Vivir sin permiso: Luis Zahera nos habla de la nueva serie de Telecinco
Mar21

Vivir sin permiso: Luis Zahera nos habla de la nueva serie de Telecinco

No es sencillo rastrear los pensamientos de un personaje, tocar un alma de oído o darle olor y color a la piel. No es fácil confeccionar una vida, leer sus arrugas y robustecer una personalidad modulándola sin prostituirse ni caer en el reseñismo. Se necesita mucho oficio para endurecer el frágil músculo que envuelve la intuición hasta darle voz propia -única, personal e intrasferible-, la del personaje que nace cuando el actor se sabe tercera persona y Luis Zahera lo tiene -por adquirido- y lo contiene -por instinto y genética-. En breve le disfrutaremos en Vivir sin permiso, nueva apuesta de Telecinco, en la que compartirá planos con Jose Coronado, Alex González o Leonor Watling entre otros, y sobre ella le hemos preguntado durante un rodaje que estableció su centro de operaciones en nuestra Galicia natal. -Acabas de terminar el rodaje en Galicia, tu -nuestra- tierra, de Vivir sin permiso, nueva apuesta de Telecinco que verá la luz en breve y que promete ser una absorvente intriga familiar a la ve que un muy tenso juego de poder. ¿Cuál es tu papel en ella? Interpreto a un amigo de siempre de Nemo, un leal compañero que lleva a su lado desde los inicios de su profesión que suele solucionarle los inconvenientes de un camino muy sucio que han recorrido juntos. Un personaje duro, oscuro, aunque aquí somos todos bastante turbios. -Suelen pedirte este tipo de papeles porque es cierto que posees un físico contundente y rotundo, que nada tiene que ver con lo que tu mirada transmite pero ¿echas de menos un cambio de registro? ¿hay algo que te apetezca hacer especialmente? Sí, es cierto que suelen decirme algo así y lo agradezco porque me parece un halago precioso. Así a todo, ya sabes cómo va esto, si empiezas haciendo de bueno es más fácil que te lleguen ofertas de ese estilo, si empiezas haciendo de sufridor lo mismo… mi experiencia es esa. Yo empecé interpretando papeles de malo, o tirando a malo, lo que los americanos llaman un característico y no me ha ido mal, la verdad. No me supone el más mínimo problema, de hecho. El único problema en esta profesión es no trabajar, creo. -¿Se le coge cariño a los personajes?, ¿Hay alguno del que te hayas quedado algún recuerdo más especial? ¡La verdad es que no soy demasiado fetichista! Una vez escuché que Gene Kelly decía en una entrevista que su papel favorito siempre era el siguiente, el que está por venir. Es cierto que no puedo olvidarme de Petroleo o del yonki de Celda pero no me quedaría con ninguno por encima de otro,...

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Nacho Vigalondo, un autor único
Feb25

Nacho Vigalondo, un autor único

Nacho Vigalondo es un rara avis dentro del cine español. Su filmografía comprende cuatro largometrajes rodados en solitario (Los Cronocrímenes, Extraterrestre, Open Windows y Colossal) además de varios cortometrajes, uno de ellos con nominación al Oscar. A su carrera como director, debe aunarse las funciones de guionista (todas sus obras están escritas por él), y en muchas ocasiones la de actor, con pequeños papeles en la gran pantalla. El presente artículo-ensayo estará enfocado al análisis de sus películas y al establecimiento de sus principales características como autor cinematográfico. Los cronocrímenes (2007) es la ópera prima del realizador cántabro. Su argumento gira en torno a un hombre que descubre a través de sus prismáticos a una preciosa joven en la profundidad del bosque. Héctor, el protagonista de esta historia, decide ir a buscarla sin comentarle nada de este hecho a su mujer, Clara. Cuando está delante del cuerpo de la chica, un extraño individuo armado con unas tijeras y la cara vendada, lo ataca por la espalda. A pesar de resultar herido en el hombro, consigue huir y llega a un laboratorio científico situado en mitad del bosque. Allí, un científico le ofrece esconderse en una máquina que resulta ser del tiempo, y que provoca una serie de catástrofes con consecuencias imprevisibles en la vida de Héctor.     Esta obra aúna géneros tan dispares, pero frecuentemente utilizados en este tipo de películas como la ciencia ficción o el fantástico junto con el más intenso thriller. Este hecho será una premisa frecuentemente utilizada en el cine de Vigalondo (es decir, la mezcla de diversos géneros siendo uno de ellos el fantástico), aunque a partir de este film se hará menos representativo en el resto de su filmografía posterior, dejando al elemento fantástico o maravilloso en un segundo plano, y sirviendo únicamente como mecanismo que activa y permite el desarrollo de la historia. Por lo que se puede considerar a Los cronocrímenes, como la obra más comercial y con menor personalidad realizada hasta la fecha por su autor. Este hecho lo recoge significativamente Amanda Ruiz (2013, pág. 6) de la siguiente manera: “En cualquier caso, se intuye que, detrás de los largos y los cortometrajes de Vigalondo, hay una cierta voluntad de subvertir los códigos de los géneros e incluso de mezclar géneros aparentemente opuestos, como pueden ser la comedia y la ciencia ficción [Extraterrestre (2011)]. De hecho, incluso en la película Los cronocrímenes (2007), clasificable dentro del género de la ciencia ficción de una manera más obvia, encontramos conexiones con lo fantástico”. Su segundo largometraje es Extraterrestre (2011), una comedia romántica con toques de ciencia ficción. Su historia es sencilla,...

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Las mejores series europeas (excluyendo Islas Británicas) de 2017
Ene02

