seducir, permitiendo que sean ellos quienes maticen la esencia del relato, siendo plenamente consciente de que el eje principal de sus trabajos está en el recorrido y no en el resultado. Sin prisas, sin trampas, sin reiteraciones; porque la clave del arte está siempre en la propia concepción, en la búsqueda de lo nuevo y en su condición de necesario. Ya no se estrenan minuciosas películas, corpulentas en lo visual e intuitivas verbalmente. Ya no queda rastro de esas inimitables e infalsificables formas de expresión que mezclaban estética, sustancia y estilo, que gestaron algunas de las ficciones más libres y más prismáticas de la industria. Poco resquicio queda en un efímero hoy que pronto será historia para otra cosa que no sea el engullible entretenimiento exento de inspiración que habita en la periferia del cine, donde el oficio de director ha acabado por consumir al artista, donde toda creación resulta administrativa y procedimental porque de un tiempo a esta parte la experiencia cinematográfica ha dejado de ser epidérmica. No obstante, todas las relaciones son pendulares -a períodos de euforia siempre siguen momentos de depresión- y el séptimo arte tiene pendiente ese regreso triunfal que le reconcilie con un presente que reclama el virtuosismo perdido y el fin del destierro por falta de consonancia. Miguel Ángel Vivas expone, desde la conciencia y la confianza/fé/esperanza, una realidad que conoce bien, componiendo un testimonio abarrotado de salpicaduras referenciales a las que se sobreponen recuerdos y anécdotas que me contagian de verdadero entusiasmo y de cierta nostalgia. Ficción y biografía se mezclarán en su inminente próximo proyecto, del que solo adelanta que será su obra más personal y más dramática, que supondrá una vuelta a sus orígenes y que significará el resultado de una vida entera de indisimulable amor por ese cine en el que se refugió siendo un niño y hacia el que siente una profunda combinación de pasión y agradecimiento: -Secuestrados llega después de un momento de reflexión personal en el que habías decidido abandonar el cine. ¿Qué sucedió para que alguien que afirma que en ese universo encontró una tabla de salvación decida dejarlo? Lo más importante de mi vida es el cine pero si no disfrutas haciéndolo, si no consigues que la experiencia de hacer cine sea maravillosa, dejas de sentirlo. Recuerdo una conversación con Mathew Fox sobre esto mismo:...

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‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico
Sep27

‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico

Darren Aronofsky, director de películas como Pi fe en el caos (1998), Requiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006), El luchador (2008), El cisne negro (2010) y Noé (2014), ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia, y posteriormente en la sección de Perlas del 65 Festival de San Sebastián, su nuevo film mother!, el más ambicioso, frenético, provocativo y críptico hasta la fecha, que tendrá probablemente su horda de haters y de fans, a partes iguales. Su sinopsis es la que sigue: A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. Pero esta sinopsis no es más que la situación narrativa a modo de telón de fondo, puesto que mother! entera es en realidad un cúmulo de metáforas y analogías, aunque bastante crípticas. En palabras de Darren Aronofsky: mother! empieza como una historia típica sobre el matrimonio. En el centro de la historia está una mujer a la que se le exige dar y dar y dar hasta que ya no puede dar nada más. Pero paralelamente, la casa no puede soportar toda la presión hirviendo dentro. Se convierte en algo distinto… Si bien en sus anteriores proyectos, sus guiones se gestaron a lo largo de alrededor de un año, éste nació de forma visceral, tras encerrarse cinco días enteros en una casa vacía. Tras ser preguntado por el motivo de tan oscura visión, su respuesta fue la siguiente: “Es una época loca para estar vivo. Mientras la población mundial se acerca a los 8000 millones nos enfrentamos a problemas demasiado serios que toca considerar: Los ecosistemas colapsan mientras presenciamos extinciones a un ritmo sin precedentes; las crisis migratorias desestabilizan gobiernos; unos EEUU aparentemente esquizofrénicos ayudan a corregir un tratado histórico sobre el clima y meses después se retira;Antiguas disputas tribales y creencias siguen conduciendo a la guerra y a la división; El mayor iceberg registrado jamás se parte en dos en el Antártico y se desplaza hacia el mar. Al mismo tiempo enfrentamos problemas demasiado ridículas para ser comprendidas: En América del Sur unos turistas matan a dos bebés de delfín raros que arrastraron a la orilla, sofocándolos en un frenesí de selfies; la política se asemeja a los eventos deportivos; personas todavía mueren de hambre mientras otros pueden pedir cualquier tipo de carne que deseen. Como especie, nuestra huella es peligrosamente insostenible, pero vivimos en un estado de negación sobre...

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74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico
Sep15

74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico

El Festival de Venecia, el festival de cine más antiguo, ha celebrado su 74ª edición entre el 31 de agosto y el 9 de septiembre. La anécdota más curiosa que ha dejado atrás, ha sido la de ser el primer festival de primera categoría en acoger y crear una nueva competición para la VR –Virtual Reality-. Y lo ha hecho con un mensaje muy positivo: la Realidad Virtual no ha venido a suplantar al cine, sino a buscar un camino paralelo y alternativo, que permita explorar nuevas vías artísticas, dando rienda suelta a la creatividad, en convivencia con el séptimo arte. El Festival, en sus distintas categorías, ha proyectado una gran cantidad de películas procedentes de todo el mundo, de una gran variedad de estilos y géneros, con la particularidad de que ha premiado con el máximo galardón, el León de Oro, precisamente a una película de género: La forma del agua de Guillermo del Toro. Podéis leer sobre ella en nuestro artículo: The Shape of Water. El Jurado, presidido por la actriz Annette Bening, y compuesto por Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright y Yonfan, fueron los encargados de repartir los premios de esta edición. Uno de los grandes afortunados de la noche, fue el debutante francés, Xavier Legrand, con su film Jusqu’à la garde, que se llevó dos grandes Premios: el Premio Venezia a la mejor Opera Prima, así como el León de Plata a la Mejor Dirección. Premios que abren las puertas a un futuro prometedor a este cineasta debutante. La Coppa Volpi a la Mejor Actriz, ha ido a parar a manos de la veterana actriz Charlotte Rampling, por su excelente interpretación en el film del italiano Andrea Pallaoro, Hannah. El Premio Marcelo Mastroinanni ha ido a parar al joven intérprete emergente, Charlie Plummer, por Lean on Pete, de Andrew Haigh. Es un premio que ha logrado alzar muchas carreras. El Premio Especial del Jurado fue a parar a manos de ‘Sweet Country‘, del australiano Warwick Thornton. El premio al Mejor Guión fue otorgado a Martin McDonagh por sus fabulosos diálogos en su nuevo film de ‘Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri‘. Lo anecdótico del palmarés, fue que premiaron con el Gran Premio del Jurado a Foxtrot, del israelita Samuel Maoz, y con la Copa Volpi al Mejor Actor al palestino Kamel el Basha por The insult. No faltaron las preguntas incómodas durante la rueda de prensa de los premiados, cuando se sentaron juntos en la mesa. A su vez, en el Jurado de la Sección Orizzonti, esta edición del Festival tuvo el honor de tener como Presidente del mismo al director italiano, Gianni Amelio, que presentó a su vez fuera de concurso su nuevo...

