‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico
Sep27

‘mother!’: el Aronofsky más radical y anárquico

Darren Aronofsky, director de películas como Pi fe en el caos (1998), Requiem por un sueño (2000), La fuente de la vida (2006), El luchador (2008), El cisne negro (2010) y Noé (2014), ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia, y posteriormente en la sección de Perlas del 65 Festival de San Sebastián, su nuevo film mother!, el más ambicioso, frenético, provocativo y críptico hasta la fecha, que tendrá probablemente su horda de haters y de fans, a partes iguales. Su sinopsis es la que sigue: A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. Pero esta sinopsis no es más que la situación narrativa a modo de telón de fondo, puesto que mother! entera es en realidad un cúmulo de metáforas y analogías, aunque bastante crípticas. En palabras de Darren Aronofsky: mother! empieza como una historia típica sobre el matrimonio. En el centro de la historia está una mujer a la que se le exige dar y dar y dar hasta que ya no puede dar nada más. Pero paralelamente, la casa no puede soportar toda la presión hirviendo dentro. Se convierte en algo distinto… Si bien en sus anteriores proyectos, sus guiones se gestaron a lo largo de alrededor de un año, éste nació de forma visceral, tras encerrarse cinco días enteros en una casa vacía. Tras ser preguntado por el motivo de tan oscura visión, su respuesta fue la siguiente: “Es una época loca para estar vivo. Mientras la población mundial se acerca a los 8000 millones nos enfrentamos a problemas demasiado serios que toca considerar: Los ecosistemas colapsan mientras presenciamos extinciones a un ritmo sin precedentes; las crisis migratorias desestabilizan gobiernos; unos EEUU aparentemente esquizofrénicos ayudan a corregir un tratado histórico sobre el clima y meses después se retira;Antiguas disputas tribales y creencias siguen conduciendo a la guerra y a la división; El mayor iceberg registrado jamás se parte en dos en el Antártico y se desplaza hacia el mar. Al mismo tiempo enfrentamos problemas demasiado ridículas para ser comprendidas: En América del Sur unos turistas matan a dos bebés de delfín raros que arrastraron a la orilla, sofocándolos en un frenesí de selfies; la política se asemeja a los eventos deportivos; personas todavía mueren de hambre mientras otros pueden pedir cualquier tipo de carne que deseen. Como especie, nuestra huella es peligrosamente insostenible, pero vivimos en un estado de negación sobre...

Read More
74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico
Sep15

74 Festival de Venecia: palmarés y reportaje fotográfico

El Festival de Venecia, el festival de cine más antiguo, ha celebrado su 74ª edición entre el 31 de agosto y el 9 de septiembre. La anécdota más curiosa que ha dejado atrás, ha sido la de ser el primer festival de primera categoría en acoger y crear una nueva competición para la VR –Virtual Reality-. Y lo ha hecho con un mensaje muy positivo: la Realidad Virtual no ha venido a suplantar al cine, sino a buscar un camino paralelo y alternativo, que permita explorar nuevas vías artísticas, dando rienda suelta a la creatividad, en convivencia con el séptimo arte. El Festival, en sus distintas categorías, ha proyectado una gran cantidad de películas procedentes de todo el mundo, de una gran variedad de estilos y géneros, con la particularidad de que ha premiado con el máximo galardón, el León de Oro, precisamente a una película de género: La forma del agua de Guillermo del Toro. Podéis leer sobre ella en nuestro artículo: The Shape of Water. El Jurado, presidido por la actriz Annette Bening, y compuesto por Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright y Yonfan, fueron los encargados de repartir los premios de esta edición. Uno de los grandes afortunados de la noche, fue el debutante francés, Xavier Legrand, con su film Jusqu’à la garde, que se llevó dos grandes Premios: el Premio Venezia a la mejor Opera Prima, así como el León de Plata a la Mejor Dirección. Premios que abren las puertas a un futuro prometedor a este cineasta debutante. La Coppa Volpi a la Mejor Actriz, ha ido a parar a manos de la veterana actriz Charlotte Rampling, por su excelente interpretación en el film del italiano Andrea Pallaoro, Hannah. El Premio Marcelo Mastroinanni ha ido a parar al joven intérprete emergente, Charlie Plummer, por Lean on Pete, de Andrew Haigh. Es un premio que ha logrado alzar muchas carreras. El Premio Especial del Jurado fue a parar a manos de ‘Sweet Country‘, del australiano Warwick Thornton. El premio al Mejor Guión fue otorgado a Martin McDonagh por sus fabulosos diálogos en su nuevo film de ‘Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri‘. Lo anecdótico del palmarés, fue que premiaron con el Gran Premio del Jurado a Foxtrot, del israelita Samuel Maoz, y con la Copa Volpi al Mejor Actor al palestino Kamel el Basha por The insult. No faltaron las preguntas incómodas durante la rueda de prensa de los premiados, cuando se sentaron juntos en la mesa. A su vez, en el Jurado de la Sección Orizzonti, esta edición del Festival tuvo el honor de tener como Presidente del mismo al director italiano, Gianni Amelio, que presentó a su vez fuera de concurso su nuevo...

Read More
La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma
Sep08

La forma del agua: Guillermo del Toro en plena forma

Guillermo del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica… los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». En esta línea, ha presentado su nueva película -titulada The shape of water (La forma del agua)- en la  Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de Venecia, y como no podía ser de otro modo, ha vuelto a introducir un monstruo como elemento angular del film. Con La forma del agua, Guillermo del Toro vuelve a realizar otro cuento fantástico, a partir de una historia escrita por él mismo, y ambientada esta vez en plena Guerra Fría, en los años 60. Más concretamente, nos introduce en un laboratorio gubernamental de alto secreto, donde trabaja una mujer muda, Elisa (interpretada por una magnífica Sally Hawkins), que vive atrapada en una vida aislada, hasta que descubre y conoce al ser anfibio con el que andan experimentando en uno de los laboratorios. La historia bucea entre distintos géneros: fantástico, thriller, drama y romántico. Y a pesar de ser una película principalmente de entretenimiento, la historia tiene un gran peso socio-político llena de analogías. Aunque de lo que habla principalmente el film es del amor. En palabras de Guillermo del Toro: El agua siempre coge la forma de lo que la sostiene en el tiempo, y a pesar de que el agua puede llegar a ser tan leve, también es la fuerza más poderosa y maleable del universo. Del mismo modo funciona el amor ¿no? Da igual en que forma o recipiente depositemos el amor, se convierte en eso, ya sea un hombre, una mujer, o una criatura. En el film, aparecen muchos de los temas recurrentes en la filmografía de Guillermo del Toro, tales como la biología y su fascinación por el mundo fantástico. Temas como el ‘bien’ y el ‘mal’, la inocencia y la amenaza, lo histórico y lo eterno, lo bello y lo monstruoso, confluyen entre ellos demostrando que no hay oscuridad que pueda derrotar del todo a la luz. También en palabras de Guillermo del Toro: Me gustan las películas que son liberadoras, que te dicen que está bien ser quien sea que seas. Y parece ser que en los tiempos que corren, es un tema muy pertinente. Como a lo largo de su filmografía, los films de Guillermo del Toro destacan principalmente por su gran trabajo artístico, creando una atmósfera y estética propia, tanto en el departamento de arte como en el de vestuario. Guillermo del Toro logró juntar a su vez un maravilloso grupo de actores, en...

