Nocturna Film Festival – Día 1 – Primera sangre
May24

Nocturna Film Festival – Día 1 – Primera sangre

El primer aroma que pensé que iba a percibir al ponerme en contacto con el Nocturna Film Festival era el del económico menú de palomitas que ofrecían en el cine Palafox. En lugar de eso, me encontré a mí mismo oliendo a la colonia del Gran Hotel Conde Duque, donde justamente tenía que ir a buscar la oficina de prensa del festival. Ésta era un oasis de paredes blancas entre tanta ostentación. “¿Cómo que no quedan entradas?”. El cantamañanas que suscribe es un hombre con varias máscaras, así que no me sorprendí exageradamente cuando no solamente me había quedado sin un pase para la noche inaugural, sino tampoco para ninguna sesión del día siguiente, por razones puramente académicas. Si tuvierais que echarle la culpa a alguien por haberos quedado sin mi versión particular de la noche de apertura, sería a la Universidad Carlos III y a su costumbre de programar los exámenes finales en las mismas fechas y horas en las que servidor tenía que reservar su entrada de prensa. Pero os voy a adelantar un pequeño spoiler: sí tengo esa versión. Pero primero regresemos a las cámaras disparando, los móviles grabando y los cuadernos anotando en la rueda de bienvenida a la que los periodistas estábamos convocados (pero que no subía nota para el examen). José Luis Alemán y Luis Rosales son los dos nombres grandes detrás de este evento anual que, en su cuarta andadura, ha retrocedido un par de pasos. A pesar de que el ICAA ha podido asomar el bolsillo en esta ocasión, las actividades paralelas y las películas a proyectar se han visto notablemente reducidas, hasta el punto de que este año ya no existe, por ejemplo, la sección Focus. “Hay que tener en cuenta que Madrid no es una ciudad habituada a festivales de este tipo”, añadía Rosales. “En enero ya estábamos pensando en cancelarlo. En los meses siguientes ya decidimos sacar adelante las películas que estaban en stand-by […] Nadie de la organización está cobrando por esto”. Traer al archiconocido director John Landis (Un hombre lobo americano en París) cuesta más o menos lo mismo que si tú decidieras viajar en taxi al otro lado del charco: para un festival que ha costado 50.000€, el viaje del cineasta ha consumido 10.000. El año en que decidan traerse a David Cronenberg y pedir ayuda al Ayuntamiento, será Carmena quien no se lo perdonará jamás. En una fiesta también dedicada al mítico Vincent Price y al 105 aniversario de su nacimiento, no se le ha podido levantar de su apacible descanso, pero sí a su hija Victoria Price*. De cara al público, la premiere que más...

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La memoria bipolar de los Oscars
Mar06

La memoria bipolar de los Oscars

Lo que dicta la academia de Hollywood no es sagrado, así este artículo intentará explicar los grandes y extraños aciertos, pero también los errores sucedidos en las últimas veinte ediciones. Pasen y vean:

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Segunda crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb18

Segunda crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La Berlinale no se detiene, y en la Sección Oficial siguen apareciendo apuestas interesantes. En esta segunda crónica hablaré de 24 Wochen, Midnight Special, Alone in Berlin y Death in Sarajevo.   24 Wochen, de Anne Zohra Berrached 24 Wochen (24 semanas) ha sido la película más emocional de la Berlinale hasta el momento, y ha logrado robar bastantes lágrimas entre el público -al menos en la proyección de prensa-. Y ello es debido a que la segunda película de Anne Zohra Berrached trata el tema de una de las decisiones más difíciles que tienen que tomar algunas mujeres en sus vidas. Astrid, la protagonista, trabaja como humorista, y consigue que su público ría a carcajadas en los distintos espectáculos de comedia que realiza. Su marido es a su vez su manager. Forman un buen equipo, y llevan una vida agradable con su hijo de nueve años, y otro en camino con bastantes meses de embarazo. Sin pretender desgarrar el argumento con detalles, básicamente surgen problemas durante el embarazo que llevarán a la necesidad de tomar decisiones con efectos de por vida: abortar o no. La película ronda alrededor de este enorme conflicto moral, dándole vueltas al tema de distintas formas, no existiendo ninguna solución fácil. Entre discusiones, distintos puntos de vista, y circunstancias cambiantes, la película pasa por distintas fases diferenciadas. El acercamiento al tema de la directora es naturalista, y utiliza el humor para aligerar el dramatismo. Resulta una película muy interesante en cualquier caso, que te invita como espectador a participar en la toma de las decisiones y reflexionar sobre el tema. Las interpretaciones son muy buenas, y como característica señalar que muchos personajes son en verdad actores interpretándose a sí mismos. Midnight Special, de Jeff Nichols Una de las primeras grandes sorpresas del festival, Midnight Special resulta un film insólito que se pasea por distintos géneros, y gracias a su reducida exposición informativa, logra crear un thriller de sci-fi como nunca se había visto anteriormente. Escribí una crítica individual de dicha película, por lo que dejo aquí el enlace a la misma: Midnight Special Alone in Berlin, de Vincent Pérez Alone in Berlin nos relata una historia real sucedida en Berlin en 1940, y recogida en la novela de Hans Fallada escrita en 1947. La película nos traslada al Berlin de 1940, cuando la propaganda nazi celebraba la victoria sobre Francia. Pero no todos tenían algo que celebrar. El hijo de Anna y Otto Quangel ha muerto en el frente, lo que provoca en este matrimonio que se había mantenido fiel al Führer y había creído en él, un desengaño absoluto e ira interior hacia él. Ello les lleva a la iniciativa de realizar...