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La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma
Sep08

La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma

Guillermo del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica… los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». En esta línea, ha presentado su nueva película -titulada The shape of water (La forma del agua)- en la  Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de Venecia, y como no podía ser de otro modo, ha vuelto a introducir un monstruo como elemento angular del film. Con La forma del agua, Guillermo del Toro vuelve a realizar otro cuento fantástico, a partir de una historia escrita por él mismo, y ambientada esta vez en plena Guerra Fría, en los años 60. Más concretamente, nos introduce en un laboratorio gubernamental de alto secreto, donde trabaja una mujer muda, Elisa (interpretada por una magnífica Sally Hawkins), que vive atrapada en una vida aislada, hasta que descubre y conoce al ser anfibio con el que andan experimentando en uno de los laboratorios. La historia bucea entre distintos géneros: fantástico, thriller, drama y romántico. Y a pesar de ser una película principalmente de entretenimiento, la historia tiene un gran peso socio-político llena de analogías. Aunque de lo que habla principalmente el film es del amor. En palabras de Guillermo del Toro: El agua siempre coge la forma de lo que la sostiene en el tiempo, y a pesar de que el agua puede llegar a ser tan leve, también es la fuerza más poderosa y maleable del universo. Del mismo modo funciona el amor ¿no? Da igual en que forma o recipiente depositemos el amor, se convierte en eso, ya sea un hombre, una mujer, o una criatura. En el film, aparecen muchos de los temas recurrentes en la filmografía de Guillermo del Toro, tales como la biología y su fascinación por el mundo fantástico. Temas como el ‘bien’ y el ‘mal’, la inocencia y la amenaza, lo histórico y lo eterno, lo bello y lo monstruoso, confluyen entre ellos demostrando que no hay oscuridad que pueda derrotar del todo a la luz. También en palabras de Guillermo del Toro: Me gustan las películas que son liberadoras, que te dicen que está bien ser quien sea que seas. Y parece ser que en los tiempos que corren, es un tema muy pertinente. Como a lo largo de su filmografía, los films de Guillermo del Toro destacan principalmente por su gran trabajo artístico, creando una atmósfera y estética propia, tanto en el departamento de arte como en el de vestuario. Guillermo del Toro logró juntar a su vez un maravilloso grupo de actores, en...

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Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen
Sep03

Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen

George Clooney ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia su último film, Suburbicon,  que llevaba gestando ya desde hacía más de dos años. El proyecto nació inicialmente sobre la idea del evento sucedido en EUU, en Levittown, Pennsylvania, en los años 50, cuando en una zona residencial acudió a vivir una familia afroamericana, y en la misma noche en que llegaron se reunieron 500 personas en frente de su vivienda con banderas confederadas y con gritos racistas, construyendo un muro a su alrededor. Durante la escritura del guión junto a Heslov alrededor de esta idea, George Clooney recordó un guión de los hermanos Coen de hacía más de 20 años, que había quedado en un cajón. Se trataba de un guión con tema similar a los de Fargo o Quemar después de leer, con personajes insalvables tomando malas decisiones. Los Coen descartaron filmar ellos mismos el guión al querer avanzar hacia otros terrenos cinematográficos. Clooney vio factible adaptar el guión a los años 50 añadiendo los sucesos de Levittown, con la idea de darle además un toque todavía más enfadado al del guión original. Suburbicon destaca por su buena adaptación de los años 50 en los EEUU, donde lo mejor y lo peor de la humanidad queda reflejado en la gente ordinaria. Clooney ha reunido para ello un equipo creativo de alto nivel en todas las áreas, destacando la fotografía por parte de Robert Elswit y las partituras de Alexandre Desplat que cobran protagonismo en partes del film. En esta década posterior a la Segunda Guerra Mundial, la clase media norteamericana estaba en proceso de trasladarse a las zonas residenciales prefabricadas en casas asequibles en comunidades reducidas. Para muchos, este Sueño Americano de poseer una casa propia, con parking y jardín, empezaba a convertirse en realidad. Pero como matizó George Clooney en la rueda de prensa, esta realidad de los años 50 era posible solamente si eras blanco. Es de hecho la época a la que hace siempre referencia el actual presidente Trump en sus rancios discursos de Make America Great Again, aludiendo a la época de Eisenhower. Época, en la que Trump tenía la edad del niño protagonista. Aunque el proyecto nació antes de que Trump se convirtiera en presidente, el film ha terminado siendo idóneo para hacer metáforas y reflexiones alrededor del discurso de Trump. George Clooney no desaprovecha la ocasión para hacer política en sus films. De izquierda a derecha: Julianne Moore como Margaret y Matt Damon como Gardner en Suburbicon, de Paramount Pictures y Black Bear Pictures. Se trata de un film en el que la violencia va escalando lentamente, hasta llegar a un desenfreno total tarantiniano, con grandes dosis...

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El Exorcista: Análisis de las diferencias narrativas entre la película y la serie de TV
Abr13

El Exorcista: Análisis de las diferencias narrativas entre la película y la serie de TV