Read More
Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen
Sep03

Suburbicon: George Clooney haciendo de hermano Coen

George Clooney ha presentado en la 74 edición del Festival de Venecia su último film, Suburbicon,  que llevaba gestando ya desde hacía más de dos años. El proyecto nació inicialmente sobre la idea del evento sucedido en EUU, en Levittown, Pennsylvania, en los años 50, cuando en una zona residencial acudió a vivir una familia afroamericana, y en la misma noche en que llegaron se reunieron 500 personas en frente de su vivienda con banderas confederadas y con gritos racistas, construyendo un muro a su alrededor. Durante la escritura del guión junto a Heslov alrededor de esta idea, George Clooney recordó un guión de los hermanos Coen de hacía más de 20 años, que había quedado en un cajón. Se trataba de un guión con tema similar a los de Fargo o Quemar después de leer, con personajes insalvables tomando malas decisiones. Los Coen descartaron filmar ellos mismos el guión al querer avanzar hacia otros terrenos cinematográficos. Clooney vio factible adaptar el guión a los años 50 añadiendo los sucesos de Levittown, con la idea de darle además un toque todavía más enfadado al del guión original. Suburbicon destaca por su buena adaptación de los años 50 en los EEUU, donde lo mejor y lo peor de la humanidad queda reflejado en la gente ordinaria. Clooney ha reunido para ello un equipo creativo de alto nivel en todas las áreas, destacando la fotografía por parte de Robert Elswit y las partituras de Alexandre Desplat que cobran protagonismo en partes del film. En esta década posterior a la Segunda Guerra Mundial, la clase media norteamericana estaba en proceso de trasladarse a las zonas residenciales prefabricadas en casas asequibles en comunidades reducidas. Para muchos, este Sueño Americano de poseer una casa propia, con parking y jardín, empezaba a convertirse en realidad. Pero como matizó George Clooney en la rueda de prensa, esta realidad de los años 50 era posible solamente si eras blanco. Es de hecho la época a la que hace siempre referencia el actual presidente Trump en sus rancios discursos de Make America Great Again, aludiendo a la época de Eisenhower. Época, en la que Trump tenía la edad del niño protagonista. Aunque el proyecto nació antes de que Trump se convirtiera en presidente, el film ha terminado siendo idóneo para hacer metáforas y reflexiones alrededor del discurso de Trump. George Clooney no desaprovecha la ocasión para hacer política en sus films. De izquierda a derecha: Julianne Moore como Margaret y Matt Damon como Gardner en Suburbicon, de Paramount Pictures y Black Bear Pictures. Se trata de un film en el que la violencia va escalando lentamente, hasta llegar a un desenfreno total tarantiniano, con grandes dosis...

Read More
BCN Film Festival: primera edición
Abr29

BCN Film Festival: primera edición

Bajo el lema de “un día para el libro y la rosa… una semana para el cine“, nació el BCN Film Fest, un nuevo festival de cine en la ciudad de Barcelona, ubicado en los Cines Verdi, del 21 al 28 de abril: I FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BARCELONA-SANT JORDI (BCN Film Fest) En palabras de los organizadores, el BCN Film Fest nace con la intención de convertirse en un punto de encuentro imprescindible para el público de Barcelona. Un festival que nace, igual que la emblemática fiesta de Sant Jordi, con un carácter popular y abierto a todos los públicos y a todo tipo de géneros. Con 35 películas internacionales repartidas en distintas secciones, destacar las que han conformado la Sección Oficial en esta primera edición: CHURCHILL, de Jonathan Teplitzky – Premiere mundial DANCER, de Steven Cantor – Premiere española EL JUGADOR DE AJEDREZ, de Luis Oliveros (Fuera de competición) – Premiere catalana LA CASA DE LA ESPERANZA (The Zookeeper’s Wife), de Niki Caro – Premiere española LA CAZADORA DEL ÁGUILA (The eagle huntress), de Otto Bell – Premiere española LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA: AFTERIMAGE (Powidoki), de Andrzej Wajda – Premiere catalana EL SUEÑO DE GABRIELLE (Mal de pierres), de Nicole Garcia – Premiere española MARIE CURIE, de Marie Noëlle – Premiere española MAUDIE, de Aisling Walsh – Premiere española NAGASAKI: RECUERDOS DE MI HIJO (Haha to kuraseba), de Yôji Yamada – Premiere española SU MEJOR HISTORIA (Their Finest), de Lone Scherfig – Premiere española TANNA, de Martin Butler – Premiere española UNA BOLSA DE CANICAS (Un sac de billes), de Christian Duguay – Premiere española El Festival quedó inaugurado no obstante con la presentación de la película NORMAN, EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO, que contó con la presencia del actor Richard Gere y el director Joseph Cedar. La programación del Festival ha sido variada, contando con distintos registros y ofreciendo la posibilidad de ver documentales interesantes como el de La cazadora del águila o el último film del recientemente fallecido célebre director polaco, Andrzej Wajda, que narra la historia del pintor vanguardista polaco Wladyslaw Strzeminski, un artista que se opuso al realismo socialista y mantuvo su libertad creativa a pesar de los obstáculos políticos a los que tuvo que enfrentarse. La primera edición del BCN Film Fest se ha saldado con el siguiente reparto de premios en la Sección Oficial: PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR PELÍCULA El jurado de la Sección Oficial, compuesto por la cineasta Claudia Llosa, el productor de televisión, periodista y apasionado de la historia Toni Soler y el escritor de novela histórica Chufo Lloréns han decidido premiar a la película: EL SUEÑO DE GABRIELLE (Mal de pierres), de Nicole Garcia Resolución del jurado: “Por unanimidad,...