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Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale
Feb14

Primera crónica de la Sección Oficial de la Berlinale

La 66. edición de la Berlinale ya está en marcha, y el Jurado presidido por Meryl Streep está ya visionando las primeras películas de la Sección Oficial de este año. Las grandes sorpresas por ahora han sido Fuocommare, 24 Weeks y Midnight Special, de las cuales hablaré más detenidamente en la próxima crónica. En general, la Sección Oficial está siendo bastante buena, con películas muy variadas e interesantes cada una a su manera. La película inaugural fue Hail, Caesar! de los hermanos Coen, que regaló muchas risas tanto durante la proyección como en la rueda de prensa. No obstante, su nuevo film está fuera de competición. Podéis leer la crítica aquí: https://revista.tviso.com/hail-caesar-version-romantizada-coen-del-hollywood-de-los-50/ Y a continuación podéis leer la crónica de las cuatro siguientes películas: Cartas da guerra, Inhebek Hedi, L’Avenir y Boris sans Béatrice (la única que no ha terminado de convencer por ahora).     Cartas da guerra, de Ivo M. Ferreira La película del director portugués, basada en la novela de António Lobo Antunes, invita al espectador a experimentar una película antibélica bastante distinta al resto, sustentada en la poesía, el intercambio de cartas narradas con voz en off, y con la belleza y el estilo visual similar a Malick pero con una portentosa fotografía en blanco y negro. Sustenta su mensaje antibélico no mostrando la violencia de la guerra, sino todo lo contrario, plasmando con sobrecogedoras imágenes precisamente la antítesis de la guerra: la gran belleza de la naturaleza y los agradables momentos de paz y tranquilidad. Pudiendo disfrutar de esto ¿qué sentido tiene la guerra? “Esta guerra nos convierte a todos en insectos, que luchan por la supervivencia” escribe el joven médico militar António en una de sus cartas a su mujer embarazada en Portugal, durante la guerra colonial en Angola, en enero de 1971. Son palabras de dolor y sinceridad, que contienen a su vez una profunda melancolía para con su querida y su bebe que está a punto de nacer. En sus constantes cartas, leídas por su mujer, António realiza un boceto del día a día en territorio desconocido: el progresivo descubrimiento de la fascinante naturaleza, los encuentros con los nativos, el cuidado de una niña huérfana, y nos hace cómplices de sus sentimientos y pensamientos. Pero inevitablemente, también haz momentos en los que la guerra muestra su verdadera cara. Cartas da guerra resulta en cualquier caso una película muy interesante, en el que se recogen algunas de las cartas auténticas de António Lobo Antunes, combinando realidad e imaginación por parte de Ivo M. Ferreira. Con una hipnótica fotografía en blanco y negro, el director portugués nos regala un poético ensayo, en el...

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Crónica del Festival de Series 2015 de Movistar +
Dic18

Crónica del Festival de Series 2015 de Movistar +

Crónica del Festival de Series 2015 en Barcelona

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Empezamos la cuenta atrás: Arranca la temporada de premios
Dic10

Empezamos la cuenta atrás: Arranca la temporada de premios

Año tras año y con el final de la temporada de festivales, sobre todo el de Toronto, comienza la cuenta atrás de la época de premios que suele coincidir con el estreno de las que se presumen serán las grandes candidatas a recoger más galardones. Ya estamos bien metidos en el mes de Diciembre y más o menos cada uno puede ir haciendo sus quinielas, pero lo que queda de año aún puede depararnos alguna que otra sorpresa o decepción (si, hablo de ti, David O.Russell). Estos últimos meses hemos visto como se iba forjando un puñado de títulos imprescindibles a la hora de agregarlos a las listas de mejores películas del año, los críticos no daban abasto ante tanto estreno importante, y todo mientras las asociaciones iban dejando entrever sus preferencias. Pero ha sido hoy, con la lista de nominados a los Globos de Oro, cuando por fin se ha dado el pistoletazo de salida. Bien es cierto que los SAG (Screen Actors Guild) se habían adelantado, pero es la prensa extranjera de Hollywood quien tiene más repercusión, obviando a la Academia, por supuesto, que no será hasta Enero cuando haga la criba definitiva, aunque será en unos días cuando haga el primer anuncio para saber cuales son las primeras películas en habla no inglesa que pasan el corte. Y no, Loreak, no está entre las favoritas. Así pues,  y juzgando por lo poco visto y más por que aparece en casi todas las quinielas, vamos a hacer un repaso a las principales candidaturas y a los posibles nombres que más se repitan en las siguientes semanas. MEJOR PELÍCULA De momento, la mejor colocada parece “Spotlight” de Thomas McCarthy, que se adentra en la investigación periodística de los abusos de la iglesia. Ya se han empezado a escuchar comparaciones con “Todos los hombres del presidente”, y aunque el director no sea una gran estrella, el tema que trata la película es muy oscarizable. Además cuenta con un buen reparto: Mark Ruffalo, Rachel McAdams y el renacido Michael Keaton. Su mayor competidora puede que sea “Carol”, de Todd Haynes, que con “Lejos del cielo” ya demostró  su enorme sensibilidad cuando se trata de contar historias de amor socialmente no aceptadas. A su favor, Cate Blanchett y Rooney Mara, la pareja protagonista. Pero no hay que descartar esa locura maravillosa, esa mezcla entre el western apocalíptico y cyber-punk  de George Miller. “Mad Max: Fury Road” parece haber gustado mucho a los críticos y se advierten no solo nominaciones en aspectos técnicos, puede que se cuele en algún apartado importante, aunque el de mejor director habría que darlo por sentado. Un...

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Cineuropa 2015: Primera Jornada
Nov07