El Exorcista (1973), considerada la película más terrorífica de todos los tiempos, se estrenaba en los cines norteamericanos de la década de los setenta para marcar un antes y un después en la historia de la cultura popular. Más de cuarenta años después de su estreno, el mito sigue estando de actualidad con dos secuelas que aparecieron en los años siguientes y otras dos precuelas y una serie de TV, con la entrada del siglo XXI. En septiembre de 2016, llegaba a las pantallas de televisión la esperada serie dramática basada en la película original. The Exorcist se proponía trasladar al formato serial, la historia que sobresaltó e impresionó a millones de espectadores en todo el mundo (recaudando más de 400 millones de dólares), y cuyas continuaciones posteriores no consiguieron mantener el nivel de exigencia y calidad que ofreció en su momento la primera parte de esta saga. A pesar de las similitudes que tiene la serie por considerarse un remake del largometraje original, el presente trabajo es un intento por comparar las diferencias narrativas de ambos formatos (película de 1973 y temporada completa de la serie), deteniéndose principalmente en el análisis de sus tramas y personajes, pero también en otros aspectos importantes del relato como el argumento, el espacio, la estética, el tiempo, la estructura o el punto de vista. En definitiva, el objetivo de esta investigación se basa en establecer los factores narrativos que lo diferencian de la película, pese a las semejanzas que posee con su predecesora y comprobar la veracidad de la hipótesis establecida en un primer momento, sobre si la serie es un remake de la obra original. Argumento y Tiempo El argumento de la película y la serie están basados en la novela homónima de William Peter Blatty, escrita en 1971. En El Exorcista (1973), Regan MacNeil es víctima de fenómenos paranormales como la levitación o fuerza sobrehumana. Su madre, Chris MacNeil, se encuentra perdida tras haber sometido a su hija a diversos análisis médicos que no ofrecen ningún resultado, decide acudir a un sacerdote con estudios de psiquiatría. El Padre Karras, convencido de que el mal no es físico sino espiritual, acude a la Iglesia para que le permitan hacer un exorcismo a la joven Regan con la ayuda del Padre Merrin, un veterano sacerdote con experiencia en temas de posesión diabólica. En The Exorcist (2016) la historia que se narra es similar, pero ambientada en la actualidad. La joven Katherine Rance empieza a comportarse de una forma extraña. Su madre Angela, intuye que su hija está siendo poseída por el diablo y acude al cura de su parroquia, el Padre Tomás,...

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20 años perdidos con Lynch en una carretera
Abr05

20 años perdidos con Lynch en una carretera

El juego de palabras es malo, rozando lo pésimo; un servidor es consciente. Pero más penoso seria intentar dar una lección y disertación sobre una película para la que han pasado dos décadas y que define las principales características de un cineasta cuyo apellido ha devenido prácticamente un adjetivo usado por todo cinéfilo en algún momento, aunque quizás demasiado a la ligera y sin tener siquiera en cuenta las propias consideraciones de su autor o sus posibles atributos. Y es que David Lynch nunca ha querido entrar en el juego de explicar qué es lo que hace o por qué lo hace ni cómo se define; muchas veces incluso ni lo que significa. Y no lo necesita. Pero es indudable que hace ahora 20 años Lynch consiguió una nueva obra que con el tiempo dejó enganchada a su legión de fieles y le generó una nueva ola de admiradores atraídos por una historia críptica acompañada de una banda sonora potentísima e impactante. Porque Carretera Perdida (1997) bien merecía ser recordada tras 20 años. En internet ya hay cientos y miles de comentarios y artículos. Cualquier película de Lynch tiene ese poder de generar el desarrollo de párrafos y más párrafos sobre lo que uno cree ver en pantalla y sus lecturas. Y en todos ellos siempre descubre uno algo interesante, algún detalle que se había pasado por alto o al cual no se le daba importancia y que otro ve como respuesta a una idea que le ronda por la cabeza. Se podría hacer un auténtico recopilatorio y saldrían probablemente enciclopedias enteras. A esta fascinación por intentar traducir con palabras lo que sólo Lynch sabe poner sobre la pantalla se han apuntado desde anónimos hasta grandes autores, incluso David Foster Wallace intentó acceder con su propio estilo a todo ese mundo de Lynch que le fascinaba y trastornaba al mismo tiempo, escribiendo su popular artículo durante el rodaje de Carretera Perdida que no obstante demostró topar con cierto desagrado del director (quizás porque se sentó en su silla durante el rodaje o porque lo que vio en el set no tenía demasiado que ver con el resultado final de la película), pues en parte Foster Wallace también era consciente que cualquier intento rayando en lo académico para intentar deconstruir la idea de lo “lyncheano” termina perdiéndose por el camino y topándose con los muros del laberinto en el que se ha metido. Y uno debe plantearse también por qué una película así no gustó demasiado en un primer momento y pasó desapercibida. Como todo, siempre hay un contexto, un pasado; y en el de Lynch, como siempre, es peculiar....

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No sólo del teatro y la literatura bebe el cine: Alex Colville y su influencia en los realizadores norteamericanos
Feb04

No sólo del teatro y la literatura bebe el cine: Alex Colville y su influencia en los realizadores norteamericanos

Título un poco largo, lo sé, pero sirve como introducción a un apartado poco conocido y que espero resulte nuevo para muchos, pues no siempre uno ve con claridad la influencia de ciertos realizadores; más ahora teniendo en cuenta que parecemos estar en una era de cine muy influenciado por el cómic y los videojuegos, fusionados en una estética muy a la moda y que no sabemos cuánto se alargará. El nombre de Alex Colville no sonará a casi nadie y no pasa nada, pues no se trata de un cineasta, de allí que este escrito pueda resultar extraño en una página así. Y sin embargo, su importancia e influencia han sido recalcadas por algunos de los grandes directores estadounidenses del panorama, quienes no dudan en reconocer la fuerza visual de este pintor (sí, esto va de pinturas, señoras y señores; de pintura y cine) contemporáneo con una facilidad para crear imágenes muy sugerentes y llenas de misterio, dejando siempre libre interpretación a la imaginación. Colville, que el próximo 16 de julio hará tres años que falleció, fue un artista canadiense muy en la línea de otros pintores norteamericanos anteriores como Edward Hopper o Grant Wood, de coetáneos como Andrew Wyeth, o de posteriores como Kenton Nelson. Todos tienen en sus cuadros un denominador común: la vida americana cotidiana. Con diferencias evidentes de enfocarlo y retratarlo, claro está, pero con la misma fascinación. Pero Colville destaca entre ellos no por ser mejor o peor o más o menos famoso, sino por ser el más oscuro en cierta manera. Se desmarca dando un sentido a sus cuadros que suele generar desasosiego e intranquilidad, no por ser terroríficos o de pesadillas tipo Goya, sino por captar instantes y hacernos conscientes de que en cualquier momento algo (probablemente malo) va a suceder. Aunque no todos sus cuadros son así, por supuesto. Y lo que aquí se va a intentar, como digo, es intentar hacer ver cómo sus pinturas esconden una fuerza tan cinematográfica que muchos lo han homenajeado (hay que echarle imaginación, ya lo iré recalcando repetidamente) de distintas formas; así que lo único que hay que hacer es intentar observar detenidamente para descubrir la importancia de la composición de sus elementos para despertar nuestras emociones. Empezamos con Wes Anderson, el hipster de moda por antonomasia en los últimos años. Y para él elegimos esta imagen de Moonrise Kingdom, donde el personaje de Suzy observa con unos prismáticos el horizonte. El mar y el cielo quedan a sus espaldas, y ella más que mirarnos a nosotros (o a cámara) parece mirar más allá, más en la lejanía. Pues bien, ahora mirando el cuadro...