Las mejores series europeas (excluyendo Islas Británicas) de 2017

Hace doce meses tuve la iniciativa de realizar una lista de las mejores series europeas de 2016 sin contar la ingente producción de las Islas Británicas. Dicho post se convirtió en el mas visto de la revista  Tviso de todo el año 2017 y con bastante ventaja sobre el siguiente, por lo que nada mejor que empezar el año con una selección similar, aunque con algunos cambios en el criterio de selección. En primer lugar, gracias al creciente interés que tienen las series europeas en nuestro país, cada vez son más las plataformas y canales que las programan, mal que les pese a algunos. En esta ocasión me he limitado a seleccionar series que han sido emitidas en nuestro país y que han estrenado temporada este año, haya llegado o no todavía a nuestras pantallas, porque en estos casos solo es cuestión de tiempo y siempre se pueden ver las anteriores. Bajo este criterio, queda fuera la gran trilogía belga de ‘Tytgat Chocolat’, ‘Beau Sejour’ y ‘Tabula Rasa’, inéditas por estos lares, así como algunas nórdicas como ‘Jordskott’ , ‘Innan vi dör’, ‘The Restaurant’ o ‘Algo en que creer’ que todavía no ha finalizado aquí la emisión de su 1T, pero que estará seguro en la lista del año que viene. Como decía el año pasado, no os toméis el orden muy al pie de la letra, ya que la selección de quince series es ambivalente y os la debéis tomar como unos dorsales que podéis intercambiar, aunque en este caso reflejan mis impresiones y gustos personales sobre las temporadas que se han emitido este año 2017. Para no hacerlo demasiado largo, en aquellos casos donde es posible, he incluido los enlaces a los artículos que he publicado en mi blog del Diario Vasco, empezando por la lista que publiqué la semana pasada, sobre las mejores series mundiales inéditas en nuestro país, con la que no existe ninguna coincidencia en este caso. Aquí tenéis nuestro once titular, un equipo mas que competitivo, como podréis observar.   15. SUBURRA (ITALIA, NETFLIX): Suburra es una serie de mafiosos que parece una marca blanca de Gomorra, ubicándola en Roma y mas asequible para el público generalista de muchos países que es lo que busca Netflix en muchas de sus producciones internacionales, con un resultado correcto y entretenido, pero nada que no hayamos visto antes mejor desarrollado en otras series de mafiosos. Ver ficha en Tviso   14. PRISIONERAS (ISLANDIA, SUNDANCE CHANNEL): La interesante vida en la única prisión femenina de Islandia a través de las escasas prisioneras que cumplen condena, con el protagonismo principal para la hermana de una importante política que está...

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La Premier League de las nuevas series británicas de 2017
Dic28

La Premier League de las nuevas series británicas de 2017

Las series británicas  son indudablemente las segundas  mundiales en importancia, por lo que en Tviso le hemos querido dedicar un espacio quincenal para hablar de forma casi exclusiva de las novedades que en forma de miniserie o serie corta aparecen con una enorme frecuencia y ayudaros a elegir entre tanta oferta británica. Por estas razones retomando una iniciativa de hace dos años, para finalizar el año, vamos a hacer este articulo recopilatorio donde vamos a enumerar las novedades del año 2017 según nuestro criterio de menor a mayor interés. El año 2017 en el Reino Unido ha destacado sobre todo por el asentamiento de series conocidas y queridas por el público destacando por encima de todas las tres joyas de la corona actuales las fabulosas Line of Duty, The Crown y Peaky Blinders que siguen estando en plena forma y lo que es más importante al nivel de las mejores series estadounidenses. En un segundo escalón de alta calidad tenemos series consolidadas como Unforgotten, Catastrophe, Victoria, Dr Foster, Detectorists, Broadchurch, No Offence, The Durrells, The League of Gentlemen, People Do Nothing o Inside no 9, que en sus nuevas temporadas han dado excelentes muestras de la gran salud de la industria británica que la dotan de esa gran profundidad de la que carece el resto de países europeos. Como suelo comentar al ceñirme a las novedades, para mí no es tan importante el ranking y el orden en sí mismos, en un año que podemos catalogar como medio-alto, como divulgaros los proyectos más interesantes que se han estrenado y que, lógicamente, no tenéis tan controlados como los grandes éxitos arriba mencionados, que tienen mucho más seguimiento en las redes sociales y que son mucho más fáciles de estar al día y compartir impresiones, por lo que pongo una breve sinopsis y el enlace al artículo correspondiente. El formato lo he comparado con la Premier League de fútbol inglés, que, con 20 equipos, es de las más poderosas del mundo, y me ha parecido un buen número para presentaros las mejores novedades de 2017, teniendo en cuenta que el nivel de las diez primeras es muy elevado, y todas ellas son ampliamente recomendables para devorar en una sentada, cualquier fin de semana. Sin más dilación, aquí tenéis nuestra selección en forma de Premier League de novedades británicas televisivas de 2017   20. GUNPOWDER (3 ep) BBC En 1605 un grupo de nobles católicos empieza a tramar ‘La conspiración de la pólvora’ o como su original ingles ‘ Gunpowder Plot’ con la intención de atentar contra la vida del rey y sus principales súbditos en un arriesgado complot que podría cambiar...

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Lo peor de lo peor de lo peor de las series del 2017. He vuelto a ver cosas que ni os podéis imaginar
Dic26

Lo peor de lo peor de lo peor de las series del 2017. He vuelto a ver cosas que ni os podéis imaginar

El último martes del año lo dedicamos desde hace años a una selección de lo peor con los espantos y horrores del año que finaliza. El aumento exponencial de la producción de series proporciona ingentes cantidades de material digno de estar en una lista de lo más infumable, haciendo mi trabajo cada vez más complicado para elegir en el vertedero de las series, lo peor y más vomitivo que se emite por todo el mundo. Por estas razones vais a encontrar a faltar series que han hecho amplios merecimientos para estar en la lista como Absentia, Einstein, 9JKL, Gypsy u otras de nivel similar, pero que han conseguido finalmente superar el corte, por haber encontrado cosas incluso peores por difícil que os pueda parecer, en especial al extender la búsqueda a escala mundial El criterio principal para seleccionarlas ha sido el nivel de tomadura de pelo que sus creadores han intentado colarnos, con propuestas indignas hasta de trabajos de fin de curso del peor grado audiovisual de nuestro país. Un agravante ha sido que en algunos casos cuentan con nombres importantes como gancho para pillar a los incautos espectadores, con promesas más incumplidas que las que nos hacen en una campaña electoral cualquiera. Como siempre, os aviso que la calidad infame de las propuestas que vais a ver en la selección puede herir las sensibilidades de los seriéfilos más delicados y en ese caso declinamos toda responsabilidad sobre las consecuencias que podáis sufrir con la lectura de este artículo o el visionado de algunos de los trailers elegidos para ilustrarlo. Aquí tenéis nuestra selección de la bazofia mundial 2017:   10. THE TEENAGE PSYCHIC (HBO, TAIWAN). UNA IMPROBABLE MEDIUM JUVENIL Xiao Zhen es una joven adolescente que debe compaginar su vida como estudiante con sus deberes en un templo donde se comunica con los diferentes espíritus que desean decir cosas a sus seres queridos, entre los que se encuentra su abuela desaparecida que se manifiesta de diferentes formas en su casa. Xiao zhen tiene mas facilidad para comunicarse con los muertos que con los vivos, ya sea para hablar con el chico que le gusta o con los clientes que le hacen demandas de los más raro para que las traslade a sus difuntos. La primera producción en mandarín de la rama asiática de HBO, rodada en Taiwan, es un intento fútil de mezclar un drama adolescente con una trama fantástica de espíritus, sazonada de toques de comedia, que solo consigue decepcionar a los fans de los tres géneros que intenta mezclar con menos gracia que una antología de chistes de cassettes de autopista. Nada funciona y todo está...