Cineuropa 2015: Primera Jornada

El Teatro Principal ha abierto sus puertas un otoño más para inaugurar la vigésimo novena edición del festival cinematográfico más maratoniano de toda nuestra geografía. Un certamen que en los últimos tres años ha conseguido hacer frente a unos recortes presupuestarios absolutamente sangrantes, que han suprimido el 60% de los fondos con los que contaba en ediciones anteriores y que, en ejemplos gráficos, viene a significar una mísera quinta parte de otras exposiciones similares que apenas duran nueve días. Arranca, a pesar de todo, con mucha esperanza de que el actual equipo de gobierno de Santiago muestre un poco más de respeto por la esencia de nuestra cultura, con mucha energía puesta en una entrega cargada de compromiso político y denuncia social; y sobre todo con muchísimo optimismo de cara a un futuro que augura recompensarnos con una nueva generación de cineastas muy prometedora. Es el caso de Rudi Rosenberg, ganador del premio Nuevos Realizadores del 63 Festival de San Sebastián con su inspirada Le Nouveau, cinta que ha inaugurado exquisitamente el Cineuropa de 2015, gracias a la ternura que desprende la casi paternal mirada con que el director retrata la compleja preadolescencia del desorientado Benoit. La fotografía colorista y luminosa, una narración que evita caer en la sensiblería más chabacana y el acertadísimo casting, han conseguido que esta deliciosa comedia haya alcanzado el 8.5 de nota media por parte del entregadísimo público, único juez y jurado de este concurso. La segunda, de las más de trescientas películas que se proyectarán en total, es 45 Years (Andrew Haigh, 2015), que llega a la capital compostelana avalada por los dos Osos de Plata con que Berlín premió a sus protagonistas. La aplazadísima celebración de los cuarenta años de matrimonio de Kate y Geoff se verá enturbiada por la revelación de un secreto que cambiará el sentido de toda una existencia, desdibujando la naturaleza de su relación y tiñendo de desconfianza unos silencios antes cargados de serenidad. El dolor de las heridas abiertas en una tardía etapa vital en que apenas queda tiempo para derrocharlo sanando cicatrices se muestra con tal franqueza en el rostro de Charlotte Rampling que es imposible no emocionarse ante la fragmentación de lo que parecía un vínculo eterno. Y así comienza y termina la noche en la rúa nova de Compostela: con una afable bienvenida llena de recuerdos para toda esa gente que lleva casi treinta años sacando adelante con muchísimo esfuerzo tan ambicioso proyecto; con menciones de honor a invitados ilustres que participan de nuestra particular manera de entender la vida en general y este festejo en particular; y con aplausos que celebran ese “larga...

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El espíritu publicitario de los premios inventados: El tiempo entre photocalls de Adriana Ugarte
Oct16

El espíritu publicitario de los premios inventados: El tiempo entre photocalls de Adriana Ugarte

Los caminos de la publicidad son amplios e inescrutables. Tanto que los contratos de imagen al uso entre una cara famosa -preferiblemente televisiva- y una conocida marca comercial se han quedado desfasados. Si quieres que un rostro popular sea asociado a tu producto invéntate unos galardones imaginarios más falsos que los cinturones de campeón del pressing catch, monta un sarao lleno de amiguetes relevantes de la pequeña pantalla (Alejo Sauras, Carles Francino, Álvaro Cervantes… y Juan Antonio Bayona que pasaba por ahí), organiza un photocall con alfombra roja -lo de la alfombra verde de los Goya jamás debe repetirse- y obliga al ilustre premiado (en 2014, la afortunada fue Ursula Corberó) a aprender un par de sutiles slogans encubiertos desde el mismo momento en que reciba tan insigne reconocimiento: “Mi espíritu indomable tiene que ver con mis constantes ganas de aprender” (Adriana Ugarte, actriz de espíritu indomable y ganadora del Premio Bacardi Espíritu Indomable 2015) No acabaron ahí los guiños promocionales y las menciones indirectas a los efectos de placebo provocados por la ingestión del conocido Ron cuando la protagonista de El Tiempo entre Costuras se refirió a su reciente experiencia rodando junto a Pedro Almodóvar: “Me ha roto los esquemas. Da una sensación de vértigo y de descontrol pero también aprendes a revisar todo lo que tenías aprendido. Y eso es muy adictivo.“ Junte los pies, y camine derecha en línea recta… La ceremonia, con alrededor de 300 invitados y nominados -a los premios de verdad me refiero, los del festival de Sitges que se celebraba justo al lado- fue amenizada con la degustación de un cóctel inful preparado para la ocasión por el ganador de la Bacardi Legacy Global Cocktail Competition, Jaime Añón. No me preguntéis qué es un cóctel inful porque no tengo ni puñetera idea, pero seguro que llevaba alcohol y a los asistentes les gustó mucho… En fin. Espero con impaciencia el fallo del jurado de Sitges en la Bacardinale del año próximo. Yo apostaría por la maravillosa Cristina Pedroche o la nueva estrella del pop Ylenia Padilla, ¿y tú? ¡Se abren las...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica de los días 8 y 9
Sep30

63 Festival de San Sebastián: Crónica de los días 8 y 9

Black Mass (Scott Cooper) No era grande la expectación ante el tercer largometraje de Scott Cooper, lo que hace más leve la caída. Y es que quien se espere de «Black Mass» algo más que un aceptable entretenimiento, probablemente se acabe llevando una decepción. La cinta protagonizada por un convincente Johnny Depp ya la hemos visto un millón de veces, de tal forma que la única razón por la cual se me ocurre que alguien disfrutaría de «Black Mass» es porque lo único que espera de ella es que le distraiga, lo que le pedirá al millar de películas exactamente iguales a ésta, que aportan exactamente lo mismo a un espectador que por experiencia conoce ya de antemano todas las secuencias y todos los diálogos. No encuentro ninguna conexión con ningún personaje, no encuentro ningún atisbo de cine, ninguna escena que merezca ser destacada como sí lo hace –por ridículo– su bochornoso epílogo. Se deja ver, sí, como cualquier cosa. Aquí no vale el «algo es algo», porque eso no es nada. En definitiva, una cinta para quien quiera lo único que promete. Por mi parte, esto ya lo he visto muchas veces, y casi siempre mejor. El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra) Por el contrario, el también tercer largometraje de Ciro Guerra es una obra especialísima y gigante, de una belleza indescriptible, que proporciona una experiencia única a las puertas del cierre de esta edición del Festival de San Sebastián. Guerra ya había demostrado en sus anteriores trabajos su gran talento para narrar historias cargadas de lirismo, acompañada en su película más reciente de un gran despliegue visual que no solo se repite en «El abrazo de la serpiente» sino que es superado con creces, consiguiendo una de las cintas visualmente más impactantes que se han visto este año, en la que cada plano respira al tiempo que transmite al espectador la pureza del aire del Amazonas, una región que el director sabe exprimir al máximo, captando su misterio, su belleza y su magia. No han sido pocas las obras maestras con las que ha sido comparada «El abrazo de la serpiente». La comparación más escuchada es la que la relaciona con la«Apocalypse Now» de Francis Ford Coppola, a la cual recuerda por sus largas travesías por el río a través de la inhóspita selva, y aunque la referencia más clara es la de Herzog, el viaje espiritual que al que se someten los protagonistas y el misticismo que desprende me trae el recuerdo de la magnética y mágica «Dead Man» de Jim Jarmusch. Símiles aparte, es un gusto perderse entre los fotogramas de esta maravilla que ganará con los revisionados pese...