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Hace 75 años… nacía un género
Oct17

Hace 75 años… nacía un género

El humo de un cigarrillo, la habitación con hedor a bourbon, una sombra en un callejón, los pasos de un desconocido, el sombrero hundido, el revólver escondido, la mirada de una traición, la chica de mala reputación, las sirenas de la policía, los misterios sin resolver, los puñetazos de la impotencia. No son simples clichés. Fueron trozos de un espejo en el que mirarse en una época no tan lejana. Una atmósfera única, encumbrada, imitada, incluso parodiada, pero nunca igualada como en sus inicios. Algunos nunca vieron más que una moda pasajera y de segunda fila, un mero entretenimiento para los espectadores enojados con la situación social del país y la decadencia moral. El 18 de octubre de hace ya 75 años, un director novel, respetado guionista hasta entonces, estrenaba un film en Estados Unidos que terminaría marcando las pautas de más de una década y alimentando generación tras generación a grandes autores, abriendo las puertas de uno de los géneros con más admiradores en todo el mundo. 1941 fue un gran año. Al menos para el cine americano; en lo demás, nada invitaba al optimismo. Europa estaba en guerra sumida en el mayor horror con los nazis en auge sembrando la barbarie allí por donde pasaban, Japón hacía otro tanto en el Pacífico y ultimaba para finales de ese año el ataque a Pearl Harbor. Y mientras tanto, en Estados Unidos la mayoría de críticos cinematográficos se deshacía en elogios ante el trabajo de Orson Welles tras la cámara en Ciudadano Kane, sin importar su escasa exhibición mientras el país seguía sin arrancar pese a las medidas de Roosevelt. En todo este ambiente, un joven treintañero llamado John Huston estaba dispuesto a abrirse camino en Hollywood como director después de haber firmado junto a otros compañeros algunos de los mejores guiones de los años anteriores, entre los que se encontraban Jezabel (William Wyler, 1938), Juarez (William Dieterle, 1939), El Sargento York (Howard Hawks, 1941) o El último Refugio (Raoul Walsh, 1941). Sabedor de las escasas opciones que daban a los nuevos realizadores si no era con una idea muy prometedora y acoplada a las exigencias de los grandes estudios, Huston tenía entre sus manos un libro con el que se había sentido fascinado y deseaba llevarlo a la pantalla sin tener todavía muy claro cómo convencer a los productores. El libro por supuesto era El Halcón Maltés, de Dashiell Hammett, quien ya había conseguido instaurar en el país junto a un puñado de escritores un nuevo género en la literatura, que pasaría a ser conocido como novela negra. De hecho, Hammett se convertiría en adelante en el máximo...

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Amenábar, ¿dónde estás?
Ago26

Amenábar, ¿dónde estás?

Después de sorprender a toda España en 1996 con Tesis, el director y guionista nacido en Santiago de Chile hace 44 años, Alejandro Amenábar, se encuentra sin un rumbo fijo y en el peor momento de su carrera… ¿Qué ha sido de aquel joven que llegó a impresionar a todos con sus guiones eficaces y una técnica al más puro estilo hollywoodense? ¿Recuperará esa chispa que le permitió convertirse en uno de los mejores directores españoles de nuestra historia? 7 premios Goya cayeron para Tesis, su primer largometraje: Mejor Película, Mejor Dirección Novel y Mejor Guión. Fue un auténtico “Boom” en el cine español y el inicio del seguimiento masivo, por parte de los críticos y espectadores, al nuevo niño prodigio que estudió en la Universidad Complutense de Madrid. Un año después, presenta al mundo su versión sobre la historia de la bella y la bestia en, Abre los ojos, un largometraje que une varios géneros cinematográficos (drama psicológico, romance, ciencia ficción, thriller) en una explosiva película de principio a fin. Aunque obtuvo 10 nominaciones a los premios Goya, sin conseguir ninguno, Tom Cruise supo apreciarla y adquirió los derechos del film que además quiso protagonizarla junto a la actriz española, Penélope Cruz, en Vanilla Sky (2001). Su primer roce con Hollywood. Su tercer film, Los Otros, llegó a convertirse en 2001 en la película española más taquillera de la historia (27 millones de euros) además de llevar bajo el brazo la suma de 8 premios Goya de ese año, entre los que se incluyen: Mejor Película, Guión Original, Director, Montaje, Sonido… Amenábar ya había hecho historia. Su punto más alto en su carrera lo consiguió en 2004, cuando presentó al mundo la historia de Ramón Sampedro. Mar adentro consiguió la friolera cifra de 14 premios Goya, Óscar y Globo de Oro a Mejor película de habla no inglesa y un sinfín más de premios. Amenábar había tocado el cielo con el Óscar, y desde entonces, Mar adentro es a día de hoy, la última película española en recibir tan ansiado premio. Tendrían que pasar 5 años para que en 2009 se estrenase Ágora, un film histórico bajo una trama que junta romance y ciencia. Consiguió 7 Premios Goya de 13 nominaciones, pero se le escapó dos estatuillas importantes: Mejor Película y Mejor Director, algo que casi siempre ganaba el bueno de Alejandro. La película más cara de la historia de España se encontró con numerosas críticas recibidas por su falta de emoción y tensión narrativa. La película no logró impresionar como el resto de obras de la filmografía del director. Llegamos al punto donde Alejandro Amenábar toca fondo. Regresión supone la vuelta...

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Series Británicas Imprescindibles – Parte 4
Ago22