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Series Británicas Imprescindibles – Parte 5
Dic14

Series Británicas Imprescindibles – Parte 5

Seguimos con el reportaje iniciado por Nicolás Gonzalez sobre series británicas imprescindibles, fuente inagotable de placer seriéfilo.   Line of Duty (2012 – Presente) Line of Duty es una de las mejores series de la actualidad y una de las ficciones policíacas más logradas que yo haya visto. La serie sigue las investigaciones de un grupo anti corrupción denominado AC12, los ‘Asuntos Internos’ de la policía central de Reino Unido. La tensión que destilan las operaciones policiales de vigilancia se traslada a sus tramas en cada una de sus temporadas.     El Infiltrado (2016) Miniserie de 6 episodios que adapta la novela de mismo nombre escrita por John Le Carré. Adictivo thriller de espionaje, llevado a cabo por el servicio secreto británico en las filas de un importante traficante de armas. A Tom Hiddleston, interpretar a un ex soldado británico metido en un traje hecho a medida, le sirvió de casting no oficial a opositor para ser agente secreto al servicio de su majestad.     The Escape Artist (2013) The Escape Artist consta de 3 episodios, en los que un abogado criminalista se las verá con un extraño y obsesivo cliente, después de ayudarle a esquivar un caso de asesinato múltiple. Fans de David Tennant, no podéis dejar escapar esta serie. Rubén Seca escribió sobre The Escape Artist: Trampas legales     Code of a Killer (2015) Miniserie de dos episodios que narra el caso real ocurrido en Leicester en los años 80. Tras el asesinato de varias jóvenes, un detective decide consultar a un genetista local que acaba de descubrir algo revolucionario: la detección del perfil genético a través del ADN. Con su ayuda, tratarán de dar caza al asesino que tiene atemorizada a la ciudad. Lorenzo Mejino habló de ella en el post La historia del primer crimen resuelto gracias al ADN.     The Game (2014) Serie ambientada en el Londres de los años 70, durante la guerra fría y en medio de una creciente tensión entre el MI5 y la KGB. Para fans del cine de espionaje y grandes series como The Americans.  Podéis leer a Lorenzo Mejino: Juegos mortales de espías en los tiempos de la guerra fría.     The Crown (2016 – Presente) Qué decir de la espléndida The Crown, una de las mejores series de los últimos años y emblema de las grandes producciones de Netflix. La serie sobre los inicios del reinado de la Reina Isabel II hace gala de una cuidada producción, con grandes interpretaciones y un acabado impecable. Combina fastuosas localizaciones interiores con exóticos exteriores en sus viajes al extranjero. Mención especial a dos episodios: el de la niebla y el del retrato de Churchill, auténticas maravillas.   Series británicas imprescindibles – Parte 1 Series británicas imprescindibles – Parte 2...

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Sergio G. Sánchez: “El secreto de Marrowbone ofrece una segunda lectura en su revisión.”
Nov14

Sergio G. Sánchez: “El secreto de Marrowbone ofrece una segunda lectura en su revisión.”

La lluviosa V edición de los Encuentros entre Guionistas -exquisitamente organizado en esta ocasión por FAGA, AGAG y ALMA- que arrancaba el pasado 2 de Noviembre, no podía tener una apertura más favorable. Sergio G. Sánchez, autor de libretos tan aclamados como El Orfanato, Lo Imposible y la recién estrenada El secreto de Marrowbone visitaba la ciudad de Santiago para compartir su experiencia, tanto en España como en EEUU, desde su positivista y entusiasta visión acerca de un trabajo al que únicamente pone dos peros: un recorrido que a menudo se dibuja tortuoso y una soledad tan necesaria como desabrigada. Sobre su labor como director -auténtica vocación de quien ha encontrado en los miedos más personales su particular vehículo de expresión- afirma que no es más que la consecuencia lógica de su trabajo como autor. Con El secreto de Marrowbone demuestra pasión por el género, solvencia técnica y muchísima capacitación visual. Un placer repasar con él esta larga y muy fructífera trayectoria, sus proyectos futuros y las particularidades de una profesión que describe como un árbol de abundantes ramas al que hay que sanear meticulosamente en cada poda/reescritura. -El Orfanato, tu primer guion, ¿también fue el primer trabajo que intentaste dirigir? Hice un primer cortometraje que se titulaba 7337 que intenté mover en varias productoras y a punto estuvo de realizarse con una. Durante ese proceso conocí a Juan Antonio Bayona, en el festival de cortos de Alcuria, nos hicimos amigos y él, sabiendo que yo escribía, quiso ver el guion de El Orfanato, que entonces se llamaba Huellas y se lo mostró a la gente de Rodar y Rodar para que ellos. La intención era que viesen una muestra de mi trabajo para que, con suerte, me saliera algún encargo. Les gustó mucho y se propusieron trabajar con ese guion. Yo, que en ese momento estaba poniendo copas y dando clases de inglés en Oviedo, me volví loco. Era la primera vez que alguien iba a pagarme por escribir, cuando toda mi experiencia con el cortometraje era poner mi propio dinero. Como primer paso profesional se lo vendí sin imaginarme nunca que aquel texto iba a terminar siendo lo que significó El Orfanato. En esos tiempos apenas se hacía cine de terror. La experiencia sirvió para sacarme un poco de la cabeza la idea de ser director pero me regaló la de ser guionista.   -¿Sigue siendo, de todo lo que has escrito, el guion que más te habría gustado dirigir? No. De hecho creo que se podría hablar de una especie de trilogía en mi trabajo. La semilla de todo está en 7337. Todas mis obsesiones están,...