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SSIFF Juventud: ponga un festival de cine en su vida
Sep29

SSIFF Juventud: ponga un festival de cine en su vida

 Si eres joven, te gusta el cine y puedes permitirte pasar unos 10 días de septiembre en San Sebastián, no hay mejor oportunidad para disfrutar del Séptimo Arte que la de formar parte del Jurado de la Juventud del SSIFF.  Día tras día en el festival más de 200 jóvenes de entre 18 y 25 años nos encargamos de valorar las películas que optan al premio EZAE de la Juventud, pertenecientes a las categorías de Horizontes Latinos y Nuevos Directores. Por supuesto, de todo hay, y ser jurado tiene sus pros y contras… Para todo el que se lo esté pensando, aquí os dejo mi experiencia, así como un plus de qué opciones tenéis para el tiempo libre. Básicamente esto es una guía de supervivencia. Sí, hablo de acudir a estrenos y activar el buscador de famosos. Merece bastante la pena.                         Punto 1: no es tan caro. Sí, es un dinero, pero si sabes buscarte un apartamento o algo por el estilo puedes encontrar oportunidades de ganga (vale, relativamente). Las comidas las proporciona el festival, unos bocatas muy buenos, la verdad. Por lo menos este año. Sólo tienes que preocuparte por los desayunos y cenas, y aquí ya cada cual escoge el mínimo o máximo de presupuesto. Tampoco es una gran gran gran preocupación. Quien viene a San Sebastián lleva la intención (o debería) de devorar películas ante todo. El resto sale solo.  Punto 2: no te hace falta estudiar Audiovisuales o similar. Hasta el año anterior, esto era un requisito, pero en esta ocasión no ha sido obligatorio. Por supuesto, la mayoría de los que deciden formar parte de un jurado como éste son estudiantes de estas disciplinas, pero no todos. ¡Cinéfilos por hobby, aprovechad! Absténganse personas que vienen sólo por el famoso de turno, el estreno glamuroso y el postureo. Puedes disfrutar de ellos, pero algunos días tenemos 4 películas obligatorias. No es apto para posturistas, porque van a acabar empachados de cine festivalero.  Punto 3: lo recalco de nuevo… CINE FESTIVALERO. Sabed dónde os metéis. En este caso los largometrajes obligatorios, este año 22, son de directores que presentan su primera película, así como otros cuantos proyectos de cine latinoamericano. ¿Qué quiere decir esto? No son blockbusters. No son pelis de acción, de alto presupuesto y con repartos estelares. Pero eso no significa que no tengan un valor considerable. Eso sí, hay mucho largometraje lento de narices, con aspiraciones muy poéticas, simbólicas, artísticas. Y drama. Toneladas de drama, hasta el punto en el cual cualquier mini-gag sirve de escape al público para relajarse un poco....

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 7
Sep29

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 7

El clan (Pablo Trapero) El Teatro Victoria Eugenia se llena para la proyección del nuevo thriller de Pablo Trapero, que narra la historia –basada en hechos reales ocurridos a comienzos de los años 80 en Argentina– del Clan Puccio, una típica familia que oculta un siniestro clan dedicado al secuestro y asesinato de personas y en la que Arquímedes, el patriarca, lidera y planifica los operativos. Trapero ha demostrado en sus anteriores trabajos su talento para filmar thrillers con nervio y dramas tensos. «El clan», que supone una mezcla de ambos, está narrado con la solvencia que promete el realizador argentino, que construye una película vertiginosa gracias a un uso de la música y el montaje claro heredero del Scorsese de «Uno de los nuestros» o «Casino». No obstante, este uso de los recursos con la intención de dar dinamismo y ritmo a la cinta acaban pasándole factura, pues el tono «festivo» –como lo denominó un compañero– que imprime no casa con la sórdida historia que se nos relata y termina desentonando, impidiendo que un intenso y muy disfrutable thriller alcance la redondez que haría de él una gran película. The Treasure (Corneliu Porumboiu) La segunda proyección de la jornada se trata del último trabajo del rumano Corneliu Porumboiu, que regresa a la comedia con una divertida revisión de las cintas sobre búsquedas de oro al más puro estilo de «El tesoro de Sierra Madre», película que él mismo reconoce entre sus influencias para «The Treasure». La encantadora obra de Porumboiu cuenta con dos grandes virtudes. La primera de ellas es cómo consigue arrancar risas de secuencias que, por sí solas, no tendrían nada de gracioso. El director se vale de las repeticiones y del recurso de alargar la duración de sus escenas para conseguir momentos divertidísimos utilizando como base elementos de lo más sencillo, como puede ser recorrer el terreno con un detector de metales o realizar una compra en una joyería. En segundo lugar, destaca el uso que hace de la memoria del espectador que, acostumbrado a historias similares, espera encontrar en «The Treasure» un desenlace similar al de éstas, descubriendo que realmente Porumboiu está sorteando de forma muy intencionada los lugares comunes para burlarse del cliché y –lo que resulta aún más destacable– mantener la intriga y la atención del espectador en el relato. Son of Saul (László Nemes) En las antípodas de ser «otra película sobre el holocausto», el debut de László Nemes es, al mismo tiempo, una experiencia cinematográfica única y un desolador relato sobre la esperanza (y la ausencia de ella). El holocausto se utiliza únicamente como contexto, es la tragedia humana escogida para enmarcar temporal y geográficamente este doloroso drama sobre un ser...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 6
Sep29