Series Británicas Imprescindibles – Parte 4

Con el firme establecimiento en España de plataformas como Netflix o WuakiTV, y con el avance de otras como Movistar o Vodafone TV, la oferta de series se multiplica por siete a pesar de que los días sigan teniendo veinticuatro horas. Ante esto, los seriéfilos nos enfrentamos a la ardua tarea del descarte: una labor que gana complejidad si asumimos que las producciones extra-estadounidenses ahora llegan mucho antes a nuestro país. Entre ellas las británicas: mi querido British Drama. Un drama que, como ya se venía realizando desde hace tiempo, debe ser repasado de vez en cuando con una nueva entrega de “Series Británicas Imprescindibles”. Downton Abbey (2010) A pesar de que la serie protagonizada por Maggie Smith terminase hace tiempo, la disponibilidad de sus temporadas en nuestro país es mucho mejor de lo que nunca ha sido. Por lo tanto, y para aquellos que no tuvieron la suerte de conocerla cuando se estrenó allá por el año 2010, esta ambiciosa – y muy británica – producción de la ITV en la que nos adentramos en los entresijos familiares del clan Crawley (condes de Grantham), debería pasar a ser uno de los must-see de todo amante del panorama televisivo anglosajón. Ganadora de múltiples premios (Globos de Oro, un BAFTA y varios Emmys), este drama de época coronado como una de las series británicas de mayor impacto a nivel mundial, es una joya con clase, bienintencionada y muy tradicional que sorprenderá a todos los espectadores que aún no le hayan dado una oportunidad.   Catastrophe (2015) Reconozco que no todo son alegrías para la televisión británica. A pesar de que esta comedia recibiese aplausos por parte del colectivo crítico, a mí personalmente no terminó de convencerme. Y es que, aprovechando el potencial que ofrece el típico embarazo accidental en toda serie de televisión, los realizadores de Catastrophe decidieron juntar a una joven irlandesa y a un americano para deleitarnos con episodios de veinte minutos en los que seremos testigos de cómo estos dos desconocidos deciden comenzar una relación por el bien de la criaturita. Y, oye, aunque sus protagonistas resulten muy simpáticos, tengo que reconocer que este intento de Channel4 de ofrecer una comedia más del estilo de Love (Judd Apattow, 2015; otra decepción) a mí no consiguió interesarme lo suficiente como para terminar su primera temporada. Pero, atención, que la serie ha tenido una muy buena respuesta y, tras la reciente emisión de su segunda temporada, ya se han confirmado dos entregas más.   The Last Kingdom (2015) Hay que reconocer que Juego de Tronos es una serie que, a pesar de haber nacido en terreno estadounidense, muy podría considerarse...

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Las amigas de Ágata; la visión de un film espléndido con sus realizadoras.  “Todo era bastante tranquilo y libre, que era lo que queríamos; tener esa libertad”
Ago14

Las amigas de Ágata; la visión de un film espléndido con sus realizadoras. “Todo era bastante tranquilo y libre, que era lo que queríamos; tener esa libertad”

Quizás sea cierto que los milagros existen. Solamente así se puede explicar la exhibición de esta película en nuestro país, sabiendo todos los obstáculos existentes y lo propensos que somos a echar pestes en nuestra propia casa (aunque la mayoría de veces sea con razón, y mucha). Pero “Las amigas de Ágata” se encuentra en las antípodas del cine juvenil moderno, y ya no hablemos del cine español. Porque sus cuatro directoras han demostrado que aún es posible hacer un tipo de cine que no requiere demasiados recursos, y que antepone la honestidad y sencillez de sus propuestas a los artificios que sobresaturan y engordan las cintas endebles. Poco más se puede decir que no dijera ya en líneas generales el compañero Rubén en una crítica de esta misma web; no obstante, la riqueza que encontré en esta película demostraba que se podían echar por tierra todos los convencionalismos aún en plena época de oquedad cinematográfica en el panorama. Sus realizadoras (Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen) daban la mayor bocanada de aire fresco a los cinéfilos ansiosos de vivir experiencias nuevas; una bocanada que el cine español pedía a gritos a la juventud. Es una lástima que su proyección estuviera muy limitada en las salas de cine del país; y eso es quizás lo peor que se puede decir de ella, pues sólo unas pocas salas apostaron por darle una oportunidad a la cinta (sin contar las plataformas online). Por lo demás, me faltarán elogios y sombreros que quitarme ante las directoras y su debut cinematográfico. Una película donde se respira libertad y espontaneidad en todo momento; donde sus actrices rebosan naturalidad a mares, y lo más importante: son actrices españolas que ¡¡¡¡ SON JÓVENES QUE SABEN VOCALIZAR!!!!! Así que sí, permitidme de nuevo hablar de milagro. El retrato sobre estas cuatro chicas y su relación de amistad en un momento de transición de la vida supone la mejor ópera prima auténticamente independiente que un servidor ha visto en mucho, mucho pero que mucho tiempo, casi en una galaxia muy lejana. Por ello, conocer a dos de sus autoras supuso un placer difícil de transmitir. No sé si Pauline Kael estaría orgullosa de esta película (aunque quiero pensar que sí), pero estoy seguro que hubiera disfrutado muchísimo hablando e intercambiando ideas del film con sus realizadoras, y plasmándolas como sólo ella sabía hacer. Y sin duda la intención al conocer a sus realizadoras se encaminaba a buscar esa misma espontaneidad que conseguían en su film de forma tan magistral. Por lo menos, se debe agradecer desde buen inicio la amabilidad y predisposición que tuvieron sus...

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Los joyeros del claro de luna: Pan, toros y Brigitte Bardot
Jun29

Los joyeros del claro de luna: Pan, toros y Brigitte Bardot

Dios creó a la mujer, y el destino quiso que al cabo de dos años Roger Vadim volviera a cruzarse en el camino de su primera musa en Y Dios creó a la mujer (1956) para revolucionar el Sur de España en un nuevo encuentro entre el creador de mitos eróticos y el mito erótico propiamente dicho de varias generaciones. La segunda película juntos de B.B y el futuro director de Barbarella se resume fácilmente en una retahíla de topicazos, clichés celtibéricos y escenarios comunes de la España franquista. Los joyeros del claro de Luna (1958) es una inocente postal turística pigmentada de trazos estéticos que visualmente te retraen a un país atrasado culturalmente y herido por la disparidad entre la pobreza y analfabetismo del pueblo y la irrefutable belleza natural de algunos paisajes rurales. Desde su inicio en los títulos de crédito con el sonido de un zapateado flamenco y el toque de clarines como música de fondo quedan claras las intenciones de lo que viene después. B.B. es Ursula, una ex-novicia que abandona el convento para irse a vivir con su tío el Conde de Ribera (José Nieto) en un retirado y apacible cortijo del Sur de España. Los celos y las disputas amorosas no tardarán en aparecer cuando su propio tutor y el joven guerrillero Lamberto (Stephen Boyd) busquen conquistar a la hermosa extranjera para exasperación de la esposa del primero, la melancólica Florentine (Alida Valli). Estamos ante un folletín romántico puro y genuino que no engaña a nadie ornamentado con corridas de toros, verbenas y pasodobles, mucho vino, peleas a navajazos y amantes furtivos que se citan clandestinamente bajo ventanales de piedra blanca. El elemento pasional es llevado al extremo en un contexto esencialmente folclórico que recuerda (y parodia deliberadamente) a las aventuras románticas de bandoleros rodadas varios lustros antes por Benito Perojo en colaboración con la UFA -la principal productora e impulsora de cine alemán en tiempos del nazismo-. Con la salvedad de José Nieto, Maruchi Fresno y una breve participación de Fernando Rey -mas otros dos o tres roles secundarios y un extenso número de figurantes autóctonos- el protagonismo recae sobre un reparto principal mayoritariamente foráneo que sólo resulta inteligible cuando se expresa en su idioma y que en algunos casos roza el absurdo como Stephen Boyd dando vida a un muchacho de pueblo andaluz. Los joyeros del claro de Luna es una excentricidad menor de Vadim que ni siquiera se rodó con vistas a ser estrenada en nuestro país dadas las restricciones morales impuestas por un estricto código censor que jamás haría la vista gorda a un guión que trataba tan abiertamente el adulterio y que...