Read More
Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]
Feb28

Berlinale 2017: crónica de lo mejor de la Sección Oficial [parte II]

Continuación de la crónica de la Berlinale 2017:   The Other Side of Hope, de Aki Kaurismäki. Aki Kaurismäki se alzó con el Oso de Plata a Mejor Director con este film. Fiel a sus malos hábitos, al ser anunciado como ganador iba tan borracho que ni acudió a recoger el premio, sino que se lo tuvieron que llevar a su sitio en las butacas del Berlinale Palast. Y dio las gracias hablándole al Oso en lugar de al micrófono. The Other Side of Hope partía como una de las películas favoritas a ganar el Oso de Oro; parecía la película ideal hecha especialmente para la Berlinale -sin buscarle una connotación negativa al hecho en sí-. El cineasta finés construye una conmovedora historia sobre un refugiado que llega a Finlandia y pide asilo, a modo de mostrar una realidad que están viviendo muchos refugiados en Europa. Pero lo hace con su particular estilo y humor, y acompañado de la calidez de sus lacónicos personajes y sus coloridas y pictóricas composiciones. Y es que el humor de Kaurismäki es como un buen vino: con el paso de los años se ha ido refinando cada vez más, alcanzando en este film una de sus cúspides, siendo el resultado no solo cómico, sino también muy conmovedor. Una película necesaria en los tiempos que corren. En palabras del director finlandés: “Con este film, trato de hacer todo lo posible para deshacer el camino europeo de sólo ver a los refugiados como víctimas lamentables o como inmigrantes económicos arrogantes que invaden nuestras sociedades simplemente para robar nuestros empleos, nuestras mujeres, nuestras casas y coches. En la historia de Europa, la creación e imposición de prejuicios estereotipados arrastra un eco siniestro.Libremente confieso que The Other Side of Hope es, en cierta medida, una de esas llamadas películas de tendencia manipuladora, intentando influir en las visiones y las opiniones de los espectadores, tratando de manipular sus emociones a fin de alcanzar ese objetivo. Como este fin naturalmente fracasará, lo que espero que permanecerá, es, una ligeramente melancólica historia narrada con humor, y en el fondo, una  película casi realista sobre ciertos destinos humanos, aquí en este nuestro mundo, hoy en día.” A teströl és a lélekröl (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi. On Body and Soul fue la primera película a competición de la Sección Oficial que vimos los de la prensa, y en mi caso, el buen sabor de boca que dejó al inicio se fue consolidando a lo largo del Festival a medida que pasaban los días. Terminó siendo una de mis películas favoritas del Festival, junto a Insyriated. Su sinopsis: “María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y...

Read More
Berlinale 2017: El palmarés
Feb19

Berlinale 2017: El palmarés

La 67 edición de la Berlinale llegó a su fin. Como cada año, el Festival acogió propuestas cinematográficas de todo el mundo, muy distintas unas de otras, y la mayoría impregnadas de un toque político. La Berlinale se destaca de la mayoría de Festivales de cine de primera categoría tales como Cannes o Venecia, por ser un Festival no solo dirigido a la prensa e industria, sino que su esencia radica en ser también un Festival para el gran público, aumentando año a año los cientos de miles de espectadores que tiene a lo largo del mismo, en su gran cantidad de salas puestas a disposición. En febrero, la ciudad entera se pone a disposición de la Berlinale. El gran Jurado Internacional, presidido por Paul Verhoeven, y completado por Dora Bouchoucha Fourati, Olafur Eliasson, Maggie Gyllenhall, Julia Jentsch, Diego Luna y Wang Quan’an, tuvo que seguir el criterio del Festival y repartir los premios sin posibilidad de acumular premios una misma película. Los premios que decidieron conceder, son los siguientes: Oso de Oro a la mejor película: Teströl és lélekröl (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi. Oso de Plata del Gran Premio del Jurado Félicité, de Alain Gomis Oso de Plata del Premio Alfred Bauer Pokot (Spoor), de Agnieszka Holland. Oso de Plata al Mejor Director Aki Kaurismäki por Toivon tuolla poulen (The Other Side of Hope) Oso de Plata a la Mejor Actriz Kim Minhee en Bamui haebyun-eoseo honja (On The Beach at Night Alone) de Hong Sangsoo. Oso de Plata al Mejor Actor Georg Friedrich en Helle Nächte (Bright Nights) de Thomas Arslan. Oso de Plata al mejor Guion Sebastián Lelio y Gonzalo Maza por Una mujer fantástica de Sebastián Lelio. Los Premios corresponden a la Sección Oficial. La Berlinale consta no obstante de bastantes otras secciones, tales como Forum, Panorama, NATIVe, Generation, y otros Premios independientes. Una de las grandes sorpresas fue precisamente el Premio a la Mejor Ópera Prima, en el cual compiten todas las películas del Festival, independientemente de la Sección a la que correspondan. La vencedora fue Estiu 1993 (Verano 1993), película catalana de Carla Simón, que fue una de las películas revelación del Festival, sorprendiendo dentro de la Sección de Generation. Se llevó a su vez de forma ex aequo con Becoming who I was el Gran Premio del Jurado Internacional de la Sección Generation. Por otro lado, el Premio al Mejor Documental fue a parar a Istiyad Ashbah (Ghost Hunting) de Raed Andoni. Y con la entrega de Premios, el Festival llegó a su fin. Pero ya se anunciaron las fechas de la 68ª edición: del 15 al 25 febrero. Hasta la próxima edición,...

Read More
Berlinale 2017: Oso de Oro Honorífico para Milena Canonero
Feb10

Berlinale 2017: Oso de Oro Honorífico para Milena Canonero

Como cada año, la Berlinale rinde un homenaje con el premio del Oso de Oro Honorífico a alguna persona que ha contribuido con su trayectoria especialmente al cine de alguna forma u otra. En esta presente edición, el Homenaje es dedicado a la diseñadora italiana de vestuarios, Milena Canonero. Milena Canonero es una de las más célebres diseñadoras de vestuario del mundo. Su trayectoría abarca un largo recorrido de colaboraciones con prestigiosos directores de cine, tales como Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Sydney Pollack, Warren Beatty, Roman Polanski, Steven Soderbergh, Louis Malle, Tony Scott, Barbet Schroeder, Sofia Coppola y/o Wes Anderson. A lo largo de estos años, ha sido premiada con cuatro Oscars por sus fabulosos diseños de vestuario, y ha sido nominada otras cinco ocasiones. En palabras del Director de la Berlinale, Dieter Kosslick: “Milena Canonero es una extraordinaria diseñadora de vestuario. Con sus diseños, ha contribuido de forma decisiva en el estilo de muchas obras maestras cinematográficas. Con el Homenaje de este año, nos gustaría honrar a una gran artista, así como dar importancia y atención a otra profesión englobada en el mundo de las películas.” Los diseños de Milena Canonero son un resultado de un extensivo trabajo de investigación artístico-histórico, así como de conceptos sofisticados. Ella nunca adopta simplemente parámetros de las modas históricas, sino que las adapta de forma creativa a la necesidad de cada película. Con ello, ella no solo logra que se acentúe la personalidad de ciertos personajes, sino que también le da una textura específica a las películas a través de diseños muy detallados y originales. Sus creaciones, de hecho, han influenciado a la moda global, e inspirado a diseñadores tales como Alexander McQueen y Ralph Lauren. Con motivo del Homenaje, la Berlinale realizará una pequeña retrospectiva de diez películas en las que participó aportando su arte Milena Canonero: Barry Lyndon (1975, Stanley Kubrick) Chariots of Fire (1981, Hugh Hudson) A Clockwork Orange (1971, Stanley Kubrick) The Cotton Club (1984, Francis Ford Coppola) Dick Tracy (1990, Warren Beatty) The Godfather. Part III  (1990, Francis Ford Coppola) The Grand Budapest Hotel (2014, Wes Anderson) Marie Antoinette (2006, Sofia Coppola) Out of Africa (1985, Sydney Pollack) The Shining (1980, Stanley Kubrick) Canonero conoció a Stanley Kubrick justo al principio de su carrera, y fue para La naranja mecánica (1971) donde diseñó su primer vestuario para una película. Con ello, el color blanco perdió su inocencia y abrió nuevas puertas al diseño de vestuario. Y ya con su segundo trabajo para Kubrick, Barry Lyndon (1975), ya se llevó a casa su primer Oscar al Mejor Diseño de Vestuario (compartido con Ulla-Britt Söderlund). A continuación vinieron El resplandor (1980) de Kubrick y Carros...