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 6

Mountains May Depart (Jia Zhang Ke) La sexta jornada se inicia con la nueva película del reputado director chino Jia Zhangke, autor de la ganadora a Mejor guión en el 66 Festival de Cannes, «Un toque de violencia». La cinta está dividida en tres partes, una en el pasado (principios de siglo), otra en el presente (2014) y finalmente una en el futuro (2025), y se trata de un melodrama que gira primero en torno a una historia romántica para enmarcarse más adelante en el drama familiar. Tiene la película dos fragmentos muy diferenciados: Por un lado las dos primeras partes, que tienen lugar antes de nuestro presente (de aproximadamente 90 minutos en total) y por otro la tercera parte, que tiene como contexto un futuro ficticio. Esta división no es explícita, pero el hecho de que muchos hayamos sentido una gran diferencia entre la una y la otra es muy significativo. Y es que los primeros 90 minutos de la cinta son algo maravilloso, una impecable narración sin subrayados emocionales, con una delicadeza y una sensibilidad a la altura de los más grandes, acompañada de un gran despliegue visual y mostrando un gran uso de todos los recursos (con especial atención a la música). Sin embargo, todo esto desaparece a la llegada de la tercera parte, que cae en lo ridículo en más de un momento, perdiendo el magnetismo y la emotividad de las dos primeras partes y estropeando con su irregularidad la magnífica obra que se había ido levantado  hasta entonces. The Boy and the Beast (Mamoru Hosoda) Continúa el día con la proyección de «The Boy and the Beast», el nuevo largometraje de animación de Mamoru Hosoda, un cineasta con una filmografía relativamente pequeña pero repleta de interés, con tres películas recientes que han dado mucho que hablar en el mundo de la animación japonesa y entre las que destaca «La chica que saltaba a través del tiempo», la cinta que lo hizo saltar a la fama y mi favorita personal de entre todos sus trabajos. En «The Boy and the Beast» vuelve a demostrar que se trata de uno de los directores más interesantes del momento dentro de la animación, con un talento especial –heredero de Miyazaki, auténtico maestro en este ámbito– para construir y narrar historias que atraparán tanto a niños como a adultos, todo ello acompañado de un gran espectáculo visual repleto de imágenes de gran belleza. No obstante, aunque la cinta cuenta con innumerables virtudes, el interés empieza a diluirse con la introducción del concepto de «Oscuridad» y la llegada de las batallas, que probablemente harán las delicias de algunos espectadores pero que otros habríamos cambiado por una...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 5
Sep28

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 5

High-Rise (Ben Wheatley) El quinto día se inicia con una de las películas más esperadas y probablemente la cinta rodeada de mayor expectación en la Sección Oficial. El particular estilo de Wheatley ha ido captando adeptos con los años, y la idea de un nuevo proyecto de mucho presupuesto que adapta una novela de Ballard era jugosa tanto para los más fieles como para los que, sin adorar al cineasta británico, nos sentimos interesados por su cine. Y no sólo ha conseguido no decepcionar –logrando la que es con diferencia su mejor (y más ambiciosa) película– sino que ha demostrado ser un director con un talento descomunal, que alcanza su máximo esplendor en la primera hora de «High-Rise», una primera parte magnífica e impecable que, de forma aislada, fácilmente podría entrar entre lo mejor que he visto en esta edición del festival. No obstante, la impresionante puesta en escena de Wheatley se desinfla en su segunda mitad, donde reaparece el cineasta gamberro en detrimento del brillante director, tomando la cinta un rumbo caracterizado por un tono excesivo y grotesco cercano al de trabajos como «Kill List» o «A Field of England» con mucho presupuesto, que poco o nada tiene que ver con lo que habíamos visto en la primera mitad. Quienes conecten fácilmente con su estilo, encontrarán absoluto disfrute en ambas partes, pero los que nos agotamos rápido con la fórmula de Wheatley sólo obtenemos un disfrute moderado de la segunda hora de película, dándonos la sensación de estar ante una gran cinta de inicio potente pero resultado finalmente irregular que, sin embargo, es de lo mejor de esta Sección Oficial, está hecha para ganar con los análisis y revisionados, y es toda una declaración de intenciones de un prometedor y personal cineasta. Irrational Man (Woody Allen) Y si la expectación era alta con el nuevo trabajo de Ben Wheatley, nunca es baja ante el estreno de la nueva película de Woody Allen, en esta ocasión protagonizada por uno de los mejores actores del momento y girando alrededor de un tema que ha dado lugar a dos de sus mejores películas (entre sus cinco mejores, en mi opinión): «Delitos y faltas» y «Match Point», así como a la algo menor aunque fantástica «El sueño de Casandra». Curiosamente, pese a que es de las dos primeras de las que se ha hablado, «Irrational Man» tiene más que ver con esta última, pues mientras que «Delitos y faltas» era una película con dos subtramas principales, una cómica y otra dramática, y «Match Point» era una cinta puramente dramática, el estilo de su nueva cinta es más cercano al de «El sueño de Casandra»: un...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 4
Sep28