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Historia del cine de Ciencia Ficción: El tiempo. PARTE IV
Jun29

Historia del cine de Ciencia Ficción: El tiempo. PARTE IV

No hay argumento más intrigante o fuente de fascinación más prodigiosa que los viajes en el tiempo. Todos los seres humanos nos hemos planteado alguna vez en nuestra vida, viajar en el tiempo y cambiar algunos acontecimientos…¿Y si fuera posible? En 1895 H.G Wells escribió la novela La máquina del tiempo que marcaría un mito en la ciencia ficción. Una  historia que ha sido adaptada al cine, radio y televisión. Wells creó con ella un nuevo género fantástico protagonizado por un inventor, una máquina y un viaje en el tiempo. La combinación de estos tres factores dio como resultado la película más famosa sobre viajes temporales, Regreso al futuro (1985) narra las aventuras de Marty Mcfly que viaja al pasado por error y hace que su madre se enamore de él y no de su padre, arruinando así su existencia. La película añade un factor adicional a la historia de Wells, al explorar las consecuencias de viajar a través del tiempo. Al pisar el pasado, altera los acontecimientos. Pero esta idea choca con la teoría de la “paradoja del abuelo” que expone que si alguien viaja al pasado y mata a su abuelo, no podría pasar, puesto que al morir su abuelo, el viajero no hubiera tenido padre, y éste nunca podría haber hecho el viaje en el tiempo, por lo tanto es imposible. El primero en explorar las consecuencias de los viajes temporales fue Ray Bradbury en 1952 con su relato El sonido del trueno. Introduce la idea de que la alteración más mínima en el pasado podrá tener repercusiones en el momento de regresar a la época actual. Esto se conoce como “el efecto mariposa”. En las excelentes aventuras de Bill y Ted (1989) se introduce un concepto nuevo, el de viajar en el tiempo sin que se viera que ha viajado en el tiempo. Desde hace más de cincuenta años, el Doctor Who narra las aventuras de un inconformista viajero temporal. Atraviesa el tiempo y el espacio a través de la Tardis. El doctor vive en la máquina del tiempo y no tiene la sensación de que esté viajando, salvo cuando abre la puerta. El secreto de su éxito radica en el complejo personaje del doctor que ha sido interpretado por numerosos actores. La ciencia ficción, al igual que con la Tardis, nos ha transportado a un futuro muy lejano. Desde sus primeros pasos, la ciencia ficción se ha preguntado cómo sería el futuro. Con Metrópolis, nos describe una ciudad del mañana, donde todo es tecnología avanzada del futuro. Al igual que con La Fuga de Logan (1976) en donde todo parecía nuevo e inmaculado choca...

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Entrevista a Alberto Vázquez: “Mi intención primera siempre, sea cual sea el proyecto, es contar una historia”
Jun03

Entrevista a Alberto Vázquez: “Mi intención primera siempre, sea cual sea el proyecto, es contar una historia”

Director de cine de animación, dibujante e ilustrador. “Contador” de realidades y “fabulador” reflexivo. Ilusionista de formas ingenuas, caviloso de perversos contenidos… Alberto Vázquez ha construído un personalísimo vehículo de expresión con el que hacer llegar sus historias a un espectador que ya reconoce en su trazo una identidad subversiva. Cuatro años han pasado desde que Birdboy ganase ese Goya que Psiconautas necesitaba para ver la luz. Psiconautas la película, precisamos, porque Psiconautas la novela gráfica, llenaba estanterías en librerías especializadas desde 2007. Un camino largo -el cine de animación no sabe de impaciencias- que empieza a dar sus frutos en forma de afectuosa acogida en diferentes festivales. La segunda nominación a los Goya llegaría en su 29th edición con Sangre de Unicornio, en una temporada cargada de reconocimientos. Más de 200 festivales acogieron aquel 2014 esta inquietante fábula de apariencia naif y fondo macabro. Decorado, su trabajo más reciente, vuelve de Cannes con los deberes hechos y la agenda repleta: su estreno nacional se espera para el 17 de Junio en Valencia. Este relato existencialista, protagonizado por animales antropomorfos, sobre el destino y la libertad del ser humano viene a consolidar el talento de uno de los nombres propios con más peso en el género: Alberto Vázquez vive un momento profesional inmejorable después de haber recibido el premio a Mejor Película en el Festival de Animación de Stuttgart (Alemania) y estar nominado en la misma categoría en el Annecy (Francia), donde también compite con Decorado. Menudo año, ¿no? Estreno de Decorado en Cannes, reestreno -después de San Sebastián- de Psiconautas en nuestro Cans: ambos con notable éxito. ¿Cómo lo estás viviendo? -Muy bien, la verdad, pero aunque hayan coincidido las dos cosas al mismo tiempo (volverán a coincidir en Annecy, uno de los eventos de animación de más repercusión), la película hace meses que la terminamos y estrenamos… aunque es ahora cuando iniciará el largo camino de festivales. El corto, en cambio, lo acabamos de estrenar directamente en Cannes y la recepción ha sido estupenda. Estamos muy contentos, la verdad, porque Decorado va un punto por delante de todo mi trabajo anterior. Después de haber visto Birdboy, Sangre de Unicornio y Psiconautas me quedo con la sensación de que tu trabajo se va recrudeciendo con el tiempo: ¿Tiene esto más que ver con el formato, con la osadía que la madurez imprime a un autor…? Evidentemente el lenguaje narrativo empleado en el cortometraje no es el mismo que puedes usar en un largo. En el primero tienes la posibilidad de arriesgar más en todos los aspectos, por eso en ellos apreciarás una propuesta más radical, aunque es cierto...