Read More
Sitges 2016: La crónica del Festival
Nov07

Sitges 2016: La crónica del Festival

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges suele ser uno de los grandes acontecimientos del año, y lo ha vuelto a ser en esta 49ª edición. Este año la temática ha sido el universo Star Trek, que cumplía justo su 50 aniversario, y ha sido todo un placer para los fans ver Sitges impregnado de la esencia de este fabuloso universo, sacándole jugo al mismo ingeniosamente en los carteles y publicidad, así como otros detalles repartidos por el festival. En esta línea, bastante especial resultó la proyección de la primera película de Star Trek que se llevó a la gran pantalla: Star Trek: The Motion Picture (Robert Wise, 1979), contando con la presencia de sus montadores, que han realizado el montaje definitivo con una versión tal y como la deseaba Robert Wise. Emotiva resultó en dicha proyección la presencia de uno de los actores, Walter Koenig, que recibió su premio Máquina del Temps y se sentó posteriormente entre el público a disfrutar de la película. El Festival contó en esta ocasión con la presencia de grandes personalidades dentro del cine. Encabezó la lista probablemente el legendario actor Christopher Walken, actor en películas emblemáticas como La zona muerta, Pulp Fiction, La profecía, El cazador o Sleepy Hollow. Recibió el máximo galardón del Festival: el Gran Premio Honorífico. Y aprovechando su presencia en el Festival concedió una masterclass que comparto para los interesados haciendo click aquí. En su rueda de prensa, dijo lo siguiente: “No suelo viajar a muchos festivales, pero deseaba conocer Sitges y su gran Festival”. La otra gran presencia en el festival fue la Max von Sydow. Resumiendo su implacable trayectoria, von Sydow nació en Lund en 1929. Estudió interpretación en la Escuela Real de Teatro Dramático de Estocolmo y se trasladó a Malmö en 1955, donde conoció a Ingmar Bergman, convirtiéndose en uno de sus actores predilectos gracias a películas como El séptimo sello (57), El manantial de la doncella (60) o La hora del lobo(68). A lo largo de su carrera, ha trabajado con autores como Steven Spielberg, Martin Scorsese o Dario Argento, y sus interpretaciones en El exorcista (73) y Pelle el conquistador (89) han hecho de él un icono del cine mundial, que atraviesa géneros y fronteras. Dos de sus papeles más recientes han sido en Star Wars: El despertar de la Fuerza (15) y en la serie Juego de tronos. La tercera gran presencia en el Festival fue la del legendario guionista de Taxi Driver y Toro salvaje, el gran Paul Schrader. Presentó en competición oficial su nuevo film, Dog eat dog, y fue galardonado con el premio de la Màquina del temps. Su masterclass, fue seguramente uno de los eventos cúspide del Festival, realizando reflexiones sobre el futuro del cine. Para los interesados, aquí el link....

Read More
Primavera, Verano, Cineuropa e Invierno
Nov05

Primavera, Verano, Cineuropa e Invierno

Recién inaugurado el mes de Noviembre, hasta la lluvia ha querido salir a recibir a un festival que este otoño cumple treinta espléndidos años. Treinta ediciones dedicadas al séptimo arte, apostando por un cine arriesgado, comprometido, innovador y valiente; premiando a directores, actores y guionistas que tanto talento nos han regalado. Arranca, a escasos tres días, un Cineuropa especial por emotivo, y emotivo por nostálgico; porque en esta edición, además de estrenar certamen, han querido hacer repaso del tenaz recorrido que nos ha traído hasta aquí, del fértil camino que tantos amantes del género hemos cruzado fielmente cada temporada. Desde aquél novel 1987 en el que los desaparecidos cines Valle Inclán abrieron sus puertas durante una escasa semana para proyectar las veinte películas que verían nacer al hoy orgulloso -no es para menos- y medrado concurso, pasando por recordadísimas muestras como la de 1991 que incluyó por primera vez una película sorpresa o la que conmemoró su décimo aniversario en 1996, en la que nombres tan diversos como los de Jean Renoir, Kurosawa, Ettore Scola, John Ford, Zhang Yimou, Richard Linklater (que llegaba recién premiado de Berlín), Kenneth Branagh (León de Plata como director en Venecia) o Raul Ruiz conformaron un heterogéneo programa que ya incluía por esas fechas 64 títulos de veinte nacionalidades diferentes exhibidas a lo largo de todo un mes… un periplo de treinta otoños que llega con la mochila cargada de recuerdos, de experiencias y de momentos inolvidables; treinta actos de un espectáculo que sabe a madurez y a veteranía, que arranca este martes con dos avales: un curriculum impecable y la persistencia de un público agradecido y entregado, siempre apoyando a esa organización de admirable implicación -merecedora de todo reconocimiento- y determinación: vigorosa superviviente de conflictos tan aparentemente irresolubles como los que hicieron peligrar su realización en 1995 con las obras del Teatro Principal, los diferentes cambios de gobierno y sus recortes, la desidia con que la política trata a la cultura o las grandes crisis que han azotado al sector implacablemente. Será precisamente Carlos Saura, elogiado cronista de la España más negra, quien recoja el 26 de Noviembre el Premio especial con que Cineuropa quiere reconocer -en palabras del propio José Luis Losa- su coraje, su valiente descodificación de la realidad, su grandeza artística y su pulso cívico. Disfrutaremos del pase de Zonda: folclore argentino, documental musical que el director firmó en 2015. También sabe de dificultades obstrucciones administrativas Chema Prado, que cesa en su cargo después de 26 años al frente de la Filmoteca Española, y al que este año se otorga, con especial cariño, el segundo de los Premios Especiales.  Unos...