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 4

Amama (Asier Altuna) La jornada se inicia con la proyección de una de mis películas favoritas del festival y, al mismo tiempo, probablemente una de las obras que habrán generado más polémica al final de esta edición. «Amama», a pesar de haber recibido la ovación más larga e intensa que he presenciado en estos días, es una cinta que parece dividir a los espectadores entre los que quedan maravillados por la bella propuesta de Altuna y a los que lo que cuenta –o más bien cómo cuenta lo que cuenta– les parece una tontería. «Amama» relata un conflicto familiar de un modo lírico, retratando tanto las diferencias entre lo rural y lo urbano como las distintas formas de ver el mundo de cada una de las generaciones que integran la familia. Quien conecte con su estilo encontrará en ella una cinta emotiva y bellísima, con herencias del mejor cine español (Erice o Guerín) y narrada bajo una mirada sincera y cercana. Una gran sorpresa que es mi favorita de la Sección Oficial. Eva no duerme (Pablo Agüero) Si la cinta de Altuna ha generado polémica no se queda atrás el cuarto largometraje de Pablo Agüero, del que se han leído tanto opiniones entusiastas como críticas muy negativas. Estas últimas suelen acusarla de tratarse de un trabajo puramente formal que descuida el contenido y el ritmo, dando como resultado una película vacía y aburrida. Lo que parece innegable tanto para devotos como para detractores es que estamos ante un trabajo de inmensa calidad técnica, y uno de los ejercicios de estilo más vistosos de la Sección Oficial. Pero además, contrario a los más críticos, considero que esta propuesta formal no descuida el fondo ni resulta cansina. La cinta, dividida principalmente en tres partes, pretende relatar la odisea del cadáver de Eva Perón en distintos momentos bajo diferentes puntos de vista en cada ocasión, de forma que el objetivo parece ser más el de lograr una película pequeña que ofrezca un enfoque particular (estéticamente perfecto) sobre el tema, antes que una gran obra que relate con detalle la historia real, y en esto cumple con creces. Y es que «Eva no duerme» es una cinta pequeña pero de gran fuerza, una joya potente y magnética que seduce tanto como interesa. Desde allá (Lorenzo Vigas) La proyección del León de Oro de este año no sólo no generó el entusiasmo esperado sino que la reacción fue más bien tibia, y más negativa aún es mi opinión al respecto de la que considero una de las películas más flojas de esta edición. Ocurre que, mientras que a duras penas consigo encontrar algo positivo que decir sobre ella...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 3
Sep23

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 3

Sparrows (Rúnar Rúnarsson) La tercera jornada comienza con la proyección de «Sparrows», segundo largometraje del islandés Rúnar Rúnarsson, autor que, a través de sus anteriores trabajos, ya había demostrado una sensibilidad única para contar historias sencillas y humanas, especialmente relatos relacionados con la adolescencia («Anna») o con la muerte («Volcán»). En el caso que nos ocupa, Rúnarsson recupera su primer cortometraje, «Two Birds», con el objetivo de darle un contexto. Es decir, añadir un pasado y un futuro al delicado pequeño instante de la vida de dos jóvenes que representa ese trabajo inicial. Este intento de contextualizar la historia pasa por introducir una serie de situaciones en la vida del protagonista que justifiquen la forma de actuar que tiene su «yo» futuro (ambos actores son el mismo con 7 años de diferencia), y es en esto en lo que radica el mayor problema de la cinta, dado que Rúnarsson sacrifica su mayor virtud –la delicadeza, lo sutil, lo humano– para colocar a la fuerza una serie de momentos dramáticos «life-changing» que resultan tan artificiales como sólo puede serlo un intento de forzar un pasado para explicar un acto futuro. La película se escribe con el final ya fijado, llevándome a sentir, conforme avanza el tiempo, la sensación de que algo falla, de que falta la naturalidad que otras obras de Rúnarsson desprende. Cuando termina y pienso en ella, descubro que el largometraje no aporta nada al corto, el cual tenía mil pasados y futuros, todos por inventar, y que de principio a fin respira inocencia, humanidad y vida. Anomalisa (Charlie Kaufman y Duke Johnson) La segunda proyección del día se trata de nuevo de un segundo largometraje, en este caso del brillante guionista Charlie Kaufman, que dio el paso a la dirección hace 7 años con la especialísima «Synecdoche, New York». Kaufman es conocido y valorado por sus originales guiones, sustentados en alocadas ideas que se utilizan como medio para explorar los problemas del hombre contemporáneo, algo que ya se puede observar en «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» y su forma de profundizar en las relaciones: inicio, monotonía, deterioro, ruptura y recuerdo. Kaufman, como ya demuestra en «Adaptation» –una película sobre un guionista en plena crisis creativa que está escribiendo un guión sobre algo llamado «Adaptation» que va sobre un guionista en plena crisis creativa que…–, tiene tendencia a hablar de sí mismo, pero su ingenio a la hora de hacerlo consiguen que las películas de Charlie Kaufman sobre Charlie Kaufman sean películas hechas por y para el mundo entero. «Anomalisa» no es una excepción, pues no tengo duda de que todos los temas acerca de los que reflexiona son asuntos que preocupan diariamente...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 2
Sep20

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 2

Sunset Song (Terence Davies) El segundo día comienza temprano con la proyección de «Sunset Song», la última película del veterano Terence Davies, conocido por «Voces distantes» y la fantástica trilogía de mediometrajes, con la que se inició en el cine a finales de los 70 y principios de los 80. El relato, narrado con delicadeza, se enmarca al inicio de la Primera Guerra Mundial y explora el paso a la madurez de una joven en un entorno rural. Los pocos reproches que pueden hacérsele son tantos como sus virtudes a destacar, y es que la cinta se me antoja tan infinitamente correcta y académica que la sensación que predomina en mí durante la mayor parte del metraje es la de indiferencia. El duro drama que presenta y su bella fotografía dan cierto interés a una película a cuya historia Davies –salvo en contadas escenas, entre las que brilla su tramo final– parece incapaz de dotar de la fuerza adecuada y que termina pasando sin alma ante mis ojos para pronto ser olvidada. Sicario (Denis Villeneuve) Poco después se proyecta «Sicario», nuevo thriller de encargo dirigido por Villeneuve, que vuelve a demostrar una vez más sus grandes grandes dotes como realizador. La cinta, protagonizada por unos fantásticos Benicio del Toro, Josh Brolin y Emily Blunt, está más cerca de la magnífica «Incendies» que de sus últimos trabajos, enmarcándose también en medio de un conflicto social y político. No obstante, la película más recordada durante el visionado de «Sicario» es «Zero Dark Thirty», de Kathryn Bigelow, con la que comparte algunos elementos tanto argumentales como de estilo. Villeneuve construye un thriller redondo que no baja el nivel ni un solo segundo y que mantiene su intensidad desde el primero hasta el último minuto. Magnética y vibrante, «Sicario» es una película impactante que sabe atrapar al espectador con un uso notable de los recursos de los que dispone, entre los que destaca una impresionante utilización del sonido. Pese a que no deja el poso de sus mejores películas, plantea cuestiones interesantes y su conclusión, totalmente desesperanzadora, vuelve a hacernos salir destrozados de la sala, por un lado exhaustos tras el frenético ejercicio de suspense (más que de acción) y por otro, desolados a tenor de su amarga reflexión. Evolution (Lucile Hadzihalilovich) El segundo largometraje de la mujer de Gaspar Noé ha resultado ser, probablemente, la película más polémica de la Sección Oficial de esta edición del festival. La gran división de opiniones es en cierta medida comprensible, pues se trata de una de esas propuestas difíciles, que piden del observador una implicación total y que al no ofrecer todas las respuestas, termina con tantas preguntas que algunos espectadores, al no encontrar resolución al enigma...