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Miguel Ángel Vivas: “Lo más importante de mi vida es el cine, pero si no disfrutas haciéndolo, dejas de sentirlo”
Oct01

Miguel Ángel Vivas: “Lo más importante de mi vida es el cine, pero si no disfrutas haciéndolo, dejas de sentirlo”

Tienen en común Secuestrados, Extinction e Inside la firma de uno de los directores españoles que más audacia narrativa y mayor competencia técnica ha exhibido en sus trabajos. Uno de los que más ambiciosamente ha construido, con puntería y complejidad, a esos versátiles personajes por los que suele dejarse seducir, permitiendo que sean ellos quienes maticen la esencia del relato, siendo plenamente consciente de que el eje principal de sus trabajos está en el recorrido y no en el resultado. Sin prisas, sin trampas, sin reiteraciones; porque la clave del arte está siempre en la propia concepción, en la búsqueda de lo nuevo y en su condición de necesario. Ya no se estrenan minuciosas películas, corpulentas en lo visual e intuitivas verbalmente. Ya no queda rastro de esas inimitables e infalsificables formas de expresión que mezclaban estética, sustancia y estilo, que gestaron algunas de las ficciones más libres y más prismáticas de la industria. Poco resquicio queda en un efímero hoy que pronto será historia para otra cosa que no sea el engullible entretenimiento exento de inspiración que habita en la periferia del cine, donde el oficio de director ha acabado por consumir al artista, donde toda creación resulta administrativa y procedimental porque de un tiempo a esta parte la experiencia cinematográfica ha dejado de ser epidérmica. No obstante, todas las relaciones son pendulares -a períodos de euforia siempre siguen momentos de depresión- y el séptimo arte tiene pendiente ese regreso triunfal que le reconcilie con un presente que reclama el virtuosismo perdido y el fin del destierro por falta de consonancia. Miguel Ángel Vivas expone, desde la conciencia y la confianza/fé/esperanza, una realidad que conoce bien, componiendo un testimonio abarrotado de salpicaduras referenciales a las que se sobreponen recuerdos y anécdotas que me contagian de verdadero entusiasmo y de cierta nostalgia. Ficción y biografía se mezclarán en su inminente próximo proyecto, del que solo adelanta que será su obra más personal y más dramática, que supondrá una vuelta a sus orígenes y que significará el resultado de una vida entera de indisimulable amor por ese cine en el que se refugió siendo un niño y hacia el que siente una profunda combinación de pasión y agradecimiento: -Secuestrados llega después de un momento de reflexión personal en el que habías decidido abandonar el cine. ¿Qué sucedió para que alguien que afirma que en ese universo encontró una tabla de salvación decida dejarlo? Lo más importante de mi vida es el cine pero si no disfrutas haciéndolo, si no consigues que la experiencia de hacer cine sea maravillosa, dejas de sentirlo. Recuerdo una conversación con Mathew Fox sobre esto mismo:...

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‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico
Sep27

‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico

Darren Aronofsky, director de películas como Pi fe en el caos (1998), Requiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006), El luchador (2008), El cisne negro (2010) y Noé (2014), ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia, y posteriormente en la sección de Perlas del 65 Festival de San Sebastián, su nuevo film mother!, el más ambicioso, frenético, provocativo y críptico hasta la fecha, que tendrá probablemente su horda de haters y de fans, a partes iguales. Su sinopsis es la que sigue: A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. Pero esta sinopsis no es más que la situación narrativa a modo de telón de fondo, puesto que mother! entera es en realidad un cúmulo de metáforas y analogías, aunque bastante crípticas. En palabras de Darren Aronofsky: mother! empieza como una historia típica sobre el matrimonio. En el centro de la historia está una mujer a la que se le exige dar y dar y dar hasta que ya no puede dar nada más. Pero paralelamente, la casa no puede soportar toda la presión hirviendo dentro. Se convierte en algo distinto… Si bien en sus anteriores proyectos, sus guiones se gestaron a lo largo de alrededor de un año, éste nació de forma visceral, tras encerrarse cinco días enteros en una casa vacía. Tras ser preguntado por el motivo de tan oscura visión, su respuesta fue la siguiente: “Es una época loca para estar vivo. Mientras la población mundial se acerca a los 8000 millones nos enfrentamos a problemas demasiado serios que toca considerar: Los ecosistemas colapsan mientras presenciamos extinciones a un ritmo sin precedentes; las crisis migratorias desestabilizan gobiernos; unos EEUU aparentemente esquizofrénicos ayudan a corregir un tratado histórico sobre el clima y meses después se retira;Antiguas disputas tribales y creencias siguen conduciendo a la guerra y a la división; El mayor iceberg registrado jamás se parte en dos en el Antártico y se desplaza hacia el mar. Al mismo tiempo enfrentamos problemas demasiado ridículas para ser comprendidas: En América del Sur unos turistas matan a dos bebés de delfín raros que arrastraron a la orilla, sofocándolos en un frenesí de selfies; la política se asemeja a los eventos deportivos; personas todavía mueren de hambre mientras otros pueden pedir cualquier tipo de carne que deseen. Como especie, nuestra huella es peligrosamente insostenible, pero vivimos en un estado de negación sobre...

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74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico
Sep15

74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico

El Festival de Venecia, el festival de cine más antiguo, ha celebrado su 74ª edición entre el 31 de agosto y el 9 de septiembre. La anécdota más curiosa que ha dejado atrás, ha sido la de ser el primer festival de primera categoría en acoger y crear una nueva competición para la VR –Virtual Reality-. Y lo ha hecho con un mensaje muy positivo: la Realidad Virtual no ha venido a suplantar al cine, sino a buscar un camino paralelo y alternativo, que permita explorar nuevas vías artísticas, dando rienda suelta a la creatividad, en convivencia con el séptimo arte. El Festival, en sus distintas categorías, ha proyectado una gran cantidad de películas procedentes de todo el mundo, de una gran variedad de estilos y géneros, con la particularidad de que ha premiado con el máximo galardón, el León de Oro, precisamente a una película de género: La forma del agua de Guillermo del Toro. Podéis leer sobre ella en nuestro artículo: The Shape of Water. El Jurado, presidido por la actriz Annette Bening, y compuesto por Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright y Yonfan, fueron los encargados de repartir los premios de esta edición. Uno de los grandes afortunados de la noche, fue el debutante francés, Xavier Legrand, con su film Jusqu’à la garde, que se llevó dos grandes Premios: el Premio Venezia a la mejor Opera Prima, así como el León de Plata a la Mejor Dirección. Premios que abren las puertas a un futuro prometedor a este cineasta debutante. La Coppa Volpi a la Mejor Actriz, ha ido a parar a manos de la veterana actriz Charlotte Rampling, por su excelente interpretación en el film del italiano Andrea Pallaoro, Hannah. El Premio Marcelo Mastroinanni ha ido a parar al joven intérprete emergente, Charlie Plummer, por Lean on Pete, de Andrew Haigh. Es un premio que ha logrado alzar muchas carreras. El Premio Especial del Jurado fue a parar a manos de ‘Sweet Country‘, del australiano Warwick Thornton. El premio al Mejor Guión fue otorgado a Martin McDonagh por sus fabulosos diálogos en su nuevo film de ‘Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri‘. Lo anecdótico del palmarés, fue que premiaron con el Gran Premio del Jurado a Foxtrot, del israelita Samuel Maoz, y con la Copa Volpi al Mejor Actor al palestino Kamel el Basha por The insult. No faltaron las preguntas incómodas durante la rueda de prensa de los premiados, cuando se sentaron juntos en la mesa. A su vez, en el Jurado de la Sección Orizzonti, esta edición del Festival tuvo el honor de tener como Presidente del mismo al director italiano, Gianni Amelio, que presentó a su vez fuera de concurso su nuevo...