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Nocturna Film Festival – Días 4 & 5 – Diez minutos con Nacho Vigalondo
May28

Nocturna Film Festival – Días 4 & 5 – Diez minutos con Nacho Vigalondo

DÍA 4 En el Nocturna hoy ardía el photocall incluso más que en el día de la inauguración. Al calor del flash, posaban los responsables y participantes del corto que más parda la ha liado hasta el momento. A mis veintiún años, creí haberlo visto todo (mal asunto si así fuera), pero en el tema de material promocional, jamás en toda mi vida me había cruzado con pajaritas que anunciaban el título de You’re Gonna Die Tonight, la obra de Sergio Morcillo que se convirtió en el acontecimiento de la noche. Nombrar a todos los miembros del equipo de fútbol que se acumuló en el escenario sería una locura. Reconocí, sin embargo, al mismo director, al guionista Álvaro Fuentes y al productor Adán Latonda, el dueño y señor del estudio Fonofox. El corto, una dedicatoria al recordado Wes Craven, rodado en inglés con acento español, sigue a una mujer que vuelve a su casa entre flashbacks de una noche loca de las que salen en los videoclips, para relajarse y darse un homenaje. De pronto, recibe la llamada de un acosador que claramente vio Scream. Esta no es la única referencia/homenaje a los clásicos del slasher, pues el psicópata en cuestión tiene una máscara de piel de cuyo responsable quiero el número de teléfono. Morcillo no se esconde de la sangre ni el morbo, y a los fans les encanta que sea así. De momento, es el corto con más arco argumental que he visto en el festival (y aun así no le daría la Palma de Oro), y eso se agradece, especialmente en un momento de la semana en el que empezaba a pensar que el género de terror en el formato breve estaba agotando sus posibilidades. El ausente Jaume Balagueró (que en ese momento, según se anunció, estaba ocupado tuiteando “la batalla entre los antidisturbios y los protestantes en el barrio de Gràcia”) producía la película que venía a continuación, a cargo de Alberto Marini. Película española rodada (mayoritariamente) en inglés sin acento español, Summer Camp hizo estallar a más de uno. En los momentos en que pretendía dar terror, daba risa. En los momentos en que pretendía dar risa, daba risa. Esto ya nos dice algo positivo: te guste o no, seguramente te lo pases bien en un momento o dos, especialmente teniendo en cuenta que no está exenta de puntazos, como una desternillante y negra escena que tiene que ver con el inoportuno sonido de un teléfono móvil y un final que juega estupendamente la carta de la anticipación hasta que se hace tan explícito que pierde fuerza. Hubo algún incidente con el formato de...

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Kike Maíllo: “Enseñar una película es como desnudarte delante de alguien por primera vez”
Abr24

Kike Maíllo: “Enseñar una película es como desnudarte delante de alguien por primera vez”

Toro (Kike Maíllo, 2016) es la historia de cuarenta y ocho horas frenéticas en las que dos hermanos se reencuentran. Uno de ellos desea hacer las cosas bien, está a punto de acabar con éxito esa segunda oportunidad que le brinda la sociedad y la vida; el otro, con un problema muy grave por el que se ve obligado a pedile ayuda. Ese lapso de tiempo, en ese camino hacia la recuperación, hacia la bendición, les llevará al extremo, en el que tendrán que tomar decisiones radicales. Su director define su filmografía como muy europea y, a diferencia de su predecesora, Eva¸ nos cuenta que “Toro sí que parece una película española, plagada de símbolos patrios y de cosas y lugares reconocibles”. Sobre el futuro, confía en que el cine es un diálogo con el espectador y que sus proyectos serán reacciones a sus anteriores trabajos. Hoy charlamos con Kike Maíllo, Goya a la Mejor Dirección Novel en 2012. Toro es una gran producción, con un gran director y un gran reparto. ¿Cuál es el margen de mejora en proyectos como este? Yo vengo de un mundo de escuela y allí se hacen películas muy pequeñitas. Con esto quiero decir que cuando afrontas un proyecto, sea del presupuesto que sea, uno lo hace como la película que quiere contar y lo que está en debate es qué utensilios o herramientas va a necesitar uno para contar bien la historia, independientemente del presupuesto. Con cintas como Toro el cine español indaga cada vez más en las realidades más oscuras de la geografía española. ¿De dónde nace esta historia escrita por Fernando Navarro y Rafael Cobos? En las primeras reuniones que tuvimos con Fernando Navarro, al que acababa de conocer después de la promoción de Eva, indagamos en qué película nos gustaría escribir juntos. Nos enamoramos de un personaje que se tomaba la justicia por su mano, violento, que tenía un punto iracundo y ese es el personaje de Toro. Fuimos tirando del hilo y cuando estábamos escribiendo la primera versión, pensamos en la idea de incluir a Rafael Cobos, que era un buen amigo de Navarro y había escrito varios thrillers para Alberto Rodríguez, en los cuales la idea del sur y de la tierra estaba muy patente en sus personajes. Intentamos traer algo de eso a nuestra película, que pasara concretamente en un lugar, que no fuera una película internacional y deslocalizada. Antonio Pérez, uno de los productores de esta película, habla de ella como un thriller con sabor coreano y como director, posees un estilo ambicioso y contemporáneo, sin ningún miedo a competir en géneros que antes creíamos...

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Centenario del Nacimiento de Gregory Peck
Abr05

Centenario del Nacimiento de Gregory Peck

¿Dónde termina el hombre y empieza el mito? Con alguien como Gregory Peck es difícil de discernir; su nombre no es sólo sinónimo de grandes títulos e interpretaciones, sino que supone la asociación automática con el hombre bondadoso por antonomasia, de una humanidad impagable, además del tipo alto, guapo y elegante. Resulta imposible separarlo de algunos de sus personajes más recordados, especialmente Atticus Finch, al que siempre consideró su favorito y le valió uno de los mayores reconocimientos de la historia por su compromiso social. Y es que, cumpliéndose este 5 de abril nada menos que 100 años de su nacimiento, si uno se pone a revisar todo lo que algunos están escribiendo en los medios estos días para homenajear su figura, resulta imposible no quitarse el sombrero y aplaudir la gran labor que realizó este actor que fue un auténtico galán tanto dentro como fuera de la gran pantalla. Algunos considerarían hoy día sus personajes pedantería pura y el rollo del americano bueno e intachable que no hay quien lo trague. A este respecto se pueden decir varias cosas. La más importante, y en palabras del propio Gregory Peck, es: “dicen que los tipos malos son más interesantes para interpretar, pero para mí es un desafío mayor interpretar a buenas personas, porque es más duro hacerlas interesantes”. Y otra cosa bien clara, es que si se revisa su filmografía, que aquí por supuesto intentaremos repasar aunque sea por encima (porque si no nos dan las tantas), se pueden descubrir todo tipo de géneros y personajes. Puede que Gregory Peck se quedara sólo con algunos calificativos porque se los ganó a pulso por personajes memorables, pero se movió como pez en el agua en todos los géneros y con todo tipo de caracteres, dándolo siempre todo y demostrando sólidas dotes de interpretación. Pero nos daremos cuenta que en su vida personal también hubo un grandísimo hombre comprometido con el mundo hasta el fin de sus días. Y es que ya lo dicen algunos, sólo las leyendas superan a sus propios personajes. https://www.youtube.com/watch?v=OjlBkDwRMuU   Gregory Peck nació en San Diego (California), en la comunidad de La Jolla, con el nombre de pila de Eldred. Era hijo de Gregory Pearl Peck, un farmacéutico de ascendencia armenio-irlandesa con una profunda devoción católica, y Bernice Mae Ayres, de ascendencia escocesa y que se convirtió al catolicismo después de casarse. Según se rumorea, su madre le puso el primer nombre de Eldred al abrir al azar la guía telefónica. Por supuesto, su hijo en cuanto pudo usó su segundo nombre en el mundo artístico, y la verdad que nadie puede culparlo porque además le...