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63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 1
Sep19

63 Festival de San Sebastián: Crónica del día 1

Regresión (Alejandro Amenábar) La 63º edición del Festival de San Sebastián abre con la nueva película del director español Alejandro Amenábar, que, tras dedicar sus últimos trabajos a coquetear con el drama, decide volver a sus orígenes con una cinta que se enmarca en el género que lo hizo famoso: el thriller. Si la expectación por su primer trabajo en los últimos 6 años era grande, mayor ha sido la decepción, y es que cuenta su producto con muchos más errores que aciertos. Entre estos últimos destaca el interesante e inteligente planteamiento que, de forma similar a como hace en «Tesis» con la violencia, implica al espectador de lleno en el tema sobre el que decide hacer girar su película, que no es otro que el miedo y la histeria colectiva. No obstante, pocas virtudes más pueden encontrarse en una cinta plagada de incomprensibles y mayúsculos errores, entre los que destaca la extraña obsesión de Amenábar por subrayar todo hasta el extremo. El director, que en sus primeros trabajos se había caracterizado por su talento para crear atmósferas inquietantes, aquí en busca de obtener lo mismo necesita de un uso abusivo de la música, de los efectos de sonido, del susto fácil y de hasta el último cliché de los peores thrillers. Por si este uso de los recursos más torpes no fuese suficientemente agotador, sus personajes sobreexplican hasta el último detalle de la historia y sus ridículos giros de guión se sustentan en elementos metidos en la trama con calzador. Ni un reparto protagonizado por estrellas consigue salvar «Regresión» del desastre. Ethan Hawke, que ha conocido tiempos mejores, no tiene un solo momento acertado y Emma Watson está ridícula en el poco tiempo que aparece. Este desastre no sorprende a los detractores de Amenábar, pero sí a los que creemos que tiene talento, que no comprendemos el rumbo que está tomando su carrera. Y es que la película aún podría defenderse si no se tomase demasiado en serio a sí misma, pero el director trata de imprimir un tono tan tenso y dramático a la historia que ciertos sectores de la sala en algunos momentos no han podido contener la risa. No es que «Regresión» sea una película fallida, sino algo mucho peor: se trata de un thriller torpe de sobremesa más, uno como otro cualquiera. Pikadero (Ben Sharrock) La segunda película es el debut del escocés Ben Sharrock con una comedia marciana protagonizada por una joven pareja de vascos sin demasiados recursos económicos que buscan un lugar en el que consumar su amor. Si tendiésemos a las comparaciones locas podríamos considerarla una especie de mezcla entre el estatismo de Roy Andersson y...

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Premios Oscar 2015: El mejor año para la gala más anodina
Feb23

Premios Oscar 2015: El mejor año para la gala más anodina

Pues aquí estamos otra vez. ¿Vosotros os imagináis que vais a ver el espectáculo de fuegos artificiales de un reputado maestro pirotécnico, pero que todos los grandes cohetes se lanzan en los primeros cinco minutos? Algo similar es lo que ocurrió anoche. Con sus altos y sus bajos, la 87ª gala de los Premios Óscar de la Academia dejó un poso muy insuficiente y una proporción ínfima de momentos para el recuerdo respecto a la duración total (prácticamente cuatro horas, como nuestros queridos y casolanos Goyas de hace un par de semanas, sólo que incluyendo también la publicidad). El mayor espectáculo se situó al comienzo: el suntuoso número musical Moving Pictures hacía boca y abría con una puesta en escena fabulosa. Como mucho, podemos tener la certeza de que la mayoría de grandes películas norteamericanas comerciales del año han sido reconocidas y laureadas y que, en lo que a las entregas se refiere, pocas sorpresas nos hemos llevado… lo cual, en este caso, sí parece suficiente (nótese que personalmente he sido del Team Birdman, así que en ese sentido me he ido generalmente contento). Empecemos por el presentador. Neil Patrick Harris es un tipo gracioso. A casi todo el mundo le cae bien (incluso a los que pasamos de reírle todas las gracias al Barney Stinson de Cómo conocí a vuestra madre al punto de sentir exactamente lo opuesto respecto a la serie y al personaje). Algo debí haberme perdido escuchando a los traductores del Canal+, algo se habría lost in translation, pero no escuché casi ningún chiste de su boca, en comparación a lo esperable o a, por tener un referente inmediato, su antecesora de difícil superación: una Ellen DeGeneres que hizo historia, entre otras cosas, con el selfie más célebre de todos. En cambio, este año el guión ni siquiera le dio pie a NPH para lucirse: le dio una urna donde guardaba sus “predicciones” en cuanto a lo que iba a pasar en la gala (una suerte de running gag que me la trajo bastante al pairo) y se parodió tanto a Birdman como a Whiplash en un breve pero intenso “famoso plano secuencia de Neilman“. Por otra parte, y respecto a esto último, creo que se le vio más a Iñárritu (el director de la gran ganadora) que al propio presentador encima del escenario, casi sin exagerar. Aunque fuera una de las galas más aburridas y tratadas de pasada que he visto (que, aunque no vaya en mi favor, tampoco han sido demasiadas), no significa que no hayamos podido presenciar algunas perlitas: Everything is Awesome es una canción que puede gustar más, menos o mucho menos (a mí me parece un bodrio, aunque al pelo para la divertida Lego Película), pero la fiesta de color y absurdez que rompió el escenario del teatro fue, por lo menos, digna de mención (y...