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La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma
Sep08

La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma

Guillermo del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica… los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». En esta línea, ha presentado su nueva película -titulada The shape of water (La forma del agua)- en la  Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de Venecia, y como no podía ser de otro modo, ha vuelto a introducir un monstruo como elemento angular del film. Con La forma del agua, Guillermo del Toro vuelve a realizar otro cuento fantástico, a partir de una historia escrita por él mismo, y ambientada esta vez en plena Guerra Fría, en los años 60. Más concretamente, nos introduce en un laboratorio gubernamental de alto secreto, donde trabaja una mujer muda, Elisa (interpretada por una magnífica Sally Hawkins), que vive atrapada en una vida aislada, hasta que descubre y conoce al ser anfibio con el que andan experimentando en uno de los laboratorios. La historia bucea entre distintos géneros: fantástico, thriller, drama y romántico. Y a pesar de ser una película principalmente de entretenimiento, la historia tiene un gran peso socio-político llena de analogías. Aunque de lo que habla principalmente el film es del amor. En palabras de Guillermo del Toro: El agua siempre coge la forma de lo que la sostiene en el tiempo, y a pesar de que el agua puede llegar a ser tan leve, también es la fuerza más poderosa y maleable del universo. Del mismo modo funciona el amor ¿no? Da igual en que forma o recipiente depositemos el amor, se convierte en eso, ya sea un hombre, una mujer, o una criatura. En el film, aparecen muchos de los temas recurrentes en la filmografía de Guillermo del Toro, tales como la biología y su fascinación por el mundo fantástico. Temas como el ‘bien’ y el ‘mal’, la inocencia y la amenaza, lo histórico y lo eterno, lo bello y lo monstruoso, confluyen entre ellos demostrando que no hay oscuridad que pueda derrotar del todo a la luz. También en palabras de Guillermo del Toro: Me gustan las películas que son liberadoras, que te dicen que está bien ser quien sea que seas. Y parece ser que en los tiempos que corren, es un tema muy pertinente. Como a lo largo de su filmografía, los films de Guillermo del Toro destacan principalmente por su gran trabajo artístico, creando una atmósfera y estética propia, tanto en el departamento de arte como en el de vestuario. Guillermo del Toro logró juntar a su vez un maravilloso grupo de actores, en...

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Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen
Sep03

Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen

George Clooney ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia su último film, Suburbicon,  que llevaba gestando ya desde hacía más de dos años. El proyecto nació inicialmente sobre la idea del evento sucedido en EUU, en Levittown, Pennsylvania, en los años 50, cuando en una zona residencial acudió a vivir una familia afroamericana, y en la misma noche en que llegaron se reunieron 500 personas en frente de su vivienda con banderas confederadas y con gritos racistas, construyendo un muro a su alrededor. Durante la escritura del guión junto a Heslov alrededor de esta idea, George Clooney recordó un guión de los hermanos Coen de hacía más de 20 años, que había quedado en un cajón. Se trataba de un guión con tema similar a los de Fargo o Quemar después de leer, con personajes insalvables tomando malas decisiones. Los Coen descartaron filmar ellos mismos el guión al querer avanzar hacia otros terrenos cinematográficos. Clooney vio factible adaptar el guión a los años 50 añadiendo los sucesos de Levittown, con la idea de darle además un toque todavía más enfadado al del guión original. Suburbicon destaca por su buena adaptación de los años 50 en los EEUU, donde lo mejor y lo peor de la humanidad queda reflejado en la gente ordinaria. Clooney ha reunido para ello un equipo creativo de alto nivel en todas las áreas, destacando la fotografía por parte de Robert Elswit y las partituras de Alexandre Desplat que cobran protagonismo en partes del film. En esta década posterior a la Segunda Guerra Mundial, la clase media norteamericana estaba en proceso de trasladarse a las zonas residenciales prefabricadas en casas asequibles en comunidades reducidas. Para muchos, este Sueño Americano de poseer una casa propia, con parking y jardín, empezaba a convertirse en realidad. Pero como matizó George Clooney en la rueda de prensa, esta realidad de los años 50 era posible solamente si eras blanco. Es de hecho la época a la que hace siempre referencia el actual presidente Trump en sus rancios discursos de Make America Great Again, aludiendo a la época de Eisenhower. Época, en la que Trump tenía la edad del niño protagonista. Aunque el proyecto nació antes de que Trump se convirtiera en presidente, el film ha terminado siendo idóneo para hacer metáforas y reflexiones alrededor del discurso de Trump. George Clooney no desaprovecha la ocasión para hacer política en sus films. De izquierda a derecha: Julianne Moore como Margaret y Matt Damon como Gardner en Suburbicon, de Paramount Pictures y Black Bear Pictures. Se trata de un film en el que la violencia va escalando lentamente, hasta llegar a un desenfreno total tarantiniano, con grandes dosis...

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El Exorcista: Análisis de las diferencias narrativas entre la película y la serie de TV
Abr13

El Exorcista: Análisis de las diferencias narrativas entre la película y la serie de TV

El Exorcista (1973), considerada la película más terrorífica de todos los tiempos, se estrenaba en los cines norteamericanos de la década de los setenta para marcar un antes y un después en la historia de la cultura popular. Más de cuarenta años después de su estreno, el mito sigue estando de actualidad con dos secuelas que aparecieron en los años siguientes y otras dos precuelas y una serie de TV, con la entrada del siglo XXI. En septiembre de 2016, llegaba a las pantallas de televisión la esperada serie dramática basada en la película original. The Exorcist se proponía trasladar al formato serial, la historia que sobresaltó e impresionó a millones de espectadores en todo el mundo (recaudando más de 400 millones de dólares), y cuyas continuaciones posteriores no consiguieron mantener el nivel de exigencia y calidad que ofreció en su momento la primera parte de esta saga. A pesar de las similitudes que tiene la serie por considerarse un remake del largometraje original, el presente trabajo es un intento por comparar las diferencias narrativas de ambos formatos (película de 1973 y temporada completa de la serie), deteniéndose principalmente en el análisis de sus tramas y personajes, pero también en otros aspectos importantes del relato como el argumento, el espacio, la estética, el tiempo, la estructura o el punto de vista. En definitiva, el objetivo de esta investigación se basa en establecer los factores narrativos que lo diferencian de la película, pese a las semejanzas que posee con su predecesora y comprobar la veracidad de la hipótesis establecida en un primer momento, sobre si la serie es un remake de la obra original. Argumento y Tiempo El argumento de la película y la serie están basados en la novela homónima de William Peter Blatty, escrita en 1971. En El Exorcista (1973), Regan MacNeil es víctima de fenómenos paranormales como la levitación o fuerza sobrehumana. Su madre, Chris MacNeil, se encuentra perdida tras haber sometido a su hija a diversos análisis médicos que no ofrecen ningún resultado, decide acudir a un sacerdote con estudios de psiquiatría. El Padre Karras, convencido de que el mal no es físico sino espiritual, acude a la Iglesia para que le permitan hacer un exorcismo a la joven Regan con la ayuda del Padre Merrin, un veterano sacerdote con experiencia en temas de posesión diabólica. En The Exorcist (2016) la historia que se narra es similar, pero ambientada en la actualidad. La joven Katherine Rance empieza a comportarse de una forma extraña. Su madre Angela, intuye que su hija está siendo poseída por el diablo y acude al cura de su parroquia, el Padre Tomás,...