Read More
64 Festival de San Sebastián: Top 10
Oct25

64 Festival de San Sebastián: Top 10

La 64ª edición del Festival de San Sebastián volvió a tener un magnífico repertorio de películas en la sección de Perlas -a pesar de echar de menos algún título como Paterson– así como en la sección de Zabaltegui. La Sección Oficial por su parte volvió a ser bastante irregular a mi gusto, y destacó en ella principalmente la curiosa nueva propuesta de Bertrand Bonello, Nocturama, que sin embargo fue también ‘censurada’ en el palmarés. Finalizado el Festival, toca como de costumbre hacer el Top 10. La mayoría de ellas estarán en las salas del cine próximamente, por si queréis tomar nota:       1. Toni Erdmann Exquisita comedia dramática de Maren Ade. No ha sido solamente la gran sorpresa del Festival, sino también una de las mejores películas del año a mi parecer. Una película alemana que ha sabido distanciarse del típico humor usual de su país, y con una genuina inteligencia ha logrado teñir con un fabuloso humor escenas hilarantes que tratan temas profundos. Sus 164 minutos de metraje no resultan en ningún caso pesados, sino más bien todo lo contrario: uno se lo pasa tan bien que ni se entera de que han pasado prácticamente tres horas al finalizar el film. Absolutamente magnífica y deliciosa, repleta de escenas inolvidables (con probablemente una de las escenas más originales y disparatadas de desnudos), y un personaje entrañable. Película imprescindible del año, de la que no quiero desvelar nada más.      2. Sieranevada Otra de las grandes sorpresas del Festival, que ya creó expectativas con las impresiones recibidas desde Cannes. La película sucede en este contexto: Tres días después del atentado contra Charlie Hebdo y cuarenta días después de la muerte de su padre, Lary – 40 años, médico – va a pasar el sábado con su familia, reunida en memoria del difunto. El evento, sin embargo, no se desarrolla como estaba previsto. Obligado a afrontar sus miedos y su pasado y forzado a reconsiderar el lugar que ocupa dentro de la familia, Lary tendrá que decir su verdad. El film está repleto de maravillosos diálogos, que cuestionan y debaten distintos temas tanto de actualidad como de memoria histórica. Y ello sin que falte el humor. Prácticamente toda la acción sucede en la casa familiar donde se van sucediendo una serie de acontecimientos que van retrasando la ansiada comida. Maravillosamente filmada, aprovechando los espacios donde colocar la cámara al límite con tomas largas, con un estilo propio, toda una lección de realización cinematográfica. Un film que hay que degustar.      3. Arrival (La llegada) Dennis Villeneuve no necesita carta de presentación. Desde que hiciera Incendies en el 2010 no ha dejado de sorprender proyecto tras...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Días 7 y 8
Sep26

64 Festival de San Sebastián – Días 7 y 8

Los dos últimos días del festival depararon unas cuantas sorpresas, con obras muy esperadas como ‘Arrival’, el decepcionante ‘Rage’ de Lee Sang-Il o la nueva cinta animada de Makoto Shinkai. Una de esas sorpresas fue ‘Florence Foster Jenkins‘. No estoy diciendo que sea una buena película pero tenía unas expectativas tan bajas ante esta película que me esperaba una comedia genérica y sin gracia más, y quizá, por esas expectativas, me sorprendió; es una película sencilla, que no tiene nada que ofrecer aparte de un gag utilizado como macguffin que a partir del primer cuarto de película ya se siente estirado. Pero por fortuna, Frears no frivoliza las situaciones en las que se ven envueltos los protagonistas más de lo adecuado, y esto junto a una puesta en escena concorde con el tono de la película y unas buenas actuaciones de sus intérpretes consigue que Florence Foster Jenkins no sea otro producto hollywoodiense destinado al absoluto fracaso desde su concepción. No obstante, es inevitable pensar que Frears y el guionista Nicholas Martin desaprovechan una historia que perfectamente podría haber dado más de sí; solo al final vemos algo de lo que podría haber sido, una obra sobre el delirio megalómano de una mujer obsesionada con su sueño. Por desgracia, la película parece más una recopilación de sketches de momentos comprometidos y bochornosos tan típicos de la comedia clásica de Hollywood, y es imposible negar su evidente simpleza y la irrelevancia de sus subtramas. Aun así, no se puede decir que sea un producto fallido porque ya desde la forma elegida para ser llevada a la pantalla es una obra que apenas tiene algo interesante que aportar. Luego pudimos ver ‘Fuocoammare‘, el documental de Gianfranco Rosi ganador del Oso de Oro en Berlín en esta pasada edición. Delicado, hermoso y poético, Rosi muestra su capacidad de mezclar realidad y ficción de forma resuelta y su gran sensibilidad ante problemas universales. Podéis leer la crítica de nuestro compañero Rubén aquí. Ante una obra de animación, y más si es nipona, hay que acercarse con cierto cuidado e intentando comprender su contexto artístico y cultural lo mejor posible. Con ‘Your Name’, la nueva obra del director japonés Makoto Shinkai, no hacerlo puede llevar a que la película produzca un bochorno que acabe resultando en risas no pretendidas. El uso de la música en momentos emotivos, la dramatización exagerada y los momentos cómicos de esa jocosidad propia del anime pueden resultar chocantes si esta es una primera incursión al terreno del anime o a las obras de Makoto Shinkai en general. En mi opinión, y habiendo visto bastantes películas y cortos de Shinkai, este tono tan ridículo...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 6
Sep22