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Personajes inolvidables de las series
Abr04

Personajes inolvidables de las series

El formato en serie hace que sus personajes nos acompañen, a veces, durante varios años. El carisma de ciertos personajes traspasa papel y pantalla, impregnando de sentido la dedicación del telespectador, ávidos como somos de encontrar personajes que escapen del gris común. Algunos son los protagonistas de las series y otros son personajes secundarios, pero todos ellos brillan a su manera.   Hundred Eyes (Marco Polo). Interpretado por Tom Wu Marco Polo tiene uno de los protagonistas más sosos que ha dado el mundo seriéfilo en los últimos años. Para compensar, nos brinda un secundario de altura con Hundred Eyes, un maestro de las artes marciales ciego y temible. No es de extrañar que alguna de las escenas más importantes de la serie estén protagonizadas por él. Netflix ha lanzado un especial sobre sus orígenes. · · · Ari Gold (Entourage). Interpretado por Jeremy Piven Entourage tiene a los hermanos Chase, Eric, Sloane, el Tortuga, los entresijos de Hollywood, actrices famosas interpretándose a sí mismas y el mayor surtido de mujeres hermosas que haya dado jamás una serie de televisión. Pero no nos engañemos, el mayor aliciente de El Séquito es Ari Gold, el mejor agente de actores habido y por haber. · · · Vanessa Ives (Penny Dreadful). Interpretada por Eva Green En una serie que cuenta con personajes de la talla de Dorian Gray, el Dr. Victor Frankenstein, el mismo Frankenstein, hombres lobo y vampiros, la Reina es Vanessa Ives. El personaje de Vanessa y la actuación de Eva Green son, para mí, lo mejor de Penny Dreadful. O se posee a Eva Green o no es posesión. · · · Richard Harrow (Boardwalk Empire). Interpretado por Jack Huston Un cautivador héroe en la sombra, parco en palabras, terriblemente eficiente en el arte de ajusticiar a quien lo merezca, siempre y cuando haya de por medio una motivación personal insalvable. Richard Harrow es el gran héroe romántico de Boardwalk Empire. · · · Omar Little (The Wire). Interpretado por Michael Kenneth Williams Incluso los ladrones de vendedores de droga y asesinos de gangsters deben tener un código moral, además de una recortada colgando por dentro de la gabardina y un chaleco antibalas. Si escuchas “Omar’s Coming Yo!” y formas parte del “juego”, mejor que salgas corriendo. El atractivo de este emblemático personaje no tiene parangón. Incluso el Presidente Obama ha mostrado su fascinación por Omar en más de una ocasión. · · · Walter White (Breaking Bad). Interpretado por Bryan Cranston Sir Anthony Hopkins, después de ver Breaking Bad en dos semanas, escribió y mandó una carta al protagonista de la misma: “Querido Señor Cranston, su actuación como Walter White es la mejor que he visto en mi vida. Punto.” You’re god damn right. Su estupenda actuación se sustentaba en...

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Historia del cine de Ciencia Ficción: Robots. PARTE III
Abr04

Historia del cine de Ciencia Ficción: Robots. PARTE III

Nuestro deseo de jugar a ser dioses siempre ha fascinado a la ciencia ficción. Dios es el creador de la vida, pero gracias a los avances de la tecnología, nosotros algún día también podremos crearla. Es un objetivo lejano para los científicos, pero no para la ciencia ficción. ¿Y si estas creaciones se vuelven contra nosotros? Este es el argumento de la película de James Cameron, Terminator (1984) que habla de un futuro en el que la arrogancia del ser humano ha conducido al fin de la humanidad. Abunda en la idea de que la tecnología será la base del desastre, “peligro de la tecnología”. Terminator es un robot asesino con apariencia humana que llega procedente del futuro para aniquilar a la madre del líder de la resistencia en un futuro, John Connor. La película Frankenstein (1931) trata de cómo un hombre se erige ser Dios. Esta obra nos enseña los peligros de crear vida artificial. Su autora, Mary Shelley nos muestra su inquietud sobre la emergente industrialización. En la década de los cuarenta, Isaac Asimov estableció las tres leyes de la robótica: 1-Un robot no puede hacer daño a un ser humano o permitir que un ser humano resulte herido. 2- Un robot debe obedecer las órdenes dadas por personal cualificado sin violar la ley número 1. 3- Un robot debe proteger su propia existencia, a menos que entre en conflicto con las leyes 1 o 2. Planeta prohibido (1956) es la primera película ambientada en el espacio y la primera en tener un robot, Robbie, con personalidad propia. Después de ver Naves misteriosas (1972), George Lucas quería robots parecidos a éstos para su próxima película. Personas con enanismo que pudieran meterse en cuerpos de robot pequeños. Así nació uno de los robots y la pareja más famosa de androides de la ciencia ficción: R2D2 y C3PO. El espectador reconocía en ambos robots la parte de sensibilidad que tenemos los humanos. El diseño de C3PO estaba inspirado en la película Metrópolis (1927) de Fritz Lang, el primer largometraje de ciencia ficción. Con C3PO y R2D2 descubrimos que la inteligencia artificial también podía ser amistosa. ¿Y si los humanos se estuvieran convirtiendo en ciborgs? El hombre siempre se ha sentido atraído por la creación de vida artificial. Pero nuestra fascinación por la tecnología nos ha llevado a tener usos perversos en contra de la humanidad. Robocop (1987) es el defensor del futuro, mitad máquina, mitad humano. Murphy que tras un brutal ataque, se convierte en un policía robotizado. La trama viene de una historia antigua, Murphy es crucificado y luego resucitado. Para Paul Verhoeven, la película nos advierten que...

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