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20 años perdidos con Lynch en una carretera
Abr05

20 años perdidos con Lynch en una carretera

El juego de palabras es malo, rozando lo pésimo; un servidor es consciente. Pero más penoso seria intentar dar una lección y disertación sobre una película para la que han pasado dos décadas y que define las principales características de un cineasta cuyo apellido ha devenido prácticamente un adjetivo usado por todo cinéfilo en algún momento, aunque quizás demasiado a la ligera y sin tener siquiera en cuenta las propias consideraciones de su autor o sus posibles atributos. Y es que David Lynch nunca ha querido entrar en el juego de explicar qué es lo que hace o por qué lo hace ni cómo se define; muchas veces incluso ni lo que significa. Y no lo necesita. Pero es indudable que hace ahora 20 años Lynch consiguió una nueva obra que con el tiempo dejó enganchada a su legión de fieles y le generó una nueva ola de admiradores atraídos por una historia críptica acompañada de una banda sonora potentísima e impactante. Porque Carretera Perdida (1997) bien merecía ser recordada tras 20 años. En internet ya hay cientos y miles de comentarios y artículos. Cualquier película de Lynch tiene ese poder de generar el desarrollo de párrafos y más párrafos sobre lo que uno cree ver en pantalla y sus lecturas. Y en todos ellos siempre descubre uno algo interesante, algún detalle que se había pasado por alto o al cual no se le daba importancia y que otro ve como respuesta a una idea que le ronda por la cabeza. Se podría hacer un auténtico recopilatorio y saldrían probablemente enciclopedias enteras. A esta fascinación por intentar traducir con palabras lo que sólo Lynch sabe poner sobre la pantalla se han apuntado desde anónimos hasta grandes autores, incluso David Foster Wallace intentó acceder con su propio estilo a todo ese mundo de Lynch que le fascinaba y trastornaba al mismo tiempo, escribiendo su popular artículo durante el rodaje de Carretera Perdida que no obstante demostró topar con cierto desagrado del director (quizás porque se sentó en su silla durante el rodaje o porque lo que vio en el set no tenía demasiado que ver con el resultado final de la película), pues en parte Foster Wallace también era consciente que cualquier intento rayando en lo académico para intentar deconstruir la idea de lo “lyncheano” termina perdiéndose por el camino y topándose con los muros del laberinto en el que se ha metido. Y uno debe plantearse también por qué una película así no gustó demasiado en un primer momento y pasó desapercibida. Como todo, siempre hay un contexto, un pasado; y en el de Lynch, como siempre, es peculiar....

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No sólo del teatro y la literatura bebe el cine: Alex Colville y su influencia en los realizadores norteamericanos
Feb04

No sólo del teatro y la literatura bebe el cine: Alex Colville y su influencia en los realizadores norteamericanos

Título un poco largo, lo sé, pero sirve como introducción a un apartado poco conocido y que espero resulte nuevo para muchos, pues no siempre uno ve con claridad la influencia de ciertos realizadores; más ahora teniendo en cuenta que parecemos estar en una era de cine muy influenciado por el cómic y los videojuegos, fusionados en una estética muy a la moda y que no sabemos cuánto se alargará. El nombre de Alex Colville no sonará a casi nadie y no pasa nada, pues no se trata de un cineasta, de allí que este escrito pueda resultar extraño en una página así. Y sin embargo, su importancia e influencia han sido recalcadas por algunos de los grandes directores estadounidenses del panorama, quienes no dudan en reconocer la fuerza visual de este pintor (sí, esto va de pinturas, señoras y señores; de pintura y cine) contemporáneo con una facilidad para crear imágenes muy sugerentes y llenas de misterio, dejando siempre libre interpretación a la imaginación. Colville, que el próximo 16 de julio hará tres años que falleció, fue un artista canadiense muy en la línea de otros pintores norteamericanos anteriores como Edward Hopper o Grant Wood, de coetáneos como Andrew Wyeth, o de posteriores como Kenton Nelson. Todos tienen en sus cuadros un denominador común: la vida americana cotidiana. Con diferencias evidentes de enfocarlo y retratarlo, claro está, pero con la misma fascinación. Pero Colville destaca entre ellos no por ser mejor o peor o más o menos famoso, sino por ser el más oscuro en cierta manera. Se desmarca dando un sentido a sus cuadros que suele generar desasosiego e intranquilidad, no por ser terroríficos o de pesadillas tipo Goya, sino por captar instantes y hacernos conscientes de que en cualquier momento algo (probablemente malo) va a suceder. Aunque no todos sus cuadros son así, por supuesto. Y lo que aquí se va a intentar, como digo, es intentar hacer ver cómo sus pinturas esconden una fuerza tan cinematográfica que muchos lo han homenajeado (hay que echarle imaginación, ya lo iré recalcando repetidamente) de distintas formas; así que lo único que hay que hacer es intentar observar detenidamente para descubrir la importancia de la composición de sus elementos para despertar nuestras emociones. Empezamos con Wes Anderson, el hipster de moda por antonomasia en los últimos años. Y para él elegimos esta imagen de Moonrise Kingdom, donde el personaje de Suzy observa con unos prismáticos el horizonte. El mar y el cielo quedan a sus espaldas, y ella más que mirarnos a nosotros (o a cámara) parece mirar más allá, más en la lejanía. Pues bien, ahora mirando el cuadro...