64 Festival de San Sebastián – Día 6

La que sea posiblemente la película más larga que vea durante el festival puede que acabe siendo mi película favorita de esta edición a falta de dos jornadas. ‘Sieranevada’ de 173 minutos, es la última obra del autor rumano Cristi Puiu. Lary se reúne con su familia en una comida familiar en memoria de su difunto padre, y esta reunión será desencadenante de cientos de conversaciones de cientos de temas diferentes; de disputas familiares y de reflexiones llenas de vida y humanidad. Rodada en larguísimos planos y una cámara que sigue a los personajes que hablan, es impensable que esta película sea solo producto de un guion escrito; que nada nazca de la pura improvisación y naturalidad que los actores ofrecen a la perfección. La presentación y construcción de los personajes es magistral, y rápidamente se conecta con este microcosmos familiar lleno de mentiras y disputas. Al final, todos los actores ofrecen un trozo de vida, la conexión emocional con los personajes es brutal y, aunque hay momentos que el relato pierde fuerza -sobre todo en su tercera parte, en la que resulta no avanzar más hasta que finalmente vuelve a encontrar su rumbo- son 3 intensas horas de comedia y drama; de vida y muerte. Oliver Stone, uno de los principales directores de dramas políticos en Estados Unidos, presentaba su último trabajo sobre el archiconocido filtrador de documentos de la NSA Edward Snowden. ‘Snowden‘ es otra más dentro de sus pésimos últimos trabajos, mostrando que parece imposible que vuelva a encontrar la calidad de sus películas en la década de los 80. Bien documentada y con un guion correcto, el principal problema de la película es la dirección. Con unas decisiones incomprensibles en cuanto a la puesta en escena y el montaje, la película acaba convirtiéndose en una comedia no pretendida. Por si fuera poco las actuaciones principales dejan bastante que desear, con el Joseph Gordon-Levitt menos inspirado que recuerdo. Después del excelente documental ‘Citizenfour’ de Laura Poitras, que narra con precisión documental los momentos decisivos de las filtraciones, uno se puede llegar a preguntar si esta película es realmente necesaria ya que lo único que Snowden añade a este documental es una trama romántica insufrible, planos injustificados sin ningún tipo de propósito narrativo o un uso de la música que busca reforzar emociones de una forma tan típica como estúpida. Aunque por suerte la película mantiene un ritmo entretenido durante todo el metraje, eso no basta del todo. Quizá Oliver Stone debería a empezar a pensar en el retiro. Por último hemos visto la ganadora de la Palma de Oro en su última edición: ‘I, Daniel Blake‘ del británico Ken...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 5
Sep21

64 Festival de San Sebastián – Día 5

Nacho Vigalondo ha vuelto a la dirección con su nuevo título ‘Colossal‘, comedia dramática con kaijus y mechas de por medio. Sigue los mismos tópicos y la constante autoconsciencia de la que el director hace uso en la narración en todas sus películas -como, por ejemplo, en ‘Extraterrestre’-, con resultados divertidos en la primera mitad de la película pero que acaban siendo agotadores y ridículos en la segunda mitad. Realmente, Vigalondo tiene poco que contar en su película más que una anécdota utilizada para salir al paso de una comedia romántica al uso y una fallida representación del empoderamiento de la mujer, con una protagonista principal que se supone independiente, pero acaba tomando todas sus decisiones a partir de la repercusión que podrán tener para los protagonistas masculinos. Además, las actuaciones no son destacables, la puesta en escena no es atractiva en ningún momento y resulta torpe. Algunas escenas llegan a ser vergonzosas y la trama se ve forzada a avanzar sin mucho éxito, con un clímax débil y patoso. Vigalondo sigue siendo fresco y divertido, pero es inevitable pensar que esta fórmula no le va a funcionar para siempre, y que la mecha se le va apagando.   Si la nueva obra de Vigalondo no había sido satisfactoria, la ópera prima de Miles Joris-Peyrafitte resultó ser el desastre de la jornada. ‘As You Are‘ es un drama independiente sobre la adolescencia que narra con nada de fortuna la relación entre un grupo de amigos hasta llegar al punto en el que un fatal acontecimiento sucede. Como se llega a este punto es un absoluto calvario, con un uso de la música atroz, unas actuaciones lamentables, un montaje confuso y sin sentido, un guión horroroso, con máximas machistas y una reflexión sobre la homosexualidad banal. Es una película extremadamente superficial, de la que es difícil rescatar algo que no sean las buenas intenciones del director en cuanto al estilo visual, aunque este acabe resultando un desastre por tomarse demasiado en serio sin notar que el material con el que trabaja es lamentable y las capacidades del director son nulas. Fácilmente la peor película de la sección oficial del festival, y posiblemente del año.     Por suerte, la sorpresa del día vino con ‘Luces de verano‘, la primera obra de ficción del antes documentalista Jean-Gabriel Périot. El director francés se traslada a Japón para narrar una obra que sirve como testimonio tardío de un pueblo ante un acontecimiento atroz que cambió el rumbo de la historia -el bombardeo de Hiroshima-, pero también como testimonio de una reconciliación cultural y una recuperación de la memoria histórica perdida. La obra puede resultar en cierto modo autobiográfica ya que,...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Días 3 y 4
Sep20

64 Festival de San Sebastián – Días 3 y 4

Estos dos días de festival nos han dejado una buena tercera jornada con una de las obras que más han dividido al público del festival y un cuarto con varias interesantes propuestas. Esta primera y controvertida película es ‘Nocturama‘, la nueva obra de Bertrand Bonello, uno de los directores franceses más prometedores del momento. Es una obra pretendidamente superficial y frívola, y esta frivolidad en un tema como la de los atentados terroristas en un país como Francia puede escocer a algunos. En mi caso, no me entusiasmó esta película, pero tampoco la odié ni su punto de vista banal me pareció ofensivo. Mis razones para quedarme indiferente son sobre todo por razones estilísticas del autor, ya que a pesar de que su anterior ‘Casa de tolerancia’ me gustara, en esta película no noto que su estilo case con sus intenciones, creando una primera mitad interesante en su forma pero a la que le cuesta avanzar, y una segunda mitad que llega a alcanzar el ridículo total. Como ya he dicho antes, frivolizar sobre un tema tan duro para crear un drama sobre adolescentes no me parece un problema. En todo caso, su puesta en escena y sus cambios de tono son lo que me termina resultando molesto.   Más tarde asistimos al debut de Johannes Nyholm en el largometraje con ‘The Giant‘, un drama centrado en la discapacidad con un punto de partida rocambolesco: un hombre deforme que vive en una institución para discapacitados necesitado de una figura materna y que juega un campeonate internacional de petanca. Todo esto mientras hay confusas apariciones de un gigante de 60 metros. Esta idea podría haber dado para situaciones interesantes en cuanto a la ridiculización de estigmas sociales frente al deporte y la discapacidad. En cambio, no deja de ser un drama sensiblero que apela tristemente a la compasión del espectador para crear empatía. Nyholm, que usa un estilo visual presumiblemente feo, desaprovecha las cualidades que ya mostró tener en sus anteriores cortometrajes, y no consigue darle una identidad reconocible a su ópera prima.   Tras esta vimos ‘On the Milky Road‘, la nueva obra del excéntrico director serbio Emir Kusturica. Con uno de los comienzos más divertidos e interesantes de este año, la película acaba en balde en cuanto encuentra un rumbo fijo que seguir. Los primeros 30 minutos de metraje son pura libertad creativa y extravagancia, con un Kusturica desatado en la dirección y poniendo toda la carne sobre el asador con ideas disparatadas que funcionan milagrosamente. Y una vez mostrado todo el potencial del que dispone, se encierra en una trama romántica soporífera que destruye toda la experiencia creada hasta ahora, para volver...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 2
Sep18