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“Taxi” de Jafar Panahi, Oso de Oro 2015
Feb15

“Taxi” de Jafar Panahi, Oso de Oro 2015

El Jurado de la Berlinale 2015, formado por Daniel Brühl, Bong Joon-ho, Martha de Laurentiis, Claudia Llosa, Audrey Tautou, Matthew Weiner, y presidido por Darren Aronofsky, ha concedido el Oso de Oro a “Taxi“, la película del director iraní, Jafar Panahi. La situación de Jafar Panahi es algo complicada, dado que tiene prohibido hacer cine en Irán, así como abandonar el país desde el año 2009. En el 2010, pasó 88 días en prisión, hasta que fue liberado debido a la presión internacional. No obstante, dicho año, un tribunal le condenó a 20 años de inhabilitación para hacer cine, junto a la prohibición de salir de Irán. Y a pesar de todo, el director iraní se las ha ingeniado de nuevo para rodar una película-documental, escondiendo una cámara en el salpicadero de su coche, y haciendo él mismo de taxista. De este modo, recorriendo las calles de Teherán, fue recogiendo a pasajeros muy diversos que expresaban abiertamente su opinión mientras eran entrevistados por él. Con Taxi ha logrado de esta forma, capturar el verdadero espíritu de la sociedad iraní, a través de conversaciones que revelan probablemente más sobre Irán que cualquier otra película realizada. Debido a la prohibición de abandonar su país antemencionada, ha acudido a recoger el Oso de Oro su sobrina, Hanna Saeidi, actriz a su vez en el film. Prosiguiendo con la entrega de premios, el Gran Premio del Jurado ha sido otorgado a la película chilena El Club, del director Pablo Larraín, que se ha llevado por ello el Oso de Plata. El Club ha sido junto a Taxi una de las películas mejor acogidas durante el festival, y es bastante probable que opte a bastantes más premios en otros festivales, así como a una posible nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa el año que viene. Destacar finalmente, que el premio Berlinale Kamera ha sido concedido a Marcel Ophüls, director de documentales muy importantes y prestigiosos, hijo a su vez del conocido director Max Ophüls.  El palmarés completo de la Berlinale 2015 ha quedado de la siguiente forma: Oso de Oro: ‘Taxi‘, de Jafar Panahi. Gran Premio del Jurado: Pablo Larraín, por ‘El club‘ Premio Alfred Bauer: ‘Ixcanul‘, de Jayro Bustamante. Mejor dirección ex aequo: Radu Jude por ‘Aferim‘ y para Malgorzata Szumowska por ‘Body‘. Mejor actriz: Charlotte Rampling, por ‘45 years‘. Mejor actor: Tom Courtenay, por ‘45 years‘. Mejor guion: Patricio Guzmán, por ‘El botón de nácar‘. Mejor contribución artística ex aequo: Sturla Brandth Grovlen, por la fotografía de ‘Victoria‘, y a Evgeniy Privin y Sergey Mikhalchuk, por la fotografía de ‘Pod electricheskimi oblakami‘. Premio FIPRESCI: ‘Taxi‘, de Jafar Panahi. Premio Ecuménico: ‘El botón de nácar‘, de Patricio Guzmán. Premio Mejor ópera prima: ‘600 millas‘, de...

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Oso honorífico a Wim Wenders en la Berlinale 2015
Feb13

Oso honorífico a Wim Wenders en la Berlinale 2015

Si en el pasado festival le fue concedido el honor a Ken Loach, la Berlinale 2015 ha rendido este año un gran homenaje a Wim Wenders, concendiéndole el Oso Honorífico por su carrera cinematográfica y su gran aportación al cine. El Homenaje, realizado en el Berliner Palast el 12 de febrero, fue presidido por su amigo y director de cine, Walter Salles (“Central Station“), y contó con la presencia de muchas personas célebres en el mundo del cine y de la música (como por ejemplo los miembros del grupo musical Die Toten Hosen, por nombrar a alguien), así como gran parte de los miembros que han formado parte de su equipo cinematográfico durante su carrera. En palabras del Director de la Berlinale, Dieter Kosslick: “Al dedicar el Homenaje a Wim Wenders, honramos a uno de los más notables autores contemporáneos. Sus polifacéticos trabajos de distintos géneros, tanto como cineasta, fotógrafo y autor, han formado nuestra memoria viva del cine, y continúa inspirando a otros cineastas”. Wim Wenders subió finalmente al escenario a recoger su Oso, acompañado de una ovación y unos aplausos que duraron bastantes minutos. Ofreció acto seguido un bonito discurso en el cual diferenció el “tiempo de vida”, con el “tiempo cinematográfico”: si bien nuestras vidas están limitadas, el tiempo cinematográfico puede volverse eterno, pues las películas hechas con verdadero amor y gran dedicación suelen perdurar en el tiempo. La gala terminó finalmente con la proyección de una de sus grandes películas: Der Amerikanische Freund, en una copia restaurada de gran calidad; una forma perfecta de terminar la noche. Wim Wenders debe estar viviendo un momento extraordinario. Hace unas semanas supo de la nominación al Oscar de su último documental, La sal de la Tierra, en la que es su tercera nominación. Ha hecho el estreno mundial además en la Berlinale de su nueva película en 3D, Everything will be fine, la cual, no obstante, se tuvo que quedar fuera de competición, al recibir ya el Oso Honorífico. Y debido a ello, le han dedicado además un ciclo especial en la Berlinale, proyectando muchas de sus películas por distintos cines de Berlin. En concreto, se han proyectado éstas: Die Angst des Tormanns beim Elfmeter (1972); El miedo del portero ante el penalti Alice in den Städten (1974); Alicia en las ciudades Im Lauf der Zeit (1976); En el curso del tiempo Der Amerikanische Freund (1977); El amigo americano Paris, Texas (1984) Tokyo-Ga (1985) Der Himmel über Berlin (1987); El cielo sobre Berlin Bis am Ende der Welt (1991/1994); Hasta el fin del mundo The Million Dollar Hotel (2000); Pina (2011) En definitiva, a sus casi 70 años, le han brindado a Wim Wenders un Homenaje totalmente merecido....

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