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Hace 75 años… nacía un género
Oct17

Hace 75 años… nacía un género

El humo de un cigarrillo, la habitación con hedor a bourbon, una sombra en un callejón, los pasos de un desconocido, el sombrero hundido, el revólver escondido, la mirada de una traición, la chica de mala reputación, las sirenas de la policía, los misterios sin resolver, los puñetazos de la impotencia. No son simples clichés. Fueron trozos de un espejo en el que mirarse en una época no tan lejana. Una atmósfera única, encumbrada, imitada, incluso parodiada, pero nunca igualada como en sus inicios. Algunos nunca vieron más que una moda pasajera y de segunda fila, un mero entretenimiento para los espectadores enojados con la situación social del país y la decadencia moral. El 18 de octubre de hace ya 75 años, un director novel, respetado guionista hasta entonces, estrenaba un film en Estados Unidos que terminaría marcando las pautas de más de una década y alimentando generación tras generación a grandes autores, abriendo las puertas de uno de los géneros con más admiradores en todo el mundo. 1941 fue un gran año. Al menos para el cine americano; en lo demás, nada invitaba al optimismo. Europa estaba en guerra sumida en el mayor horror con los nazis en auge sembrando la barbarie allí por donde pasaban, Japón hacía otro tanto en el Pacífico y ultimaba para finales de ese año el ataque a Pearl Harbor. Y mientras tanto, en Estados Unidos la mayoría de críticos cinematográficos se deshacía en elogios ante el trabajo de Orson Welles tras la cámara en Ciudadano Kane, sin importar su escasa exhibición mientras el país seguía sin arrancar pese a las medidas de Roosevelt. En todo este ambiente, un joven treintañero llamado John Huston estaba dispuesto a abrirse camino en Hollywood como director después de haber firmado junto a otros compañeros algunos de los mejores guiones de los años anteriores, entre los que se encontraban Jezabel (William Wyler, 1938), Juarez (William Dieterle, 1939), El Sargento York (Howard Hawks, 1941) o El último Refugio (Raoul Walsh, 1941). Sabedor de las escasas opciones que daban a los nuevos realizadores si no era con una idea muy prometedora y acoplada a las exigencias de los grandes estudios, Huston tenía entre sus manos un libro con el que se había sentido fascinado y deseaba llevarlo a la pantalla sin tener todavía muy claro cómo convencer a los productores. El libro por supuesto era El Halcón Maltés, de Dashiell Hammett, quien ya había conseguido instaurar en el país junto a un puñado de escritores un nuevo género en la literatura, que pasaría a ser conocido como novela negra. De hecho, Hammett se convertiría en adelante en el máximo...

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Amenábar, ¿dónde estás?
Ago26

Amenábar, ¿dónde estás?

Después de sorprender a toda España en 1996 con Tesis, el director y guionista nacido en Santiago de Chile hace 44 años, Alejandro Amenábar, se encuentra sin un rumbo fijo y en el peor momento de su carrera… ¿Qué ha sido de aquel joven que llegó a impresionar a todos con sus guiones eficaces y una técnica al más puro estilo hollywoodense? ¿Recuperará esa chispa que le permitió convertirse en uno de los mejores directores españoles de nuestra historia? 7 premios Goya cayeron para Tesis, su primer largometraje: Mejor Película, Mejor Dirección Novel y Mejor Guión. Fue un auténtico “Boom” en el cine español y el inicio del seguimiento masivo, por parte de los críticos y espectadores, al nuevo niño prodigio que estudió en la Universidad Complutense de Madrid. Un año después, presenta al mundo su versión sobre la historia de la bella y la bestia en, Abre los ojos, un largometraje que une varios géneros cinematográficos (drama psicológico, romance, ciencia ficción, thriller) en una explosiva película de principio a fin. Aunque obtuvo 10 nominaciones a los premios Goya, sin conseguir ninguno, Tom Cruise supo apreciarla y adquirió los derechos del film que además quiso protagonizarla junto a la actriz española, Penélope Cruz, en Vanilla Sky (2001). Su primer roce con Hollywood. Su tercer film, Los Otros, llegó a convertirse en 2001 en la película española más taquillera de la historia (27 millones de euros) además de llevar bajo el brazo la suma de 8 premios Goya de ese año, entre los que se incluyen: Mejor Película, Guión Original, Director, Montaje, Sonido… Amenábar ya había hecho historia. Su punto más alto en su carrera lo consiguió en 2004, cuando presentó al mundo la historia de Ramón Sampedro. Mar adentro consiguió la friolera cifra de 14 premios Goya, Óscar y Globo de Oro a Mejor película de habla no inglesa y un sinfín más de premios. Amenábar había tocado el cielo con el Óscar, y desde entonces, Mar adentro es a día de hoy, la última película española en recibir tan ansiado premio. Tendrían que pasar 5 años para que en 2009 se estrenase Ágora, un film histórico bajo una trama que junta romance y ciencia. Consiguió 7 Premios Goya de 13 nominaciones, pero se le escapó dos estatuillas importantes: Mejor Película y Mejor Director, algo que casi siempre ganaba el bueno de Alejandro. La película más cara de la historia de España se encontró con numerosas críticas recibidas por su falta de emoción y tensión narrativa. La película no logró impresionar como el resto de obras de la filmografía del director. Llegamos al punto donde Alejandro Amenábar toca fondo. Regresión supone la vuelta...

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Series Británicas Imprescindibles – Parte 4
Ago22

Series Británicas Imprescindibles – Parte 4

Con el firme establecimiento en España de plataformas como Netflix o WuakiTV, y con el avance de otras como Movistar o Vodafone TV, la oferta de series se multiplica por siete a pesar de que los días sigan teniendo veinticuatro horas. Ante esto, los seriéfilos nos enfrentamos a la ardua tarea del descarte: una labor que gana complejidad si asumimos que las producciones extra-estadounidenses ahora llegan mucho antes a nuestro país. Entre ellas las británicas: mi querido British Drama. Un drama que, como ya se venía realizando desde hace tiempo, debe ser repasado de vez en cuando con una nueva entrega de “Series Británicas Imprescindibles”. Downton Abbey (2010) A pesar de que la serie protagonizada por Maggie Smith terminase hace tiempo, la disponibilidad de sus temporadas en nuestro país es mucho mejor de lo que nunca ha sido. Por lo tanto, y para aquellos que no tuvieron la suerte de conocerla cuando se estrenó allá por el año 2010, esta ambiciosa – y muy británica – producción de la ITV en la que nos adentramos en los entresijos familiares del clan Crawley (condes de Grantham), debería pasar a ser uno de los must-see de todo amante del panorama televisivo anglosajón. Ganadora de múltiples premios (Globos de Oro, un BAFTA y varios Emmys), este drama de época coronado como una de las series británicas de mayor impacto a nivel mundial, es una joya con clase, bienintencionada y muy tradicional que sorprenderá a todos los espectadores que aún no le hayan dado una oportunidad.   Catastrophe (2015) Reconozco que no todo son alegrías para la televisión británica. A pesar de que esta comedia recibiese aplausos por parte del colectivo crítico, a mí personalmente no terminó de convencerme. Y es que, aprovechando el potencial que ofrece el típico embarazo accidental en toda serie de televisión, los realizadores de Catastrophe decidieron juntar a una joven irlandesa y a un americano para deleitarnos con episodios de veinte minutos en los que seremos testigos de cómo estos dos desconocidos deciden comenzar una relación por el bien de la criaturita. Y, oye, aunque sus protagonistas resulten muy simpáticos, tengo que reconocer que este intento de Channel4 de ofrecer una comedia más del estilo de Love (Judd Apattow, 2015; otra decepción) a mí no consiguió interesarme lo suficiente como para terminar su primera temporada. Pero, atención, que la serie ha tenido una muy buena respuesta y, tras la reciente emisión de su segunda temporada, ya se han confirmado dos entregas más.   The Last Kingdom (2015) Hay que reconocer que Juego de Tronos es una serie que, a pesar de haber nacido en terreno estadounidense, muy podría considerarse...