64 Festival de San Sebastián – Día 2

Este segundo día del festival de San Sebastián nos ha dejado la última película de Alberto Rodríguez, ‘El hombre de las mil caras‘, basada en la historia real de Francisco Paesa -lo más destacable de la película, la actuación de Eduard Fernández-, ex agente secreto del gobierno español que ayuda a un ex Director de la Guardia Civil a esconder dinero malversado. Tristemente, marca un paso atrás en la carrera de Rodríguez, que tras su brillante ‘La isla mínima’ ha dirigido una obra genérica y sin alma, en un intento de emular fórmulas de espionaje del cine hollywoodiense, limitándose simplemente a contar una entretenida historia pero sin ningún añadido que la convierta en una obra interesante. Pretende ser un thriller vertiginoso, pero el montaje fallido y la falta de ritmo acaba resultando preocupante. Es un cine en el que Rodríguez parece no sentirse cómodo y se esfuerza demasiado por hacer una película que guste a todo el mundo, un espectáculo plano destinado exclusivamente al consumo comercial. Luego pudimos ver ‘Little Men‘, drama independiente estadounidense sobre la amistad de dos adolescentes y la influencia de los conflictos entre sus padres en su relación. Una película intimista que se une a la larga lista de dramas salidos de Sundance que cuentan una misma historia con ligeros detalles cambiados pero sin nada fresco que ofrecer en el plano narrativo. Ira Sachs muestra una gran sensibilidad de nuevo en cuanto a relaciones afectivas, pero tiene varios tics que fuerzan demasiado la maquinaria narrativa como si el conflicto planteado no fuera lo suficientemente atractivo o capaz de por sí solo. Después fue el turno de ‘La tortuga roja‘, que tanto está dando que hablar al ser la primera película de Studio Ghibli con producción no japonesa, y un director no salido de la casa nipona; el holandés Michael Dudok de Wit. Evidentemente, como en todas las producciones de este prestigioso estudio, las expectativas era altísima. En mi opinión, se cumplen todas. El largometraje de 80 minutos de duración se vale de imágenes bellísimas y metáforas sencillas y directas para narrar una historia que no necesita ni un solo diálogo en toda la película. Este cuento sobre un náufrago en una isla desierta y su encuentro con una gigante tortuga roja, aunque con ciertas diferencias estilísticas respecto a otras producciones de Ghibli, encaja sin problemas en el conjunto de obras que han entregado hasta ahora. Una de las mejores películas de animación del año. El siguiente pase fue el de ‘Le ciel flamand‘ producción belga perteneciente a la sección de Nuev@s Director@s dirigida por Peter Monsaert. Como el propio director indicó durante una sesión de Q&A posterior a la película, aunque el tema...

Read More
64 Festival de San Sebastián – Día 1
Sep17

64 Festival de San Sebastián – Día 1

Esta nueva edición del festival de San Sebastián ha sido inaugurada con La doctora de Brest, drama legal basado en hechos reales que narra, o al menos lo intenta, los intentos de una doctora de retirar un medicamento tóxico para los pacientes que lo ingieren. Así, el festival daba comienzo con una película que intenta ser apasionante pero que es irremediablemente floja, y, sin llegar a ser insultante, resulta torpe en casi todos los sentidos; decisiones en la dirección – de Emanuelle Bercot – sencillamente incomprensibles, una construcción de personajes más que obvia además de bochornosa, un tono pseudocómico que resulta totalmente innecesario, un montaje atropellado y carente de elegancia y un uso de la música que no se atiene a ningún propósito concreto. Las actuaciones son del mismo palo, y la danesa Sidse Babett Knudsen, aunque salva los platos en los momentos dramáticos, se muestra innecesariamente histriónica, seguramente más por culpa de Bercot que suya.  La película avanza a trompicones y Bercot introduce elementos incompresibles, como una supuesta relevancia de la familia de la protagonista que no lleva a nada y subtramas que solo sirven para reforzar de manera más obvia si cabe el carácter idealizado de la protagonista. Su metraje acaba resultando pesado, con pocos momentos que destacar, metáforas baratas a cada cual más resultona y una sensación de que se ha visto una película más de tantas, una obra absolutamente olvidable. La segunda película que tuvimos oportunidad de ver fue ‘Toni Erdmann‘, galardonada en Cannes y que llega tras arrasar con críticas positivas en todos los festivales por los que pasa. Al festival de San Sebastián llega en la sección de Perlas, y no es para menos. Maren Ade ha logrado su mejor película hasta el momento, una comedia dramática de 2 horas y 40 minutos que en ningún momento resulta pesada, y con una sensibilidad excepcional que otorga a sus momentos dramáticos una honestidad y naturalidad espléndida. La buena mano de Ade para tratar las emociones y relaciones humanas le permite hacer una brillante disección de las relaciones paternofiliales ejemplificada en Winfried -y su inagotable alter ego Toni Erdmann- y su hija Inés. Lo que en principio parece una comedia sobre un padre que no puede evitar meter la pata constantemente y poner en aprietos a su hija -jefa de una importante consultora en Rumanía- se muestra como una compleja historia en la que, sí, hay mucho diálogos y situaciones hilarantes, pero los silencios son también muy importantes. Alcanza niveles cómicos excepcionales para 5 minutos más tarde dejarte por los suelos con escenas cargadas de emotividad, debido en parte al encomiable trabajo de Maren Ade en la dirección de actores....

Read More
Nocturna Film Festival – Días 6 & 7 – La noche en que el cine ganó al fútbol
May30