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Las amigas de Ágata; la visión de un film espléndido con sus realizadoras.  “Todo era bastante tranquilo y libre, que era lo que queríamos; tener esa libertad”
Ago14

Las amigas de Ágata; la visión de un film espléndido con sus realizadoras. “Todo era bastante tranquilo y libre, que era lo que queríamos; tener esa libertad”

Quizás sea cierto que los milagros existen. Solamente así se puede explicar la exhibición de esta película en nuestro país, sabiendo todos los obstáculos existentes y lo propensos que somos a echar pestes en nuestra propia casa (aunque la mayoría de veces sea con razón, y mucha). Pero “Las amigas de Ágata” se encuentra en las antípodas del cine juvenil moderno, y ya no hablemos del cine español. Porque sus cuatro directoras han demostrado que aún es posible hacer un tipo de cine que no requiere demasiados recursos, y que antepone la honestidad y sencillez de sus propuestas a los artificios que sobresaturan y engordan las cintas endebles. Poco más se puede decir que no dijera ya en líneas generales el compañero Rubén en una crítica de esta misma web; no obstante, la riqueza que encontré en esta película demostraba que se podían echar por tierra todos los convencionalismos aún en plena época de oquedad cinematográfica en el panorama. Sus realizadoras (Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen) daban la mayor bocanada de aire fresco a los cinéfilos ansiosos de vivir experiencias nuevas; una bocanada que el cine español pedía a gritos a la juventud. Es una lástima que su proyección estuviera muy limitada en las salas de cine del país; y eso es quizás lo peor que se puede decir de ella, pues sólo unas pocas salas apostaron por darle una oportunidad a la cinta (sin contar las plataformas online). Por lo demás, me faltarán elogios y sombreros que quitarme ante las directoras y su debut cinematográfico. Una película donde se respira libertad y espontaneidad en todo momento; donde sus actrices rebosan naturalidad a mares, y lo más importante: son actrices españolas que ¡¡¡¡ SON JÓVENES QUE SABEN VOCALIZAR!!!!! Así que sí, permitidme de nuevo hablar de milagro. El retrato sobre estas cuatro chicas y su relación de amistad en un momento de transición de la vida supone la mejor ópera prima auténticamente independiente que un servidor ha visto en mucho, mucho pero que mucho tiempo, casi en una galaxia muy lejana. Por ello, conocer a dos de sus autoras supuso un placer difícil de transmitir. No sé si Pauline Kael estaría orgullosa de esta película (aunque quiero pensar que sí), pero estoy seguro que hubiera disfrutado muchísimo hablando e intercambiando ideas del film con sus realizadoras, y plasmándolas como sólo ella sabía hacer. Y sin duda la intención al conocer a sus realizadoras se encaminaba a buscar esa misma espontaneidad que conseguían en su film de forma tan magistral. Por lo menos, se debe agradecer desde buen inicio la amabilidad y predisposición que tuvieron sus...

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Los joyeros del claro de luna: Pan, toros y Brigitte Bardot
Jun29

Los joyeros del claro de luna: Pan, toros y Brigitte Bardot

Dios creó a la mujer, y el destino quiso que al cabo de dos años Roger Vadim volviera a cruzarse en el camino de su primera musa en Y Dios creó a la mujer (1956) para revolucionar el Sur de España en un nuevo encuentro entre el creador de mitos eróticos y el mito erótico propiamente dicho de varias generaciones. La segunda película juntos de B.B y el futuro director de Barbarella se resume fácilmente en una retahíla de topicazos, clichés celtibéricos y escenarios comunes de la España franquista. Los joyeros del claro de Luna (1958) es una inocente postal turística pigmentada de trazos estéticos que visualmente te retraen a un país atrasado culturalmente y herido por la disparidad entre la pobreza y analfabetismo del pueblo y la irrefutable belleza natural de algunos paisajes rurales. Desde su inicio en los títulos de crédito con el sonido de un zapateado flamenco y el toque de clarines como música de fondo quedan claras las intenciones de lo que viene después. B.B. es Ursula, una ex-novicia que abandona el convento para irse a vivir con su tío el Conde de Ribera (José Nieto) en un retirado y apacible cortijo del Sur de España. Los celos y las disputas amorosas no tardarán en aparecer cuando su propio tutor y el joven guerrillero Lamberto (Stephen Boyd) busquen conquistar a la hermosa extranjera para exasperación de la esposa del primero, la melancólica Florentine (Alida Valli). Estamos ante un folletín romántico puro y genuino que no engaña a nadie ornamentado con corridas de toros, verbenas y pasodobles, mucho vino, peleas a navajazos y amantes furtivos que se citan clandestinamente bajo ventanales de piedra blanca. El elemento pasional es llevado al extremo en un contexto esencialmente folclórico que recuerda (y parodia deliberadamente) a las aventuras románticas de bandoleros rodadas varios lustros antes por Benito Perojo en colaboración con la UFA -la principal productora e impulsora de cine alemán en tiempos del nazismo-. Con la salvedad de José Nieto, Maruchi Fresno y una breve participación de Fernando Rey -mas otros dos o tres roles secundarios y un extenso número de figurantes autóctonos- el protagonismo recae sobre un reparto principal mayoritariamente foráneo que sólo resulta inteligible cuando se expresa en su idioma y que en algunos casos roza el absurdo como Stephen Boyd dando vida a un muchacho de pueblo andaluz. Los joyeros del claro de Luna es una excentricidad menor de Vadim que ni siquiera se rodó con vistas a ser estrenada en nuestro país dadas las restricciones morales impuestas por un estricto código censor que jamás haría la vista gorda a un guión que trataba tan abiertamente el adulterio y que...

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