Nocturna Film Festival – Días 6 & 7 – La noche en que el cine ganó al fútbol

DÍA 6 He pasado a por mis entradas y no había un alma. He salido, he vuelto un rato más tarde y en el cine no cabía la sombra de un alfiler: Bienvenidos al Nocturna Film Festival. Hoy ha habido bastante afluencia y expectación en el festival. Llamadme loco, pero he sacado la conclusión de que es posible que fuera porque era el día de clausura. Pero todo eso ha sido después de la sesión de las cinco. Embers ha sido una sorpresa agradable. La ópera prima de Claire Carré se sitúa en un futuro postapocalíptico en el que todo el mundo ha perdido la memoria y vaga por el planeta padeciendo los efectos de una amnesia constante. El encanto de esta película es precisamente lo discreta que es. No se le notan pretensiones, ni ganas de tenerlas. Sus diversas tramas no contienen giros inesperados ni están escritas para ser memorables. Aunque el ritmo no levanta el vuelo, no es pesada. Se ve con comodidad. La primera cola importante de la tarde llegaba hasta la salida del cine (y aún así no sería la más larga de hoy). La gente portaba DVDs (¡incluso VHS!) de ediciones especiales de Un hombre lobo americano en Londres o Granujas a todo ritmo para que se los firmara el ídolo John Landis, caballero por fuera, estrella de rock en derredor. A mí me lanzaron un mal de ojo porque no estaba formando parte de la serpiente que conducía a la mesa de firmas del director americano. “Te vas a arrepentir toda la vida”, me maldecían. No está de más recordar que la única película de Landis que he catado en mi vida la vi ayer. Y la segunda la vería a continuación. Burke and Hare es una sencilla comedia negra con Simon Pegg y Andy Serkis (con estos dos a la cabeza, muy mal no puede salir la cosa). Dos estafadores de poca monta vislumbran el negocio de su vida cuando personas de su entorno del Edimburgo cochambroso de principios del siglo XIX empiezan a diñarla. Casualmente, un prestigioso doctor (Tom Wilkinson) está dispuesto a pagar un buen dinero por cadáveres frescos para sus clases de medicina. Pasan algunas cosas divertidas, otras escatológicas, y puede pecar de sensiblera al final, pero en general hay jolgorio para toda esa gente a quienes nos hacen gracia la profanación y el asesinato. La primera cola del día salía del cine. La segunda cola le daba la vuelta. Todos estaban invitados para ver la premiere mundial de Expediente Warren 2: El caso de Enfield. Yo no os voy a contar sobre eso. Nada más mencionar que lo...

Read More
Nocturna Film Festival – Días 4 & 5 – Diez minutos con Nacho Vigalondo
May28

Nocturna Film Festival – Días 4 & 5 – Diez minutos con Nacho Vigalondo

DÍA 4 En el Nocturna hoy ardía el photocall incluso más que en el día de la inauguración. Al calor del flash, posaban los responsables y participantes del corto que más parda la ha liado hasta el momento. A mis veintiún años, creí haberlo visto todo (mal asunto si así fuera), pero en el tema de material promocional, jamás en toda mi vida me había cruzado con pajaritas que anunciaban el título de You’re Gonna Die Tonight, la obra de Sergio Morcillo que se convirtió en el acontecimiento de la noche. Nombrar a todos los miembros del equipo de fútbol que se acumuló en el escenario sería una locura. Reconocí, sin embargo, al mismo director, al guionista Álvaro Fuentes y al productor Adán Latonda, el dueño y señor del estudio Fonofox. El corto, una dedicatoria al recordado Wes Craven, rodado en inglés con acento español, sigue a una mujer que vuelve a su casa entre flashbacks de una noche loca de las que salen en los videoclips, para relajarse y darse un homenaje. De pronto, recibe la llamada de un acosador que claramente vio Scream. Esta no es la única referencia/homenaje a los clásicos del slasher, pues el psicópata en cuestión tiene una máscara de piel de cuyo responsable quiero el número de teléfono. Morcillo no se esconde de la sangre ni el morbo, y a los fans les encanta que sea así. De momento, es el corto con más arco argumental que he visto en el festival (y aun así no le daría la Palma de Oro), y eso se agradece, especialmente en un momento de la semana en el que empezaba a pensar que el género de terror en el formato breve estaba agotando sus posibilidades. El ausente Jaume Balagueró (que en ese momento, según se anunció, estaba ocupado tuiteando “la batalla entre los antidisturbios y los protestantes en el barrio de Gràcia”) producía la película que venía a continuación, a cargo de Alberto Marini. Película española rodada (mayoritariamente) en inglés sin acento español, Summer Camp hizo estallar a más de uno. En los momentos en que pretendía dar terror, daba risa. En los momentos en que pretendía dar risa, daba risa. Esto ya nos dice algo positivo: te guste o no, seguramente te lo pases bien en un momento o dos, especialmente teniendo en cuenta que no está exenta de puntazos, como una desternillante y negra escena que tiene que ver con el inoportuno sonido de un teléfono móvil y un final que juega estupendamente la carta de la anticipación hasta que se hace tan explícito que pierde fuerza. Hubo algún incidente con el formato de...

Read More
Nocturna Film Festival – Días 2 & 3 – ¡Están locos estos coreanos!
May26

Nocturna Film Festival – Días 2 & 3 – ¡Están locos estos coreanos!

DÍA 2 Este martes he llegado corriendo tal que “¡No llego para cenar, no llego para cenar!”, y no ceno en horario inglés, así que más o menos se presupone la hora que era. Debo de ser el único individuo con una acreditación colgando del cuello que se acaba de enterar de dónde debía recoger las entradas en reserva. Quienes me han visto, se acordarán al instante del ricitos de oro esperando al lado de la cola mientras todos los demás cruzaban. No he conseguido hablar con María Forqué, que estaba allí para presentar un nuevo cortometraje. En cuanto recogí mi entrada, me senté en la butaca asignada, que resultaba ser justo detrás del club de fans de la Forqué, el director Pedro Pastor y el actor Ramón G. Del Pomar. Tantísimos aplausos ahogaron casi todas las palabras que salían del escenario. La expectación para el corto de la noche llegaba a cotas de Champions. “Y ahoPLASPLASPLASPLASra presenPLASPLASPLASPLAStamos PLASPLASPLASPLAS Into The Mud”. Tal vez no fue así, pero sí era ése su título. Se trataba de una historia bien simple (aunque si a alguien aplaudiría yo sería al departamento de maquillaje) con un plot twist muy curioso. La cosa empieza con la Forqué totalmente sucia, maltrecha y desnuda en un bosque, secuestrada por un redneck de malas intenciones. Al final de la escapada es donde tiene su pequeña sorpresa. Básicamente la mitad de la sala (y no es pequeña) se vació para cuando comenzó el largometraje. Yo me figuro que eso era porque habían venido a ver la obra de sus amigos y no porque lo que venía a continuación fuera malo… pero posiblemente más de uno habría huido más rápido de saber lo que esperaba. Al fin y al cabo, el cine surcoreano no es para todo el mundo (el autor no se ha dado cuenta de que la película es de Hong Kong). Podría contar con los dedos de una mano mutilada las veces en las que una película surcoreana (el tipo sigue sin darse cuenta) me ha decepcionado o simplemente no me ha sorprendido de ningún modo. Tienen esa naturaleza extraña, con una tónica distinta a los japoneses – que también se las traen-, ese tratamiento creativo tan curioso de cualquier escena que un occidental rodaría usando la lógica y no la tripa. Son funambulistas que se balancean minuto a minuto entre el genio y el ridículo. Keeper Of Darkness (dirigida y protagonizada por Nick Cheung) no es distinta… pero es hongkonesa (“los surcoreanos están loquísimos”, le decía yo a más de una persona después de salir… ¡ay, pardiez!). La historia de un exorcista en la era post-Bleach da...

Read More